Arts Plastiques / Académie de Normandie

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°4

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:50Z

Dans quelles mesures les artistes éclairent-ils la perception de notre quotidien, de notre histoire, de notre rapport au monde ?

L'œuvre d'art ne se limite jamais à sa seule matérialité ou à l'intention de son créateur : elle s'inscrit toujours dans des contextes multiples — historiques, sociaux, culturels, spatiaux — qui influencent sa conception, sa réception et ses usages. Les programmes d'arts plastiques des cycles 3 et 4 accordent une attention particulière à cette dimension, invitant les élèves à explorer non seulement la fabrication et la présentation des œuvres, mais aussi les lieux, les circonstances et les finalités qui leur donnent sens. Comprendre une œuvre, c'est ainsi interroger son contexte d'émergence, ses fonctions, ses modes de diffusion et les interactions qu'elle suscite avec le public.

Au cycle 3, les élèves sont amenés à fréquenter des œuvres dans des lieux variés — espaces scolaires, patrimoine local, musées — et à réfléchir à la manière dont la présentation influence la réception. Ils apprennent à situer les œuvres dans l'espace et le temps, à identifier leurs caractéristiques techniques et formelles, et à comprendre comment le contexte historique ou culturel façonne leur organisation et leur signification. L'accent est mis sur la découverte, l'analyse et la verbalisation, afin que chaque élève puisse relier l'œuvre à son environnement et à ses finalités, qu'elles soient esthétiques, utilitaires ou symboliques.

Au cycle 4, la réflexion s'élargit et s'approfondit : les élèves étudient les lieux de création, de réception et de diffusion des œuvres (atelier, musée, espace public), ainsi que les fonctions et usages variés de l'art (embellissement, commémoration, engagement, transmission, etc.). Ils sont invités à associer des œuvres à différentes fonctions, à justifier leurs hypothèses et à comprendre comment l'œuvre peut solliciter les sens, interpeller les esprits ou construire une mémoire collective. L'analyse des contextes permet d'aborder l'œuvre comme un objet vivant, porteur de sens et de finalités qui évoluent selon les circonstances et les publics.

Comprendre une œuvre d'art, c'est aussi comprendre ses contextes et ses usages. Les élèves apprennent, à travers cette thématique à voir l'œuvre comme un objet vivant, dont le sens évolue selon l'époque, le lieu et le public.

Les œuvres contenues dans la valise "l'œuvre et ses contextes, ses finalités"

Certaines des œuvres sont associées à un accompagnement sous forme de diaporama.



Yann LESTRAT Sans titre 2013 Impression offset quadrichromie sur papier Creatormatt 150 g 100 x 70 cm, édition à 500 exemplaires Acquisition 2022 / Inventaire n°8	Marc MEINAU Télévision explosée abandonnée dans une forêt 2018 Photographie réalisée à Monte Amiata (Toscane, Italie) Numérotée 1/25 et signée au verso 20 x 30 cm Acquisition 2021 / Inventaire n°2	Raphaell KERN Piscine 2020 Risographie 2 couleurs sur papier Bulk 90 g 40 x 30 cm, édition signée et datée au verso Acquisition 2023 / Inventaire n°45	Léa BÉNÉTOU Au fur et à mesure 2022 Terre cuite en grès « Brasil » chamoté, plexiglas, impression sur papier, étui en carton 13 x 8 x 2,5 cm, Acquisition 2023 / 6 exemplaires Inventaire n° 65, 66, 67, 68, 69, 70	Marie-Claire MITOUT Rayonnons 2023 Risographie 3 couleurs sur papier Munken White 300 g 21 x 29,7 cm, édition numérotée au dos _/100 et signée par l'artiste Acquisition 2024 / Inventaire n° 79

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

Comment l'art accompagne-t-il les grands événements de la vie privée et publique ?
En quoi les expressions artistiques contemporaines donnent-elles une place nouvelle à l'individu ?
La diffusion numérique et l'IA transforment-ils le statut des artistes ?
Comment la création artistique s'emparent-elle des effets du numérique dans notre quotidien ?
En quoi le quotidien permet-il de tendre vers un discours universel ?
La création artistique est-elle compatible avec les enjeux écologiques ?

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°3

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:38Z

En quoi notre rapport individuel à l'art nous inscrit-il d'emblée dans la dynamique collective d'une société ?

L'art occupe une place singulière dans la formation des jeunes, car il est à la fois matière à explorer et langage universel. En tant que matériau, il offre une infinité de possibilités pour exprimer, transformer et inventer ; en tant que véhicule, il permet de transmettre des récits, des valeurs et des visions du monde qui dépassent l'individu pour s'inscrire dans une mémoire et un imaginaire collectifs. Les programmes d'arts plastiques des cycles 3 et 4 mettent en lumière cette double dimension : ils invitent les élèves à expérimenter, à créer, mais aussi à comprendre comment l'art façonne et reflète les imaginaires partagés d'une société.

Dès le cycle 3, les élèves sont invités à inventer des formes et des univers imaginaires, à travers le dessin, la peinture, la photographie ou encore le numérique, en se détachant de la simple imitation du réel. Ils apprennent à organiser des images pour raconter ou inventer, à détourner des objets à des fins narratives, et à explorer la valeur plastique de l'écrit pour traduire idées, émotions et récits dans une production visuelle. Cette approche favorise la construction de récits collectifs et individuels, où l'imaginaire de chacun s'enrichit au contact de celui des autres, tout en s'ancrant dans des références partagées issues du patrimoine artistique.

Au cycle 4, cette dimension s'approfondit à travers l'étude des « systèmes et rhétoriques d'une narration visuelle » et des « répertoires esthétiques d'une altérité ». Les élèves analysent comment l'art met en scène des créations du monde, élabore des modèles de référence (héros, divinités, souverains), et documente des espaces inconnus ou imaginaires. L'art devient alors un langage commun, capable de représenter et de transmettre des mythes fondateurs, des récits collectifs, mais aussi la pluralité des cultures et des visions du monde. Les pratiques pédagogiques encouragent la comparaison d'œuvres, la distinction des modalités de représentation de l'inconnu, et la réflexion sur la façon dont l'art enregistre et façonne l'imaginaire collectif d'une société.

