Arts Plastiques / Académie de Normandie

CLAVERIE Isabelle, S'ouvrir à l'Autre en arts plastiques : un levier pour le développement des compétences psychosociales, 2026

Mael Judic — 2026-06-02T12:01:14Z

Extrait du livre du chapitre 2 du livre d'Isabelle Claverie, intitulé S'ouvrir à l'Autre en arts plastiques : un levier pour le développement des compétences psychosociales, sortie en 2026 aux éditions Delatour

Quelques mots sur l'autrice

Isabelle Claverie est maîtresse de conférences à Aix-Marseille Université au sein de l'UR ADEF. Ses travaux de recherche portent sur la didactique des arts plastiques, les processus de création, la pratique réflexive et les conditions d'apprentissage en contexte artistique. Elle s'intéresse particulièrement aux liens entre pratique artistique, construction de soi, interactions sociales et développement des compétences des élèves. Ses recherches explorent notamment la place de l'altérité, de la praxis et des compétences psychosociales dans l'enseignement des arts plastiques.

Résumé

Cet article interroge les liens entre l'enseignement des arts plastiques et le développement des compétences psychosociales (CPS) des élèves. À partir d'une analyse historique et institutionnelle de la discipline, puis d'une enquête menée auprès d'élèves de collège, l'autrice montre comment la pratique artistique favorise le développement des compétences cognitives, émotionnelles et sociales.

Trois axes structurent la réflexion :

Comprendre la place de l'altérité dans la construction historique et didactique de l'enseignement des arts plastiques ;
Identifier les correspondances entre les compétences disciplinaires et les compétences psychosociales ;
Analyser, à partir du vécu des élèves, la manière dont la pratique artistique contribue à la confiance en soi, à la coopération et à la réflexivité.

Pour en savoir plus ....

Isabelle Claverie – Maîtresse de conférences à Aix-Marseille Université

Extrait

L'enseignement des arts plastiques dans le système éducatif français (Ministère de l'Éducation nationale [MEN], 2020a, 2020b) engage les élèves à pratiquer, à être attentifs à leurs propres gestes et aux gestes d'autrui, artistes ou pairs, dans des situations d'effectuation variées opérant des passerelles entre une émergence immédiate et personnelle du faire et la construction réflexive et collective du savoir. La confrontation à la pluralité des réponses plastiques du groupe-classe amène chaque élève à vivre une expérience de soi tout au long d'un processus créatif ponctué par une série d'interrogations. Les différents questionnements découlant de l'attention portée à soi et aux autres dans le temps de la pratique relèvent alors d'un double mouvement : un mouvement de l'esprit et un mouvement de l'affectivité « dans la mesure où quelqu'un se pose un problème et il en assure l'incertitude pendant au moins un certain temps » (Michaux, 1990, p. 1). Les circulations établies entre l'élève et le groupe-classe au fil du processus d'apprentissage ainsi que le rôle moteur attribué à l'effectuation et au discursif au fil de la conduite de l'étude transforme le milieu-classe en un « un milieu-ressource qui fournit aux élèves des outils pour construire des réponses collectives, par rapport auxquelles chaque élève est tenu de se situer » (Amigues, 2005, p. 112).

Exposition de Camille Chastang au collège Lavalley de Saint-Lô

Mael Judic — 2026-05-22T08:59:43Z

Retrouvez ici une invitation pour le vernissage de l'exposition de Camille Chastang au collège Lavalley de Saint-Lô le 26 mai à 18h.

L'art et les mots : INTERVENIR sur une image, DEPLACER les intentions initiales

Mael Judic — 2026-05-08T08:32:20Z

En quoi la valeur expressive d'un geste artistique sur une image peut-elle engager une réflexion sociétale avec les élèves ?

Dans le cadre du festival Inspire organisé par la communauté de communes, l'artiste Marie Margaux Bonamy est intervenu 3h à la fois au collège Les Hauts du Saffimbec de Pavilly pour un groupe de 3e et au lycée Thomas Corneille de Barentin avec une classe de seconde. L'ensemble des productions ont été exposées, ce qui a permis de faire un lien interdegré.

