Présentation par Manon, Manon et Manon du lycée Millet de Cherbourg
Synopsis par Noémie : Le COD et le coquelicot est un film documentaire de 24 minutes qui nous raconte l’histoire d’une école primaire en banlieue parisienne à travers les voix de cinq professeurs. Celles-ci donnent une ambiance de « podcast » à ce court métrage. De nombreuses techniques utilisées pour faire le film peuvent sembler étonnantes pour le spectateur : du dessin, de la peinture, du papier découpé constituent la majorité des images auxquelles se mêlent des photos de la réalité. Les différentes histoires des professeurs abordent les sujets de la violence scolaire, les conditions de travail dans lesquelles ils se retrouvent mais aussi leurs interprétations de ce que pensent et ressentent leurs élèves. Les bons et les mauvais moments d’une année scolaire sont montrés et malgré tout il ne faut pas perdre espoir comme nous le montre la fin du documentaire.

Le documentaire imite le scrapbooking, dénonce la difficulté des enseignants à s’adapter au monde contemporain de leurs élèves. Entre racaille et programme scolaire défaillants, une métaphore est mise en avant dans ce documentaire :

Pourquoi apprendre le principe du C.O.D. à un enfant alors qu’il ne connait pas un simple coquelicot ?

Le documentaire documente de façon ludique les enjeux et les difficultés des élèves et des enseignants face à un programme complètement illusoire mis en place par un gouvernement non renseigné.
Ce film documentaire prend place dans une école primaire dans un quartier réputé comme étant difficile de Paris. On y suit le point de vue de cinq enseignants qui prennent pour pari de réussir à éduquer et aider les élèves sans abandonner comme les précédents. Ainsi, on découvre une vision bien plus intime et complexe de la vie d’un enseignant face à des élèves turbulents et en difficulté, en plus de leur détermination à tenir bon et à avoir de l’espoir face aux défis du quotidien.

Ce documentaire questionne la place des femmes dans la société contemporaine, notamment dans certaines banlieues pavillonnaires américaines, une norme sociale imposée. Il montre des vidéos publiées sur des réseaux sociaux par des femmes qui se filment faisant le ménage. Cette accumulation nous amène peu à peu à découvrir une réalité plus intérieure, nous révélant leurs difficultés à supporter leurs conditions de femmes au foyer, irréprochables et parfaites.

Un autoportrait filmique Un homme qui vit dans un village du Jura relate une rupture amoureuse douloureuse qui l’amène à la dépression. Son film est composé de plans empruntés à de nombreux autres films qu’il visionne de façon boulimique durant cette période. Cela ressemble à un autoportrait sans montrer son apparence. La forme plastique du film, en effet, ne révèle pas le visage du réalisateur. Ce dernier parle de lui sans se montrer et pourtant les plans font allusion à ce qu’il a vécu. C’est une œuvre paradoxale faite à partir d’images qui ne lui appartiennent pas. Le réalisateur utilise sa propre voix en Voix Off pour relater son histoire, ses souvenirs et ses intentions. Cette parole est une forme d’autoportrait oral et littéraire mais elle est désincarnée car la voix est monotone et presque mécanique. L’émotion passe donc par les images et les plans choisis (images d’archives, paysages, objets, personnages en action…) qui reflètent sa subjectivité et ses émotions. Elles ne sont pas neutres mais chargées de sens personnel. Le montage, c’est-à-dire le choix d’enchaînements des scènes retenues, crée un récit, presque comme un journal personnel ou une chronique intime.Cette œuvre relève du cinéma expérimental, pratique artistique relevant à la fois des Arts plastiques et du cinéma d‘art et d’essai. Ici, c’est la technique du found footage (montage d’images récupérées / trouvées à partir de 400 films, Franck Beauvais parle de « Cinéfolie ») qui est utilisée. Cette technique est souvent exploitée pour questionner la mémoire, la subjectivité et la reconstruction du réel. Le cinéma devient un matériau associé au texte.



On peut repérer 3 types de rapport texte/image :

1 - Rapport de redondance : l‘image montre ce que le texte dit ;
2 - Rapport de disjonction : l‘image s’écarte de ce que le texte dit, ce qui amène le spectateur à une certaine confusion ;
3 - Rapport de collaboration : l‘image complète ce que le texte dit, ce qui amène le spectateur à interpréter pour construire du sens.