Ainsi, l'art, dans l'enseignement des cycles 3 et 4, est à la fois matériau de création et vecteur de transmission d'un imaginaire partagé. Il permet aux élèves de s'approprier, de transformer et de réinventer des symboles, des récits et des formes, tout en développant leur sens critique et leur ouverture à l'altérité. Par la pratique, l'analyse et la confrontation des œuvres, ils participent activement à la construction d'une culture commune, où l'imaginaire individuel s'inscrit dans une dynamique collective.

Les œuvres contenues dans la valise "l'art comme matériau et véhicule d'un imaginaire collectif"

Certaines des œuvres sont associées à un accompagnement sous forme de diaporama.


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Agathe MEUNIER Sans titre Risographie sur papier 29,7 x 42 cm, édition numérotée 101/120 et signée Acquisition 2025 / Inventaire n°93	Christian GFELLER et Anna HELLSGÅRD Sans titre (violet-orange-vert) 20 Sérigraphies Édition numérotée 02/20 et signée 80 x 59 cm Acquisition 2022 / Inventaire n°31	Cécile BICLET & Jagna CIUCHTA Prémonition 2022 Risographie 2 couleurs sur papier Munken White 300 g 21 x 29,7 cm, édition numérotée au dos 99/100 et signée Acquisition 2023 / Inventaire n° 39	Claire DUPLOUY Les palmiers du paradis 2021 Reproduction numérique d'une peinture à l'aquarelle sur papier 300 g recyclé 45 x 32 cm, édition numérotée au recto 13/30 et signée Acquisition 2022 / Inventaire n°19

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°2

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:25Z

En quoi les progrès scientifiques et techniques transforment-ils la création artistique ?

Les projets de programmes du cycle 3 et 4 inscrivent la pratique artistique dans une approche réflexive où la technique n'est pas seulement un moyen, mais un vecteur de sens. Ils invitent à interroger « les relations entre l'œuvre, la réalité et la fiction », ainsi que « les interactions entre arts, sciences et technologies ». Cette thématique engage une compréhension élargie des processus de création, en lien avec les compétences du socle commun, notamment « la culture artistique » et « les méthodes et outils pour apprendre ».

Au cycle 3, l'accent est mis sur la découverte des procédés et des matériaux, en lien avec la perception sensorielle et la transformation de la matière. Les élèves expérimentent les effets physiques (lumière, couleur, texture) et comprennent que la technique influence la forme et la signification. L'objectif est de développer une autonomie dans le choix des outils et d'initier une réflexion sur la dimension scientifique des phénomènes plastiques (mélanges, transparence, perspective).

Au cycle 4, la démarche devient plus conceptuelle en insistant sur « l'hybridation des pratiques » et « l'usage des technologies numériques ». L'artiste contemporain mobilise des savoirs scientifiques (optique, biomécanique, biologie) et des dispositifs technologiques (vidéo, réalité augmentée, impression 3D) pour créer des œuvres interactives ou immersives. Cette approche questionne la place de l'artiste comme expérimentateur et la notion d'œuvre comme système. Les élèves sont amenés à analyser ces enjeux, à produire des réalisations intégrant des outils numériques et à réfléchir sur l'impact des sciences dans la création (art et data, bio-art, installations interactives).

Ainsi, cette thématique répond à la finalité suivante : former un regard critique et créatif, en articulant pratique et culture, et en inscrivant l'art dans un dialogue avec les savoirs scientifiques et technologiques qui façonnent notre monde.

Les œuvres contenues dans la valise "l'artiste et les techniques, technologies et sciences"

Certaines des œuvres sont associées à un accompagnement sous forme de diaporama.



Héloïse BOSSARD Les Mûres Cyanotype réalisé d'après des papiers découpés 23,9 x 17,9 cm, édition numérotée au recto 5/10 et titrée Acquisition 2021 / Inventaire n° 1	Camille FOSSE Feuille (terracotta) 2017 Linogravure 70 x 50 cm Acquisition 2023 / Inventaire n°6	Marjorie DESMOTTES L'Herboriste 2021 29,7 x 21 cm Cyanoype Acquisition 2022 / Inventaire n° 28	Julie GALLET La Piscine 2023 Risographie 2 couleurs (aqua + rose fluo) sur papier Arena Rough 200 g 30 x 24 cm Édition à 30 exemplaires, édition numérotée au recto 28/30 et signée Acquisition 2024 / Inventaire n° 75	Julien DUPORTÉ Vache pie CMJN #1 2021 Sérigraphie 35,5 x 50 cm Acquisition 2022 / Inventaire n°30

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

Quelles relations entretiennent les outils et les formes ?
Quels sont les usages et les fonctions de la polychromie ?
Comment les savoir-faire techniques sont-ils au service de la compréhension de création ?
Dans quelles mesures les matériaux participent-ils à la dimension symbolique de l'objet artistique ?
En quoi les progrès scientifiques et techniques transforment-ils la création artistique ?
Quels sont les liens entre la création artistique et les avancées techniques ?
Comment la reproductibilités technique contribue-t-elle à la création technique ?
Comment la machine et le numérique deviennent-ils des matériaux artistiques à part entière ?

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°1

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:13Z

Comment les artistes témoignent-ils des évolutions sociétales ?

L'artiste et ses œuvres jouent un rôle fondamental dans la société, non seulement en tant que créateurs, mais aussi comme témoins et acteurs des transformations humaines et environnementales. L'art permet d'explorer la condition humaine, de se questionner sur soi, sur l'identité de l'artiste, tout en ouvrant le regard sur le vivant et l'environnement. Le parcours Histoire des arts des cycles 3 et 4 invitent les élèves à comprendre comment l'art, à travers la diversité des œuvres et des démarches, participe à la construction des représentations collectives, interroge les valeurs et stimule la réflexion sur notre rapport à nous-mêmes et au monde.

Au cycle 3, les élèves sont amenés à fréquenter des œuvres variées et à découvrir la diversité des métiers artistiques. Ils apprennent à identifier les caractéristiques techniques et formelles des œuvres, à situer leur émergence dans l'espace et le temps, et à comprendre comment l'artiste, par son geste et son intention, participe à la vie culturelle et sociale. L'accent est mis sur l'appréhension de l'humain, à travers la découverte de portraits, d'autoportraits, et sur l'exploration du vivant et de l'environnement, par l'étude de paysages, d'animaux, et de la nature dans l'art. Cette double approche permet à chaque élève de relier l'œuvre à son auteur, à soi-même, et à son environnement, tout en prenant conscience de la pluralité des pratiques artistiques.