Organisation de la séquence :

Avant la pratique

Visite du musée des Beaux-arts de Rouen autour de la thématique : Les stéréotypes féminins et masculins dans la représentation idéalisée du corps
Visite du musée d'Orsay, Paris
Échange avec l'artiste sur mes attentes pédagogiques en lien avec le programme des arts plastiques à la fois du collège et du lycée. Ensemble, nous sélectionnons des œuvres qui nous paraissent pertinentes par rapport à nos objectifs.

Pour le collège, cycle 4

La représentation ; images, réalité et fiction
Questionnement : La création, la matérialité, le statut, la signification des images : l'appréhension et la compréhension de la diversité des images ; leurs propriétés plastiques, iconiques, sémantiques, symboliques ; les différences d'intention entre expression artistique et communication visuelle, entre œuvre et image d'œuvre.

HIDA : établir des liens et des distinctions entre des œuvres diverses, de même époque ou d'époques différentes, d'aire culturelle commune ou différentes :

Utiliser un lexique simple mais adapté au domaine artistique concerné, à sa forme et son matériau, pour aboutir à la description d'une œuvre dans sa globalité
Associer une œuvre à une époque en fonction d'éléments de langage artistique
Amorcer un discours critique

Pratique plastique

Présentation de l'artiste Marie Margaux Bonamy, une ancienne élève du collège et son parcours scolaire. Il me semblait important que les élèves puissent échanger avec elle et comprendre qu'il est possible de suivre une voie artistique quel que soit leur lieu d'habitation (milieu semi-rural avec un accès à la culture qui peut être difficile).

Qui est Marie Margaux Bonamy ? Diplômée de l'École Supérieur d'Art et de Design Le Havre-Rouen, elle participe à la création de l'association Polymorphe, engagée dans la rencontre des cultures et des formes artistiques. Elle aime travailler sur ce qui fait le lien entre les individus. Ses travaux sont engagés car ils remettent en cause le statu quo de nos sociétés.

• Question posée aux élèves : qu'est-ce qu'un stéréotype sexiste ?

Présentation par l'artiste de sa série Déflorer

Déflorer questionne l'image de la fleur dans sa pluralité. Symbole à la fois d'amour, de mort et de sacrifice. Chacune des cartes décrit l'un des féminicides recensé en 2021. Elles énoncent succinctement les faits, tels qu'ils seraient formulés par les victimes.

Présentation des cartes postales d'œuvres d'art. Certaines sont issues de la visite des deux musées.

Changement de statut : l'œuvre unique du musée devient multiple et commercialisée
Analyse d'œuvres / d'images et comparaison d'œuvres différentes sur une même question : Pourquoi avons-nous choisi ces reproductions ?

Pour la seconde

Dessiner pour créer, comprendre, communiquer

Questionnements : Les conceptions contemporaines du dessin : pluralité des modalités et pratiques, filiation et rupture, relations avec d'autres médiums, avec l'écriture…

Enseignement transversal : Égalité filles garçons
Lutter contre les stéréotypes de genre et défendre l'égalité entre les filles et les garçons sont au cœur de l'engagement de l'école. Agir pour le respect des droits de chaque élève est essentiel pour l'accompagner vers la réussite, quel que soit son genre.

Détourner ce support au regard des stéréotypes sexistes avec la technique de la broderie

Avoir un recul critique sur les œuvres / la société afin d'inscrire un message qu'il faudra justifier
Phase de dessin sur calque
Broderie

Productions et propos d'élèves

Auguste Toulmouche, La Fiancée hésitante, 1866.

« J'ai brodé Ai-je le choix ? car on force cette femme à se marier. Les deux femmes à côté d'elle tentent de la rassurer pendant que derrière la 3e femme lui pose une couronne de fleurs. Le regard sombre de la mariée signifie qu'elle est forcée. La couleur verte est une couleur complémentaire par rapport à la robe rouge en bas » Mathis

Suzanne Valadon, Adam et Eve, 1909

« J'ai brodé "Pécheresse" en lien avec le péché originel dans la religion chrétienne. La femme représentée est Eve qui a croqué la pomme et a causé la souffrance et la mort dans la condition humaine. Dans la bible, c'est à cause de la femme qu'ils perdent le paradis et l'immortalité. Or, l'artiste de cette œuvre est une femme qui a peint Adam, sous les traits de son amant de 21 ans moins qu'elle. Encore aujourd'hui les hommes peuvent aimer des femmes plus jeunes alors que les femmes sont traitées de cougar... En plus, elle a dû recouvrir le sexe de l'homme pour exposer alors qu'il y a souvent des femmes nues peintes par des femmes et ça ne pose pas de problème » Cassiopée