Les extraits de Films sont tous très différents les uns des autres. Cette diversité reflète bien la fragmentation et le chaos de son état mental. Elle symbolise aussi la multiplicité des émotions ou des souvenirs.
La voix off adopte un ton monocorde, elle ne laisse paraître aucune émotion et rend le récit triste. Le récit en Voix Off a été écrit avant, séparément du montage. Le montage a comme point de départ le texte enregistré et les plans sont positionnés tel un puzzle. C’est un montage par jeu métaphorique, d’association d’idées, d’homophonie, de jeu de contraires, ironique, de dérèglement sémantique, de correspondances formelles et chromatiques. C’est donc l’image qui rend cette œuvre expressive et ce sont les extraits choisis et leur montage qui humanisent le propos.
Pour conclure, on peut dire qu’il utilise la réalité des films pour en faire la réalité de sa vie. L’esthétique du collage fait apparaître une fragmentation qui peut évoquer son chaos ou son désordre intérieur.
Le réel est donc reconstruit par le dispositif de montage d’images et de réinterprétation, pourtant ce film a une dimension documentaire. Il documente sa vie et l’expérience de la dépression. Il implique le spectateur de plusieurs manières, émotionnellement par les images et intellectuellement en interprétant la relation texte image.

Synopsis  : Filmer le temps qui passe, traiter l’évolution et parler de sa grand-mère de manière indirecte, voilà ce qui est à la base du documentaire animé et décalé d’Angèle Chiodo. Le tout était d’entremêler ces sujets de manière ludique, à travers des jeux de lumières et d’animation, et un travail de la musique précis et assumé (le concerto en « sole » de Ravel). Angèle Chiodo réussit avec La Sole, entre l’eau et le sable à traiter de manière égale son amour de la biologie et une tendre émotion pour sa grand-mère.

Ce court métrage est un film documentaire sur la sole, un animal marin que la réalisatrice décrit tout le long du film grâce à une voix off. Cette voix off est accompagnée de vidéos et stop motion visant à mettre la sole au-devant de la scène ; une manière très surprenante, qui nous montrera qu’il y a un double sens dans le film. Celui-ci est découpé en quatre parties qui suivent les saisons d’une année. L’action se passe dans un intérieur très chargé, qui semble être un appartement.

• Pour introduire et montrer la sole, la réalisatrice utilise des images réelles filmées avec sa caméra ainsi que la technique du stop motion qui consiste à prendre plusieurs images d’objets se déplaçant afin de créer une animation. Pour cela elle a utilisé notamment le logiciel After Effects. D’autres techniques sont présentes également, on peut observer diverses créations fait main, des objets provenant du lieu, objets du quotidien ou
  non. Certains sont transformés pour ressembler à la sole. Elle travaille avec des matériaux originaux qu’on a moins l’habitude de voir mais que l’on va retrouver tout au long du film, telle que la gélatine, ainsi que différents tissus pour réaliser les costumes de la sole. La voix off est omniprésente et donne un aspect documentaire scientifique au film, mais parfois aussi parodique. Cela nous permet de comprendre ce que l’on regarde et d’avoir des informations réelles sur la sole, mais on entend également la grand-mère et la réalisatrice parler seules ou entre elles ce qui renforce le côté comique.
  
• Ce film est le projet de fin d’étude d’Angèle Chiodo, ancienne étudiante de l’École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Le film explore le lien familial entre deux générations. Nous avons communiqué avec la
  réalisatrice lors d’une visio-conférence, et celle-ci nous a dit qu’elle a utilisé le prétexte d’un animal marin ; la sole, pour parler de sa grandmère. Elle s’est également inspirée des films de Jean Painlevé, entre autres, pour écrire la voix off. Le sujet assez intime de la famille a permis d’être traité de manière détournée sans en parler frontalement. Ainsi ce film est un documentaire décalé sur les étapes de la vie d’une sole dans son milieu aquatique, mais montre en parallèle la fin de la vie de sa grand-mère dans son appartement. La sole permet également de faire un lien métaphorique avec l’isolement des personnes âgées qui peuvent faire face à un handicap. De plus la réalisatrice nous interpelle sur le fait de renouer le lien avec nos aînés.

• aux élèves intervenants
• à Benjamin Serero
• à l’équipe du Cinéma de Villedieu (Christophe, Gérard)
• à Matthieu Georges qui a filmé la journée