Au cycle 4, la réflexion s'élargit et s'approfondit. Les élèves étudient les représentations du travail artistique, les portraits et autoportraits, les mythes fondateurs de l'artiste, ainsi que les dialogues entre l'art et l'environnement naturel, urbain ou social. L'appréhension de l'humain se traduit par l'analyse de la place de l'artiste, de l'identité, des émotions et des relations sociales dans la création. L'appréhension du vivant et de l'environnement s'exprime à travers l'étude des œuvres qui dialoguent avec la nature, le végétal, l'animal, et qui s'inscrivent dans des contextes écologiques ou urbains. Les élèves sont invités à comprendre comment l'artiste s'engage, témoigne, transmet ou interpelle, et comment les œuvres peuvent être utilisées pour célébrer, dénoncer, ou construire une mémoire collective autour de l'humain et du vivant.

Cette thématique permet de mieux comprendre l'humain et le vivant, tout en reliant l'artiste à la société. Les élèves apprennent à observer, représenter et questionner leur environnement et eux-mêmes à travers la création artistique.

Les œuvres contenues dans la valise "l'artiste et les œuvres dans la société"

A chacune des œuvres est associé un accompagnement sous forme de diaporama.



John CORNU Pogne 2017 Bronze 11,7 x 2 x 2 cm, édité à 33 exemplaires Acquisition 2021 / Inventaire n° 9	Éric TABUCHI Another Twenty-Six Abandonned Gasoline Stations (07 - S2) 2016 Tirage numérique sur papier offset 250g 30 x 30 cm Édition à 15 exemplaires, numérotée 21/30 et signée par l'artiste Acquisition 2021 / Inventaire n° 11	Olivier GARRAUD Merci de subir 2023 Impression numérique d'après dessin au posca 29,7 x 21 cm Acquisition 2023 / Inventaire n°58	Fabienne RADI Prémonition Pianiste inconnu, probablement hongrois 2023 Impression offset sur papier Arena White Rough 300 g 50 x 35 cm, édition à 400 exemplaires Acquisition 2024 / Inventaire n°82	Claire ASTIGARRAGA Arrivée à Aasiaat 2019 Dessin au rotring et au feutre sur papier Canson 150 g 12,4 x 29,5 cm, signée par l'artiste Acquisition 2021 / Inventaire n° 7

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

Comment tire-t-on parti de l'environnement naturel pour produire des sons et des formes ?
Comment l'art accompagne-t-il les grands événements de la vie privée et publique ?
En quoi les progrès scientifiques et techniques transforment-ils la création artistique ?
Comment les artistes témoignent-ils des évolutions sociétales ?
Quelles images les artistes donnent-ils de l'ailleurs ?
La création artistique est-elle compatible avec les enjeux écologiques ?
Comment les artistes intègrent-ils la dimension environnementale dans leurs créations ?
Comment les artistes travaillent-ils à l'échelle du paysage ?

La collection L'impression voyage !

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:00Z

COLLECTIONNER, DIFFUSER, RECEVOIR des œuvres au sein d'un établissement pour APPRÉHENDER et DISCUTER la création.

Dans ce cadre, les élèves expérimentent diverses formes de présentation et de médiation. Celles-ci peuvent mobiliser des espaces et des moyens physiques ou numériques, les associer. Ils en découvrent les ressorts et les enjeux à la fois techniques, plastiques et sémantiques. Ce faisant, les apprentissages conduits situent la pratique plastique dans une chaîne complète de l'intention à la monstration, permettant de comprendre qu'en art on ne produit pas que pour soi, mais aussi en relation à certaines finalités. Il s'agit aussi d'appréhender que la création se réalise pleinement en étant vue, partagée, discutée.
Les pratiques d'accrochage induites, d'accompagnement oral et textuel d'un public sont particulièrement propices au développement de compétences psychosociales, notamment identifier ses émotions, prendre des décisions, communiquer de façon constructive et, le cas échéant, comprendre et gérer son stress.
La démarche d'exposition peut prendre diverses formes, selon les contextes, allant d'un niveau de positionnement réfléchi dans la salle de classe jusqu'à l'accrochage raisonné ou à une scénographie formalisée dans un autre lieu, interne ou externe à l'établissement. Dans ce cas, la présentation réalisée peut être ouverte à un plus large public que celui des élèves. Sous forme d'un projet ou concrètement mise en œuvre, l'exposition concerne régulièrement les productions plastiques produites en classe. Autant que possible, elle peut également s'appuyer sur des œuvres d'artistes, dans le cadre de partenariats construits avec ces derniers ou des institutions culturelles

Extrait des projets de programme du cycle 4, p.14

Présentation du dispositif

La collection d'œuvres d'art du collège Challemel-Lacour à AVRANCHES s'intitule "L'impression". Elle regroupe, aujourd'hui, une centaine d'œuvres. Née à l'automne 2020, cette collection est en partie exposée dans différents espaces du collège (salles de cours, infirmerie, salle d'études, CDI, self, etc.).
Elle s'est constituée progressivement en laissant aux élèves le maximum de latitude pour sélectionner les œuvres et se constituer pas à pas en comité de sélection. Elle est financée sur les moyens propres de l'établissement qui affirme un choix fort d'ouverture culturelle en maintenant cette politique d'acquisition régulière.

Le collège Challemel-Lacour à Avranches, l'académie de Normandie et la DSDEN de la Manche proposent de faire profiter d'autres établissements et écoles des œuvres collectées (96 au total), par le prêt de mini expositions itinérantes dans la Manche. Quatre expositions sont conçues à destination du premier degré et quatre autres à destination du second degré. Cette action s'inscrit dans le parcours d'éducation artistique et culturelle de l'élève et contribue à la réussite de l'objectif 100% EAC.
Chaque mini exposition est protégée et contenue dans une valise, accompagnée d'une documentation pédagogique, de conseils et de gants pour la manipulation des œuvres. Elle est aisément transportable en voiture. Les expositions sont itinérantes, circulent d'un établissement à l'autre selon un planning établi à l'année.