Pompeo Batoni, La mort de Marc Antoine, 1708

« J'ai brodé "Panser/ penser" car l'homme a besoin de la femme. Elle le soigne et c'est un jeu de mot avec le mot penser, réfléchir. Le mot E de penser est en train d'exclure panser pour prendre sa place comme si utiliser son cerveau pour réfléchir était le plus important ». Alycia

Tamara Lempicka, Autoportrait à la Bugatti verte, 1929

"J'ai brodé le message "Lead your own way" / "Choisir ton propre chemin" faisant référence à la conductrice et artiste. Elle va à l'encontre des stéréotypes de genre féminin où la femme est cantonnée aux rôles domestiques et à la douceur. J'ai utilisé un point de fuite pour écrire "Lead" afin d'accentuer cette idée de liberté. J'ai choisi la couleur rouge, car elle crée un contraste complémentaire avec la couleur de la voiture et rappelle les lèvres de la conductrice. » Owen

Virginia de Vezzi, Judith avec la tête d'Holopherne, 1597

« J'ai brodé "Dipingere è combattere". C'est écrit en italien par rapport à la nationalité de l'artiste. En français, cela veut dire "Peindre c'est combattre" car la femme tient une épée avec la tête décapitée d'Holophèrne et pour être une femme artiste à cette époque, il faut lutter contre les préjugés sexistes des hommes qui dominent le monde l'art. Le bleu reprend sa robe et le rouge fait le tour de l'épée et rappelle le sang coulé. » Lilou

Vincent Van Gogh, Vieil homme qui pleure, 1890

« J'ai brodé "tristesse / faiblesse" en bleu pour rappeler le vêtement du personnage et "≠" en rouge pour faire ressortir le signe. L'idée était de montrer que pleurer ne veut pas dire être faible, mais juste être humain et montrer ses sentiments » Mayline

Claude Cahun, Autoportrait, 1919.

"J'ai brodé "Entre les genres, je me trouve" car dans son œuvre, Claude Cahun joue avec les apparences et mélange les codes masculins et féminins. Elle montre ainsi une identité qui n'est pas fixe. J'ai utilisé le rose et le bleu, car ce sont des couleurs associés aux stéréotypes. Leur association permet de montrer un mélange des genres et de remettre en question ces codes. Ma démarche illustre une identité située entre les genres comme celle de Claude Cahun ». Sarah

Berthe Morisot, Le berceau, 1872

"J'ai brodé "L'instinct maternel n'est pas naturel" pour répondre aux croyances de notre société selon laquelle l'instinct maternel est inné et évident pour la mère. J'ai choisi le rose, car il rappelle le cliché de couleur associé aux femmes. Le vert, quant à lui, rappelle la flore du concept nature. Les mots sont disposés de manière à relier le regard de la mère au visage du bébé présent dans la composition de l'œuvre. » Melia

Installation des productions

Au collège
Référence au programme du collège : L'œuvre, l'espace, l'auteur, le spectateur
Questionnement : La présentation

Au collège avec les productions des élèves de 3e

Au lycée
Référence au programme de seconde : Exposer l'œuvre, la démarche, la pratique

Au lycée, dans la galerie ouverte avec les productions des élèves de collège et du lycée

Ce travail a été l'occasion d'étudier des œuvres d'art contemporain engagées utilisant la technique de la broderie.

Annette Messager

Annette Messager (1943) est l'une des premières et plus ferventes militantes de la cause. Elle crée des broderies féministes dans les années 1970 et en particulier dans sa Collection de proverbes de 1974, brodés à la main se faisait la chronique de la misogynie ordinaire.

Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010). Son œuvre est fondée sur des éléments autobiographiques : le père y tient le rôle du tyran adultère, qui considère les femmes comme des êtres voués à l'obéissance. La série "Eugénie Grandet" proprement dite se compose de seize petites broderies. La technique évoque évidemment la femme confinée à des travaux d'aiguille, pour passer le temps ou le perdre.
En 2002, Louise Bourgeois utilise des vêtements remontant aux années 1920 pour en faire un livre textile intitulé Ode à l'oubli. Elle construit la reliure et les pages avec les mouchoirs en tissu datant de son mariage de 1938.

Ghada Amer

Ghada Amer (1963) : Les préoccupations qui l'animent : le travail des femmes, l'égalité des sexes et la relation entre l'Orient et l'Occident.
Une de ses premières œuvres intitulée Cinq femmes au travail (1991) es un ensemble de tableaux soigneusement bordés, chacun représentant une femme effectuant une tâche domestique.
Son installation Private room (1998) est constituée d ‘une série de housses à vêtements bordés de textes coraniques détaillant les interdits des femmes.

Judy Chicago

Judy Chicago, The Dinner Party est une installation artistique réalisée par l'artiste féministe américaine de 1974 à 1979. Elle se présente sous la forme d'une histoire symbolisée des femmes. Cette installation se compose de 39 tables à manger dressées, jointes les unes aux autres et disposées en triangle (symbole du sexe féminin) de 15m de côté, chaque table représentant une figure historique féminine. Pour cela, elle utilise des techniques qui sont considérées comme traditionnellement féminines (comme la broderie). Chaque place de la table comporte un chemin de table brodé du nom d'une femme célèbre ainsi que des images ou des symboles qui lui sont liées.

Shannon Downey

Shannon Downey est une activiste féministe américaine. Sa pièce « Boys Will Be Boys », une œuvre réalisée en point de croix a été créée en réponse à Donald Trump : « Les garçons seront des garçons tenus responsables de leurs putains d'actes », est alors devenue virale.

Rebecca Hardis

Rebecca Harris (1977) est une artiste britannique. Étudiante obèse, elle décide de se faire opérer de l'estomac afin de stopper sa prise de poids. La série « Obscure Objets of Obesity » : La peau et le corps, à la fois dégonflés et fragmentés, sont pensés comme la mémoire d'une identité et d'un vécu. Rebecca Harris modèle son corps par la broderie. Les broderies sur photographies sont pour l'artiste une manière de prendre le contrôle de son corps, de le manipuler, de le changer, de le modifier, de contrer son obésité.

Pour l'œuvre Untilted (body modification), Rebecca Harris a pris en photographie son corps en se focalisant sur son ventre, de la taille à mi-cuisses. L'artiste se lance dans une manipulation qu'elle ne peut effectuer sur son corps physique. En effet, à l'aide de fil rouge, elle le raye, le barre, le rature, elle pique dans la chair, tend des fils comme pour le resserrer.

Sarah Naqvi

En Inde, Sarah Naqvi crée des broderies représentant les menstruations

Exposition "Inventaire" de Christian Seité au au lycée Henri CORNAT à Valognes

Mael Judic — 2026-05-02T20:59:59Z

Le vernissage de l'exposition aura lieu le 5 mai à partir de 18h. L'exposition sera ensuite visible jusqu'au 29 mai dans les heures d'ouverture du lycée.

Exposition "Apories" de Sabine Meier a L.A. Galerie/ lycée Anguier à EU

Mael Judic — 2026-05-02T20:51:02Z

Sophie Perrat, proviseure du lycée Anguier à Eu, Thibault Le Forestier professeur d'arts plastiques, ont le plaisir de vous convier le 7 mai à 17h30 à L.A. Galerie, au vernissage de l'exposition Apories de Sabine Meier.

RE-PRESENTER le réel : de sa captation à son interprétation

Mael Judic — 2026-04-09T15:06:00Z

Comment la transformation d'une captation du réel permet-elle de mieux en appréhender sa représentation ?

Dans l'enseignement des arts plastiques, selon des modalités pédagogiques spécifiques, représenter permet aux élèves d'apprendre à questionner et à interpréter le monde qui les entoure. Il s'agit notamment pour eux de s'approprier, avec des intentions artistiques, les éléments animés et inanimés du réel. Ce faisant, ils sont initiés aux systèmes plastiques, rhétoriques, symboliques, communicationnels dans lesquels s'inscrit l'image.