Objectifs pédagogiques

• Susciter la rencontre des élèves et de la communauté éducative avec l'art contemporain,
• Placer les élèves en tant qu'acteurs responsables en leur permettant de développer leur esprit critique dans une démarche réflexive,
• Favoriser le parcours d'éducation artistique et culturelle des élèves par la découverte d'artistes et d'œuvres et par la pratique artistique,
• Permettre aux enseignants de s'appuyer sur un projet artistique pour renforcer chez les élèves le développement de compétences fondamentales (le dire, l'écrire, la démarche d'investigation notamment) au travers d'une démarche artistique,
• Développer la construction du Parcours d'EAC sur un territoire en favorisant la liaison inter- degrés.

Informations liées au dispositif

Modalités de participation

Public concerné : établissements du premier et du second degré.
Chaque établissement inscrit reçoit une ou deux expositions par année scolaire, en fonction du nombre de demandes. La durée de prêt s'établit environ sur 1 mois et demi, de vacances à vacances, selon le calendrier de prêt organisé par ......... pour le 1er degré et par .......... pour le second degré.

Calendrier prévisionnel

• Avril 2026 : diffusion de l'appel à projet et dépôt des candidatures via ADAGE.
Choix des expos via Adage au moment de la candidature ?
• Mi juillet 2026 (ou début sept ?) : les établissements prennent connaissance de l'avis de la commission dans Adage. Les référents du dispositif reçoivent le planning annuel des prêts et la liste des établissements et contacts inhérents au bon fonctionnement de l'itinérance des expositions.
• Septembre 2026 à fin juin 2027 : itinérance des « boîtes » expositions en établissements.

Engagement des établissements et de l'équipe éducative

Chaque établissement scolaire prend en charge le transport des œuvres d'un établissement à l'autre. Il s'engage à veiller à leur sécurité, à les manipuler avec soin et à les assurer. Un document « valeurs d'assurance des œuvres » transmis en amont de la circulation des expositions permet d'assurer clou à clou les œuvres pour la durée de l'exposition, de leur prise en charge incluant le transport jusqu'à leur passation ou restitution.
Un constat d'état s'opère tout au long de l'itinérance des oeuvres, signé par le chef d'établissement à l'arrivée et au départ des œuvres.
Une convention annuelle (année scolaire) est établie entre l'établissement prêteur et l'établissement emprunteur.

Dans le cadre d'ateliers de pratique avec les élèves, les besoins en matériel sont assurés par l'établissement, 1er et 2nd degré.

Valorisation, demande de retour d'expérience, bilan

Les référents du dispositif pour l'académie de Normandie

(en cours de nomination), professeur référent du dispositif L'Impression voyage au collège Challemel-Lacour d'Avranches ;
Virginie Michel, IA-IPR d'Arts plastiques ;
Sylvie Gauthier-Lapouge, IA-IPR d'Arts plastiques ;
Valérie Laisney, CPD Arts visuels et action culturelle, DSDEN de La Manche ;
Sylvie Cao-Van, référente DAAC.

Présentation des 4 expositions itinérantes



VALISE 1 L'artiste et les œuvres dans la société disponible à l'emprunt octobre 2026	VALISE 2 L'art comme matériau et véhicule d'un imaginaire collectif en cours de réalisation	VALISE 3 L'œuvre et ses contextes, ses finalités en cours de réalisation	VALISE 4 L'artiste et les techniques, technologies et sciences en cours de réalisation

Articulation avec les enjeux d'enseignement



	EXPOSER une ou plusieurs œuvres dans un espace ouvert au public (penser et travailler des données spatiales, symboliques, collectives) Sur l'ensemble des niveaux du collège, deux grands attendus sont travaillés, dans une perspective de développement, d'enrichissement et d'approfondissement : − Exposer des productions plasticiennes pour un public. − S'approprier et utiliser des modalités et des dispositifs d'exposition. >>> Mettre en œuvre une exposition comme un dispositif à scénariser, dans un espace réel ou au moyen d'une maquette.
	ACCOMPAGNER la réception d'une œuvre par un public (dire et partager la pratique, le sensible) Sur l'ensemble des niveaux du collège, un grand attendu est travaillé : − Comprendre et construire la relation entre la production plastique et le spectateur. >>> Prendre en compte les sensations du spectateur dans son rapport à l'œuvre ou à l'espace de monstration
	PARTAGER des œuvres à l'ère du numérique (diffusion, réception, contribution) Sur l'ensemble des niveaux du collège, un grand attendu est travaillé : − Utiliser des environnements et outils numériques pour documenter, partager une création plastique. >>> Constituer une exposition numérique à partir d'un corpus d'œuvres >>> Utiliser le numérique pour créer des liens entre des productions et un public.

DOCUMENTER OU AUGMENTER LE RÉEL : PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION

Virginie Michel — 2026-04-10T08:08:01Z

Dans quelle mesure s'appuyer sur un festival de films documentaires de création permet-il aux enseignants d'aborder et travailler avec les élèves la question "documenter ou augmenter le réel" ?

PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION
LYCÉES LITTRÉ D'AVRANCHES, MILLET DE CHERBOURG, CORNAT DE VALOGNES ET LEBRUN DE COUTANCES
CINÉMA DE VILLEDIEU – LUNDI 23.03.2026

150 élèves suivant l'enseignement de spécialité arts plastiques en première et terminale se sont retrouvés pour une journée de projection et d'analyses de films documentaires de création au cinéma de Villedieu.
Cette action pédagogique fait écho au programme du baccalauréat :

>>> documenter ou augmenter le réel.

La programmation a été conçue en collaboration entre Benjamin Serero, les enseignants et le cinéma de Villedieu. La préparation des interventions des élèves a été assurée par Marie-Dominique Ledanois, Maud Brosse, Lucie Chausson et Ronan Descottes.

La séance a été modérée par Benjamin Serero, réalisateur et producteur. Formé à La Fémis, il a d'abord travaillé en tant qu'assistant sur des longs métrages notamment avec Mariana Otero et Nicolas Philibert. Depuis 2002, il produit et réalise des courts-métrages de fiction et des documentaires.
Quelques élèves ont préparé des interventions permettant de questionner cette forme cinématographique. Cela a permis des débats pertinents, sensibles et très enrichissants sur les thèmes abordés comme sur les formes plastiques, artistiques et cinématographiques employées.
La représentation du réel à travers sa mise en scène a été au cœur de ces questionnements.

Découpage de la captation de la journée


00h 00min 04s : Introduction de la journée par Ronan DESCOTTES 00h 01 min 16 s : Introduction par Benjamin SERERO	00h 06 min 16 s : Je suis votre voisin (1990) de Karine de Villers et Thomas de Thiers 00h 51min 58 s : Vers la tendresse d'Alice DIOP (2016)	1h 04min 07s : Le COD et le coquelicot (2013) de Cécile ROUSSET et Jeanne PATURLE 1h 16min 00s : Ne croyez surtout pas que je hurle (2018) de Franck BEAUVAIS	1h 35min 15s : La Sole entre l'eau et le sable (2012) de Angèle CHIODO 1h 57min 48s : Espace d'Eléanor GILBERT (2014) 2h 57min 48s : Conclusion

Le COD et le coquelicot (2013) de Cécile Rousset et Jeanne Paturle (24 min)

Présentation par Manon, Manon et Manon du lycée Millet de Cherbourg
Synopsis par Noémie : Le COD et le coquelicot est un film documentaire de 24 minutes qui nous raconte l'histoire d'une école primaire en banlieue parisienne à travers les voix de cinq professeurs. Celles-ci donnent une ambiance de « podcast » à ce court métrage. De nombreuses techniques utilisées pour faire le film peuvent sembler étonnantes pour le spectateur : du dessin, de la peinture, du papier découpé constituent la majorité des images auxquelles se mêlent des photos de la réalité. Les différentes histoires des professeurs abordent les sujets de la violence scolaire, les conditions de travail dans lesquelles ils se retrouvent mais aussi leurs interprétations de ce que pensent et ressentent leurs élèves. Les bons et les mauvais moments d'une année scolaire sont montrés et malgré tout il ne faut pas perdre espoir comme nous le montre la fin du documentaire.

Analyse par Louna et Abygaël du lycée Millet de Cherbourg

Le documentaire imite le scrapbooking, dénonce la difficulté des enseignants à s'adapter au monde contemporain de leurs élèves. Entre racaille et programme scolaire défaillants, une métaphore est mise en avant dans ce documentaire :

Pourquoi apprendre le principe du C.O.D. à un enfant alors qu'il ne connait pas un simple coquelicot ?

Le documentaire documente de façon ludique les enjeux et les difficultés des élèves et des enseignants face à un programme complètement illusoire mis en place par un gouvernement non renseigné.
Ce film documentaire prend place dans une école primaire dans un quartier réputé comme étant difficile de Paris. On y suit le point de vue de cinq enseignants qui prennent pour pari de réussir à éduquer et aider les élèves sans abandonner comme les précédents. Ainsi, on découvre une vision bien plus intime et complexe de la vie d'un enseignant face à des élèves turbulents et en difficulté, en plus de leur détermination à tenir bon et à avoir de l'espoir face aux défis du quotidien.

Clean with me after dark (2019) de Gabrielle Stemmer (21 min)
Synopsis

Ce documentaire questionne la place des femmes dans la société contemporaine, notamment dans certaines banlieues pavillonnaires américaines, une norme sociale imposée. Il montre des vidéos publiées sur des réseaux sociaux par des femmes qui se filment faisant le ménage. Cette accumulation nous amène peu à peu à découvrir une réalité plus intérieure, nous révélant leurs difficultés à supporter leurs conditions de femmes au foyer, irréprochables et parfaites.

Analyse par Naelle et Alice du lycée Littré d'Avranches

Le rythme du film accompagne le passage du bonheur apparent aux difficultés supportées : On voit ces femmes s'agiter, nettoyer, ranger, brosser, aspirer, sur fond de musiques joyeuses…. Tous ces gestes qui se répètent montrent la routine de ce quotidien sans fin, les mêmes tâches, cet enfermement, les situations similaires : les images sont accélérées, se juxtaposent aux sons ou apparaissent en mosaïque. Au bout de 5 mn : la musique se coupe. Le silence se fait quand le soustitrage nous dit que les enfants dorment. Peu à peu, on ne les voit plus qu'au travers de leurs mains, de dos, gros plans, de détails. Le bruit devient réel…celui du seul aspirateur. Les mots de la décoration (la vie est belle, merci pour tout, amour, espoir, rêve…) sont ironiquement à l'opposé de ce qu'elles vivent et nous amènent à la description de leur mal être : « Reste calme et nettoie ! » s'inscrit sur le tee-shirt de Jessica. Elle nous fait part de ses angoisses et de son anxiété, partagés par tant d'autres. Le spectateur suit la réalisatrice comme dans une enquête permise grâce aux données d'internet. De l'apparence
extérieure, du paraitre, on passe à la réalité de tourments plus intimes.
Inversement : on passe de l'intérieur de la maison vers l'extérieur. Le spectateur les imagine derrière les murs de ces maisons cossues. Avec pudeur, la réalisatrice ne les montre plus quand elles pleurent. Les enfants eux apparaissent comme raisons de vivre mais aussi comme des contraintes. La dernière image au générique affirme que la relève semble pourtant assurée. La présence de l'homme est sous-jacente : Il travaille, apparait dans un reflet, capturé et conservé discrètement sur le bureau de l'ordinateur. Son absence est décrite dans le texte des chansons au début du film. Sa présence discrète matérialise son indifférence face à des situations douloureuses qu'il ne semble pas considérer.

L'effet de construction du film en direct ne cache-t-il en réalité pas de nombreuses recherches ?
Les réseaux sociaux ne renforcent-ils pas ces stéréotypes ? (…accentué depuis Trump : essor sur les réseaux sociaux des "trad wives")
L'auteure ne souhaite-t-elle pas nous renvoyer à la façon dont nous-mêmes consommons internet ? = Navigation, clics, recherches, intrusions, temps sacrifié à l'existence d'anonymes qui nous renvoie à la nôtre, mise en scène permanente de soi sur les réseaux sociaux, question du paraître.