Extrait de Projet de programmes d'arts plastiques et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025

Cette séquence, conçue pour des élèves de troisième, s'inscrit dans la partie du programme : "La représentation : images, réalité et fiction." Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain.

L'élève comprendra le rôle de la perception et de l'interprétation dans l'élaboration et dans la réception d'un dispositif de représentation.

Organisation de la séquence

En amont de cette séance, les élèves ont été engagés dans une pratique photographique numérique autour de la demande suivante :

« Un cadrage spécial sur le collège »

La question d'enseignement formulée était la suivante :

« Comment le cadrage peut-il renouveler notre regard sur un lieu ? »

Chaque élève devait ainsi produire une photographie de l'architecture du collège, intérieure ou extérieure, en recherchant un cadrage singulier afin de proposer une vision personnelle et inédite de cet environnement quotidien pour tous et partagé.


Titouan	Clarisse	Arthur

La première séance est consacrée à la présentation dans la salle d'arts-plastiques de l'artiste Sarah Fouquet à travers l'étude de son parcours, de sa démarche artistique et de ses projets. Ce temps de rencontre vise à permettre aux élèves d'appréhender ses œuvres, tout en situant sa pratique dans un champ professionnel élargi, notamment en lien avec son activité d'infographiste menée en parallèle de sa production artistique. Puis, découverte de l'exposition Multifacettes, présentant les œuvres de Sarah Fouquet au CDI.

La deuxième séance s'ouvre sur la présentation de la nouvelle demande :

« FRAGMENTEZ LE RÉEL »

Elle est suivie d'un temps d'analyse collective visant à faire émerger les représentations des élèves. Les notions clés sont explicitées à l'oral : fragmenter (diviser en éléments, morceler, organiser en parties distinctes) et réel (ce qui relève de l'existant, par opposition à l'imaginaire ou au fictif).

Dans un second temps, les élèves entrent dans une phase de pratique plastique. Les photocopies des photographies couleur d'un « cadrage spécial du collège » sont distribuées aux élèves en noir et blanc au format A4.
La consigne formulée est la suivante :

"À partir de votre photographie d'architecture du collège, vous en proposerez une nouvelle interprétation"

Les élèves sont ainsi conduits à expérimenter la fragmentation de l'image, à déconstruire l'espace représenté et à interroger les modalités de reconfiguration du réel à travers les opérations de découpage et de collage.

Cette démarche engage les élèves dans une réflexion sur les processus de transformation de l'image et sur les enjeux perceptifs liés à la représentation des espaces du quotidien, entre altération et permanence du référent.

Document élève

Quelques informations sur l'artiste intervenante

Sarah Fouquet est une dessinatrice, illustratrice et graphiste indépendante formée à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris (ENSAD). Elle a également été résidente à la Casa de Velázquez à Madrid. Artiste et graphiste son travail explore le réel à travers le dessin et l'image imprimée, elle développe une pratique à la fois artistique et professionnelle, entre illustration, édition et communication visuelle. Ses œuvres s'appuient souvent sur l'observation de lieux réels, qu'elle fragmente et recompose pour en révéler les traces humaines et sociales. À travers ses dessins, elle propose une lecture sensible du monde, entre documentation et interprétation. En parallèle, son activité d'infographiste l'amène à produire des images pour la presse, les institutions et l'édition. Son travail interroge ainsi la manière dont l'image peut traduire, transformer et diffuser le réel.

Liens :

https://sarahfouquet.com/
https://www.instagram.com/sarahfouquetdessins/

Corpus d'œuvres

Document élève

HOCKNEY David
Place Furstenberg
1985
photocollage

GALIMBERTI Maurizio
Lady Gaga
2003
mosaïque de polaroïds

COPLANS John
Self Portrait, upside down
1992
photographie argentique

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à interroger la notion de représentation en arts-plastiques, notamment dans son rapport au réel et à la fiction. À mettre en relation des pratiques artistiques contemporaines avec leurs productions. À expérimenter des procédés plastiques de transformation (cadrage, fragmentation, découpage, recomposition) d'une image numérique dans une production plastique. À développer une démarche de projet, fondée sur des choix intentionnels et argumentés.