Analyse par Charlotte et Lokoma du lycée Lebrun de Coutances

Un autoportrait filmique Un homme qui vit dans un village du Jura relate une rupture amoureuse douloureuse qui l'amène à la dépression. Son film est composé de plans empruntés à de nombreux autres films qu'il visionne de façon boulimique durant cette période. Cela ressemble à un autoportrait sans montrer son apparence. La forme plastique du film, en effet, ne révèle pas le visage du réalisateur. Ce dernier parle de lui sans se montrer et pourtant les plans font allusion à ce qu'il a vécu. C'est une œuvre paradoxale faite à partir d'images qui ne lui appartiennent pas. Le réalisateur utilise sa propre voix en Voix Off pour relater son histoire, ses souvenirs et ses intentions. Cette parole est une forme d'autoportrait oral et littéraire mais elle est désincarnée car la voix est monotone et presque mécanique. L'émotion passe donc par les images et les plans choisis (images d'archives, paysages, objets, personnages en action…) qui reflètent sa subjectivité et ses émotions. Elles ne sont pas neutres mais chargées de sens personnel. Le montage, c'est-à-dire le choix d'enchaînements des scènes retenues, crée un récit, presque comme un journal personnel ou une chronique intime.Cette œuvre relève du cinéma expérimental, pratique artistique relevant à la fois des Arts plastiques et du cinéma d‘art et d'essai. Ici, c'est la technique du found footage (montage d'images récupérées / trouvées à partir de 400 films, Franck Beauvais parle de « Cinéfolie ») qui est utilisée. Cette technique est souvent exploitée pour questionner la mémoire, la subjectivité et la reconstruction du réel. Le cinéma devient un matériau associé au texte.

On peut repérer 3 types de rapport texte/image :

1 - Rapport de redondance : l‘image montre ce que le texte dit ;
2 - Rapport de disjonction : l‘image s'écarte de ce que le texte dit, ce qui amène le spectateur à une certaine confusion ;
3 - Rapport de collaboration : l‘image complète ce que le texte dit, ce qui amène le spectateur à interpréter pour construire du sens.

Ne croyez surtout pas que je hurle (2018) de Franck Beauvais (75 mn, extrait du début jusqu'à 7 mn 20)

Les extraits de Films sont tous très différents les uns des autres. Cette diversité reflète bien la fragmentation et le chaos de son état mental. Elle symbolise aussi la multiplicité des émotions ou des souvenirs.
La voix off adopte un ton monocorde, elle ne laisse paraître aucune émotion et rend le récit triste. Le récit en Voix Off a été écrit avant, séparément du montage. Le montage a comme point de départ le texte enregistré et les plans sont positionnés tel un puzzle. C'est un montage par jeu métaphorique, d'association d'idées, d'homophonie, de jeu de contraires, ironique, de dérèglement sémantique, de correspondances formelles et chromatiques. C'est donc l'image qui rend cette œuvre expressive et ce sont les extraits choisis et leur montage qui humanisent le propos.
Pour conclure, on peut dire qu'il utilise la réalité des films pour en faire la réalité de sa vie. L'esthétique du collage fait apparaître une fragmentation qui peut évoquer son chaos ou son désordre intérieur.
Le réel est donc reconstruit par le dispositif de montage d'images et de réinterprétation, pourtant ce film a une dimension documentaire. Il documente sa vie et l'expérience de la dépression. Il implique le spectateur de plusieurs manières, émotionnellement par les images et intellectuellement en interprétant la relation texte image.

La Sole entre l'eau et le sable (2012) de Angèle Chiodo (15 min)

Synopsis : Filmer le temps qui passe, traiter l'évolution et parler de sa grand-mère de manière indirecte, voilà ce qui est à la base du documentaire animé et décalé d'Angèle Chiodo. Le tout était d'entremêler ces sujets de manière ludique, à travers des jeux de lumières et d'animation, et un travail de la musique précis et assumé (le concerto en « sole » de Ravel). Angèle Chiodo réussit avec La Sole, entre l'eau et le sable à traiter de manière égale son amour de la biologie et une tendre émotion pour sa grand-mère.

Analyse par Jeanne, Mallaurie et Kylian du lycée Cornat de Valognes

Ce court métrage est un film documentaire sur la sole, un animal marin que la réalisatrice décrit tout le long du film grâce à une voix off. Cette voix off est accompagnée de vidéos et stop motion visant à mettre la sole au-devant de la scène ; une manière très surprenante, qui nous montrera qu'il y a un double sens dans le film. Celui-ci est découpé en quatre parties qui suivent les saisons d'une année. L'action se passe dans un intérieur très chargé, qui semble être un appartement.

Pour introduire et montrer la sole, la réalisatrice utilise des images réelles filmées avec sa caméra ainsi que la technique du stop motion qui consiste à prendre plusieurs images d'objets se déplaçant afin de créer une animation. Pour cela elle a utilisé notamment le logiciel After Effects. D'autres techniques sont présentes également, on peut observer diverses créations fait main, des objets provenant du lieu, objets du quotidien ou
non. Certains sont transformés pour ressembler à la sole. Elle travaille avec des matériaux originaux qu'on a moins l'habitude de voir mais que l'on va retrouver tout au long du film, telle que la gélatine, ainsi que différents tissus pour réaliser les costumes de la sole. La voix off est omniprésente et donne un aspect documentaire scientifique au film, mais parfois aussi parodique. Cela nous permet de comprendre ce que l'on regarde et d'avoir des informations réelles sur la sole, mais on entend également la grand-mère et la réalisatrice parler seules ou entre elles ce qui renforce le côté comique.
Ce film est le projet de fin d'étude d'Angèle Chiodo, ancienne étudiante de l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Le film explore le lien familial entre deux générations. Nous avons communiqué avec la
réalisatrice lors d'une visio-conférence, et celle-ci nous a dit qu'elle a utilisé le prétexte d'un animal marin ; la sole, pour parler de sa grandmère. Elle s'est également inspirée des films de Jean Painlevé, entre autres, pour écrire la voix off. Le sujet assez intime de la famille a permis d'être traité de manière détournée sans en parler frontalement. Ainsi ce film est un documentaire décalé sur les étapes de la vie d'une sole dans son milieu aquatique, mais montre en parallèle la fin de la vie de sa grand-mère dans son appartement. La sole permet également de faire un lien métaphorique avec l'isolement des personnes âgées qui peuvent faire face à un handicap. De plus la réalisatrice nous interpelle sur le fait de renouer le lien avec nos aînés.