Document - bilan proposé aux élèves

Exemples d'affiches de l'exposition

Questions enseignables

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

Comment le dialogue entre pratiques numériques et traditionnelles permet-il de transformer et de réinventer la représentation de l'espace ?
En quoi le cadrage et les outils numériques modifient-ils notre perception d'un lieu familier ?
Comment la fragmentation et la recomposition d'une image permettent-elles de questionner le rapport au réel ?
Dans quelle mesure l'écart entre l'image initiale et sa transformation peut-il produire du sens et une valeur expressive ?
Comment rendre perceptible la présence du référent tout en proposant une nouvelle lecture de celui-ci ?

Compétences évaluées prioritairement

EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l'inattendu.
Explorer l'ensemble des champs de la pratique plastique et leurs hybridations, notamment avec les pratiques numériques.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.

S'EXPRIMER, ANALYSER SA PRATIQUE CELLE DE SES PAIRES ; ÉTABLIR UNE RELATION AVEC CELLE DES ARTISTES, S'OUVRIR A L'ALTÉRITE

Établir des liens entre son propre travail, les œuvres rencontrées ou les démarches observées

Quelques productions d'élèves

	Sophie
	Arthur

Céline HEBRE

Entretien avec .... une enseignante d'arts plastiques au sein d'une classe COOP

Mael Judic — 2026-03-17T13:55:47Z

Amandine PASQUIER, professeure d'arts plastiques au sein d'une classe COOP

1_Quel est votre parcours scolaire ?

Je suis actuellement en poste au Collège Claude Bernard depuis septembre 2013, J'y ai fait mon année de stage, avant de devenir titulaire de mon poste. C'est par conséquent un collège et un public que je connais bien.

2_Quel est votre fonction et vos missions ?

Je suis professeure d'arts plastiques et professeure principale depuis plusieurs années. D'abord du niveau 5e puis 4e avant de passer en 3e depuis maintenant 3 ans. J'ai également comme mission d'être la référente culturelle de mon établissement.

3_Quelles sont les caractéristiques principales de votre établissement REP ?

Claude Bernard est un établissement de REP avec une grande mixité. Nous avons une CHAT dans notre établissement ainsi qu'une section sport-étude (HAC/Municipaux), nous accueillons également des élèves d'un club de Hand et de Basket ayant des emploi du temps adaptés. Un autre dispositif qui apparaît dans la DHG est la classe coopérative.

4_Comment est née la classe coopérative ?

Comme beaucoup d'établissement de REP, nous sommes confrontés à des problématiques classiques : résultats inférieurs aux moyennes nationales, un déterminisme assez marqué, des élèves qui décrochent ou ne progressent pas. En plus du climat scolaire qui est parfois complexe.
De ce constat, en septembre 2016, nous avons décidé d'ouvrir une classe de 5è coopérative sous l'impulsion d'un collège (M.Jouet) inspirée de la pédagogie nouvelle (Freinet, Oury) tout en l'adaptant aux réalités de notre établissement.

5_Comment définiriez-vous les spécificités de la classe coopérative ?

Pour résumer, les élèves ont deux heures en plus dans leur emploi du temps. Ils commencent leur semaine avec le « quoi de neuf » et la clôture avec le « conseil coop ».
Deux heures particulières où l'accent est mis sur l'échange, l'oral, la résolution de conflits, la réalisation de projet (cf article ci-joint qui détaille davantage les spécificités de cette classe).

6_Pensez-vous que cette classe coopérative influence votre approche pédagogique ?

Le travail de groupe et l'échange entre élèves sont vraiment facilités au sein des classes coopératives. Les élèves s'emparent plus facilement des propositions d'enseignements et s'engagent dans les projets proposés.
Je trouve qu'en arts plastiques, il est plutôt facile de s'adapter à ces classes où l'enseignant n'est pas dans une position frontale avec la classe. Cela a sûrement dû influencer mon approche pédagogique, même si par nature je trouve que notre discipline est ouverte.

7_Pouvez-vous nous partager quelques expériences avec des élèves de cette classe ?