Remerciements :

aux élèves intervenants
à Benjamin Serero
à l'équipe du Cinéma de Villedieu (Christophe, Gérard)
à Matthieu Georges qui a filmé la journée


DOC DOC DOC entrez ! Edition 2026 : Festival du cinéma documentaire de Villedieu-les-Poêles du 7 au 12 avril 2026 https://www.villedieu-cinema.fr/#/ https://www.villedieu-cinema.fr/?view=article&id=236:doc26&catid=2#/

Maud Brosse, Lucie Chausson, Ronan Descottes et Marie-Dominique Ledanois

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Mael Judic — 2026-03-07T16:13:10Z

Dans quelle mesure une production peut-elle articuler les notions de fragment et d'unité pour construire une représentation cohérente et signifiante du paysage ?

Cette séquence, conçue pour les élèves de 1ère Spécialité Arts Plastiques, s'inscrit dans la partie du programme : « Les enjeux de la représentation, de ses langages et de ses moyens plastiques ». Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain, par l'affirmation de différents degrés de distance au référent.

Organisation de la séquence

La première séance (2 heures) est dédiée à la présentation du projet et à une immersion directe dans le champ artistique contemporain. Les élèves participent à un atelier de pratique plastique avec l'artiste Tom Nadam, qui expose dans la galerie de l'établissement, dans le cadre du dispositif De Visu. Cette rencontre permet d'ancrer la réflexion théorique dans une expérience concrète de la création.

Entre la première et la deuxième séance, un travail personnel est demandé aux élèves pour enrichir leur culture artistique. Ils visionnent la vidéo de présentation de l'exposition « Paysage, Fenêtre sur la nature », tenue au Musée du Louvre-Lens entre mars et juillet 2025. Ce visionnage doit être accompagné d'un travail de prise de notes, visant à alimenter leur réflexion avant la mise en pratique.

La deuxième séance (2 heures) reprend la réflexion autour de « Fragments et unité dans un paysage ». Elle commence par une réflexion et une analyse collective de la problématique. Les termes clés sont définis à l'oral : le fragment (morceau, partie), l'unité (homogénéité, cohérence, assemblage), le paysage (ce que l'on voit, point de vue, cadrage, nature) et l'hétérotopie (lieu autre, imaginaire, cosmos, utopie). À l'issue de cette analyse, le travail plastique se poursuit.

Évaluation et aticulation avec les programmes

L'évaluation de cette séquence porte sur la capacité des élèves à expérimenter, produire et créer, ainsi qu'à mettre en œuvre un projet artistique. Elle inclut également la capacité à exposer l'œuvre, la démarche et la pratique :

Créer un paysage à partir de fragments (photographies, collages, objets, matériaux divers) pour créer une image globale cohérente ;
Proposer une analyse critique de sa production : les élèves doivent exposer leur démarche de création, les choix esthétiques et conceptuels qui ont guidé leur projet, ainsi que les difficultés rencontrées et les solutions trouvées ;
Contribuer au dispositif scénographique.

Les élèves travaillent à partir d'images de paysages brûlés ou désolés - thème central de son œuvre. Sur des supports papier de différents formats, chacun doit extraire un fragment de l'image (recadrage, agrandissement) puis retravailler textures et couleurs avec différents médiums.

L'exercice ne se limite pas à une simple copie : il propose une confrontation concrète entre photographie et matière picturale, entre échelle choisie et lisibilité du détail, invitant à réfléchir au geste, à la surface et à l'interprétation chromatique.

Une visite préalable du site de l'artiste et de son exposition a préparé le travail en atelier, et Tom Nadam a présenté sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de ses compositions, afin que les élèves saisissent le lien entre fragmentation et assemblage.

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

• Comment faire unité à partir du fragment ?
• Comment créer une cohérence plastique au sein d'un ensemble hétérogène ?
• Quelles caractéristiques visuelles permettent de définir le genre du paysage ?

Ainsi, cette séquence permet de lier la pratique plastique à une réflexion critique sur la construction de l'espace et sa représentation contemporaine.

Quelques informations sur l'artiste intervenant

"Diplômé des beaux-arts de Caen en 2018, aujourd'hui, Tom Nadam vit et travaille à Rennes.

Animées par un sentiment de faux calme, ses peintures révèlent des moments de flottement, des environnements bouleversés et des figures en déclin. Cette atmosphère si particulière naît d'un danger tapis dans l'ombre, d'une sensation d'instabilité ou d'une menace passée. Pour favoriser ces jeux de tension, Tom joue du contraste et de l'ambiguïté des motifs qu'il utilise. Il puise son inspiration dans des excursions marquantes. Islande, Etna et Champs Phlégréens plantent le décor de ses meutes imprévisibles. Le chien est la première figure qui alimente une dualité dans son travail. Entre monde des morts et monde du vivant, fidèle compagnon et bâtard errant, dominé comme dominant, il traduit une tension constante. Sans morsure, ni blessure, ni sang, une certaine animosité se dégage pourtant des compositions. Plus récemment, les violents feux de forêts survenus en 2022 ont profondément affecté sa pratique. Tom représente alors une nature grondante, sauvage, révoltée et démesurée. En s'immergeant dans les Monts d'Arrée, à Lussas et dans la plaine des Maures, il récolte les vestiges de ces terres arides qui lui évoquent des formes familières. Ainsi, dans un climat quasi désertique, apparaissent tels des mirages : roches, objets trouvés, crânes, meutes diaphanes ou autres silhouettes étranges. Tom dresse leur portrait, qui, dans un état de fulgurance, semblent aussi précieux que fragiles. À travers les épaisses fumées, ces éléments se dévoilent comme les rescapés de ces drames, incarnant un semblant d'espoir."

Intervention de l'artiste Tom NADAM

À partir d'images de paysages en feu ou désolés après son passage (thème de son travail), et des supports en papier prédécoupés (20 X 20, 40 X 20 et 40 X 40 cm) les élèves devaient reproduire à l'échelle une partie de l'image (recadrage, agrandissement) et surtout retravailler les textures et les couleurs en découvrant la peinture acrylique. Une visite du site de l'artiste et de l'exposition avait été faite en amont. Tom Nadam a aussi expliqué sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de son travail.