L'équipe pédagogique des classes coopératives fonctionnent souvent en projet comme par exemple lors de « la leçon aux parents » ou les élèves présentent une notion devant un groupe de parents (cyanotype, la pile ..). Un autre projet réunissait le français, l'HG et les arts plastiques pour créer un carnet qui suivait au fil des pages le programme de 3ème (lettre d'un soldat des tranchées, …). Il y a souvent des semaines à thème comme par exemple la semaine « de port en port » ou chaque disciplines abordent le sujet. Le projet sweat est un autre exemple de projet. Après avoir créé un logo du collège, dans le but de l'imprimer sur des sweat et tee shirt, Les fonds récoltés ont été reversé à une association que les élèves ont choisi.

À l'occasion de la semaine à thème "Port en port" des classes COOP, les élèves ont composé leur poème tout en créant un calligramme

Lettre IAN

Mael Judic — 2026-03-17T10:52:38Z

Exposition "À fleur de peau" au lycée Henri CORNAT à Valognes

Mael Judic — 2026-03-12T08:43:13Z

Cette exposition présente un ensemble d'œuvres où les humains semblent tenter de devenir végétal. Les œuvres - photographie, dessin, collage, peinture ou céramique - dévoilent des mondes dans lesquels les frontières entre les formes de vivant deviennent floues, révélant une envie de fusion avec la nature ou une vision animiste des plantes et du paysage.

Affiche de l'exposition

Livret de l'exposition

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Mael Judic — 2026-03-07T16:13:10Z

Dans quelle mesure une production peut-elle articuler les notions de fragment et d'unité pour construire une représentation cohérente et signifiante du paysage ?

Cette séquence, conçue pour les élèves de 1ère Spécialité Arts Plastiques, s'inscrit dans la partie du programme : « Les enjeux de la représentation, de ses langages et de ses moyens plastiques ». Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain, par l'affirmation de différents degrés de distance au référent.

Organisation de la séquence

La première séance (2 heures) est dédiée à la présentation du projet et à une immersion directe dans le champ artistique contemporain. Les élèves participent à un atelier de pratique plastique avec l'artiste Tom Nadam, qui expose dans la galerie de l'établissement, dans le cadre du dispositif De Visu. Cette rencontre permet d'ancrer la réflexion théorique dans une expérience concrète de la création.

Entre la première et la deuxième séance, un travail personnel est demandé aux élèves pour enrichir leur culture artistique. Ils visionnent la vidéo de présentation de l'exposition « Paysage, Fenêtre sur la nature », tenue au Musée du Louvre-Lens entre mars et juillet 2025. Ce visionnage doit être accompagné d'un travail de prise de notes, visant à alimenter leur réflexion avant la mise en pratique.

La deuxième séance (2 heures) reprend la réflexion autour de « Fragments et unité dans un paysage ». Elle commence par une réflexion et une analyse collective de la problématique. Les termes clés sont définis à l'oral : le fragment (morceau, partie), l'unité (homogénéité, cohérence, assemblage), le paysage (ce que l'on voit, point de vue, cadrage, nature) et l'hétérotopie (lieu autre, imaginaire, cosmos, utopie). À l'issue de cette analyse, le travail plastique se poursuit.

Évaluation et aticulation avec les programmes

L'évaluation de cette séquence porte sur la capacité des élèves à expérimenter, produire et créer, ainsi qu'à mettre en œuvre un projet artistique. Elle inclut également la capacité à exposer l'œuvre, la démarche et la pratique :

Créer un paysage à partir de fragments (photographies, collages, objets, matériaux divers) pour créer une image globale cohérente ;
Proposer une analyse critique de sa production : les élèves doivent exposer leur démarche de création, les choix esthétiques et conceptuels qui ont guidé leur projet, ainsi que les difficultés rencontrées et les solutions trouvées ;
Contribuer au dispositif scénographique.

Les élèves travaillent à partir d'images de paysages brûlés ou désolés - thème central de son œuvre. Sur des supports papier de différents formats, chacun doit extraire un fragment de l'image (recadrage, agrandissement) puis retravailler textures et couleurs avec différents médiums.

L'exercice ne se limite pas à une simple copie : il propose une confrontation concrète entre photographie et matière picturale, entre échelle choisie et lisibilité du détail, invitant à réfléchir au geste, à la surface et à l'interprétation chromatique.

Une visite préalable du site de l'artiste et de son exposition a préparé le travail en atelier, et Tom Nadam a présenté sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de ses compositions, afin que les élèves saisissent le lien entre fragmentation et assemblage.

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

• Comment faire unité à partir du fragment ?
• Comment créer une cohérence plastique au sein d'un ensemble hétérogène ?
• Quelles caractéristiques visuelles permettent de définir le genre du paysage ?

Ainsi, cette séquence permet de lier la pratique plastique à une réflexion critique sur la construction de l'espace et sa représentation contemporaine.

Quelques informations sur l'artiste intervenant

"Diplômé des beaux-arts de Caen en 2018, aujourd'hui, Tom Nadam vit et travaille à Rennes.

Animées par un sentiment de faux calme, ses peintures révèlent des moments de flottement, des environnements bouleversés et des figures en déclin. Cette atmosphère si particulière naît d'un danger tapis dans l'ombre, d'une sensation d'instabilité ou d'une menace passée. Pour favoriser ces jeux de tension, Tom joue du contraste et de l'ambiguïté des motifs qu'il utilise. Il puise son inspiration dans des excursions marquantes. Islande, Etna et Champs Phlégréens plantent le décor de ses meutes imprévisibles. Le chien est la première figure qui alimente une dualité dans son travail. Entre monde des morts et monde du vivant, fidèle compagnon et bâtard errant, dominé comme dominant, il traduit une tension constante. Sans morsure, ni blessure, ni sang, une certaine animosité se dégage pourtant des compositions. Plus récemment, les violents feux de forêts survenus en 2022 ont profondément affecté sa pratique. Tom représente alors une nature grondante, sauvage, révoltée et démesurée. En s'immergeant dans les Monts d'Arrée, à Lussas et dans la plaine des Maures, il récolte les vestiges de ces terres arides qui lui évoquent des formes familières. Ainsi, dans un climat quasi désertique, apparaissent tels des mirages : roches, objets trouvés, crânes, meutes diaphanes ou autres silhouettes étranges. Tom dresse leur portrait, qui, dans un état de fulgurance, semblent aussi précieux que fragiles. À travers les épaisses fumées, ces éléments se dévoilent comme les rescapés de ces drames, incarnant un semblant d'espoir."

Intervention de l'artiste Tom NADAM

À partir d'images de paysages en feu ou désolés après son passage (thème de son travail), et des supports en papier prédécoupés (20 X 20, 40 X 20 et 40 X 40 cm) les élèves devaient reproduire à l'échelle une partie de l'image (recadrage, agrandissement) et surtout retravailler les textures et les couleurs en découvrant la peinture acrylique. Une visite du site de l'artiste et de l'exposition avait été faite en amont. Tom Nadam a aussi expliqué sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de son travail.

La taille des supports permet une installation rapide et facilité des travaux d'élèves dans la galerie pour un accrochage lors du vernissage à suivre (panoramique, mosaïque, pixels ?...). Un temps d'une demie heure a été alloué avant le vernissage de l'artiste dans la galerie pour que les élèves investissent en commun le mur dédié avec leur travail. L'accrochage a donc été fait en classe entière, en autonomie, mais avec la présence de l'artiste et des enseignants pour justifier les divers choix (hauteur, choix des motifs, couleurs, composition, brillance, unité, "trous de respiration"...).

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Entre la première séance et le deuxième, un travail devait être mené à la maison. Les élèves devaient visionner une vidéo de présentation de l'exposition Paysage : Fenêtre sur la nature. Il s'agit d'une exposition ayant eu lieu au Musée du Louvre Lens du 29 mars au 24 juillet 2025. Il s'agissait aussi pour les élèves de prendre une série de notes écrites.

Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens
Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher

Réflexion et analyse collective de l'incitation

Au début de la deuxième séance, les élèves devaient produire un écrit durant 15 minutes autour des termes de l'incitation.

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Fragment : Morceau / Partie
Unité : Homogénéité / Cohérence / Ensemble / Assemblage / Construction
Paysage : Ce que l'on voit / Point(s) de vue / Cadrage(s) / Nature ?
Hétérotopie (lieux autre) : Imaginaire / Cosmos / Univers / Utopie

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

Cécile Malézieux et Florent Cordier