La taille des supports permet une installation rapide et facilité des travaux d'élèves dans la galerie pour un accrochage lors du vernissage à suivre (panoramique, mosaïque, pixels ?...). Un temps d'une demie heure a été alloué avant le vernissage de l'artiste dans la galerie pour que les élèves investissent en commun le mur dédié avec leur travail. L'accrochage a donc été fait en classe entière, en autonomie, mais avec la présence de l'artiste et des enseignants pour justifier les divers choix (hauteur, choix des motifs, couleurs, composition, brillance, unité, "trous de respiration"...).

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Entre la première séance et le deuxième, un travail devait être mené à la maison. Les élèves devaient visionner une vidéo de présentation de l'exposition Paysage : Fenêtre sur la nature. Il s'agit d'une exposition ayant eu lieu au Musée du Louvre Lens du 29 mars au 24 juillet 2025. Il s'agissait aussi pour les élèves de prendre une série de notes écrites.

Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens
Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher

Réflexion et analyse collective de l'incitation

Au début de la deuxième séance, les élèves devaient produire un écrit durant 15 minutes autour des termes de l'incitation.

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Fragment : Morceau / Partie
Unité : Homogénéité / Cohérence / Ensemble / Assemblage / Construction
Paysage : Ce que l'on voit / Point(s) de vue / Cadrage(s) / Nature ?
Hétérotopie (lieux autre) : Imaginaire / Cosmos / Univers / Utopie

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

Cécile Malézieux et Florent Cordier

FORMER, TRANSFORMER : exposition de Bina Baitel, Centre MATMUT pour les arts

Mael Judic — 2026-03-06T12:57:24Z

En quoi la matérialité des objets conditionne-t-elle les formes et véhicule-t-elle les intentions artistiques de l'artiste ?

FORMER et TRANSFORMER des objets familiers pour les rendre étonnants

La production de Bina Baitel mêle art, design et architecture. Elle est d'abord diplômée de l'École nationale supérieure d'architecture de Paris La Villette, avant de fonder son studio de design et d'architecture en 2006. La designer joue avec les matières, les volumes et les effets visuels et l'interactivité du spectateur.

« La plupart de mes pièces invitent à de nouvelles expériences, qu'elles se manifestent par le toucher, le mouvement, le regard ou la réflexion. Elles invitent à interagir plutôt qu'à rester dans une simple position d'observation. »

Ainsi la lampe tactile et interactive Fur Light réagit à la caresse d'une main tandis que la lampe Grimm se compose d'une « coulée de miroir ».

A côté des objets design, sont exposés ses sources d'inspirations et ses maquettes ce qui permet d'appréhender l'ensemble de sa démarche. Il est possible de faire le lien entre histoire des arts, arts plastiques et son design à travers trois thématiques

NATURE

Le vocabulaire plastique de Bina Baitel, est lié à la courbe. Elle mêle pleins et creux et effet de matière évoquant la nature (la faune, la flore, le minéral) : tandis que Fur Light est réalisée à partir de vraie fourrure de raton laveur, une autre lampe à partir de peau de raie, certains motifs des tissus rappellent écailles de reptile, minéraux couverts de mousse, peau ou pelage d'animaux... Ainsi, elle nous invite à repenser le lien que nous entretenons avec notre environnement.

MATÉRIALITE / LE VRAI ET LE FAUX

« Je choisis toujours les matériaux en fonction du sujet abordé. »

La matière est au centre de son processus créatif. Les choix auxquels elle procède sont le fruit d'une réflexion.

Fur Light est composé de fourrure qui s'éclaire lorsqu'on le caresse. L'idée vient de son enfance à Jérusalem et des chapeaux de fourrure portés par les rabbins. Elle associe cette matière à la foi des hommes qui la porte symboliser par une lumière.

Pour la Lampe tapis Snug La projection lumineuse est matérialisée par cette flaque en cuir.

Pour ZigZag, elle joue avec les oppositions : celle entre la légèreté de ce zigzag, ce gribouillage, ce geste spontané qui amorce un stylo, et la densité du matériau évoquant les griffonnages.

OBJETS HYBRIDES / DÉTOURNEMENT

« Ma démarche s'exprime dans le détournement, le déplacement ou le décalage, parfois minime, parfois radical, qui fait basculer des éléments familiers vers d'autres lectures. »

Chez Bina Baitel, design, art et architecture se croisent, dialoguent et se mêlent pour faire surgir de nouvelles formes d'expression. De cette hybridation naissent des objets déroutants : des canapés évoquant la douceur des galets (Sela), des chevets qui se liquéfient et se transforment en tapis aux teintes aquatiques. En procédant ainsi, Bina Baitel réenchante le quotidien. Soudain, l'utile ne se limite plus à de simples fonctions, ils se transforment en objet de rêverie.

Confluentia est représentatif de l'échange permanent qu'elle entretient entre les domaines artistiques. Est- ce une création plastique, textile, architecturale, voire du design ? D'un point de vue scientifique, un confluent est le lieu où se rejoignent deux cours d'eau. Ici, deux meubles aux lignes épurées, sont disposés en diagonale. Loin d'être fonctionnels, les caissons tout en courbes, accueillent un tapis qui s'écoule vers le sol. Confluentia a été imaginé dans le cadre de la labellisation de la tapisserie d'Aubusson « Patrimoine culturel immatériel de l'humanité » par l'UNESCO. Les chevets ne font plus qu'un avec le tapis, évoquant ainsi les paysages des tapisseries d'Aubusson. Bina Baitel reprend et détourne les codes d'un savoir-faire. Le flot n'est pas sans évoquer également la célèbre toile d'Ingres, La source de 1856.

INFORMATIONS PRATIQUES

Site de Bina Baitel :https://www.binabaitel.com/fr

Groupes et scolaires
La réservation est gratuite et obligatoire pour les visites, avec ou sans conférencier. Les groupes sont admis tous les jours de la semaine.
https://www.matmutpourlesarts.fr/centre-art-contemporain/visites-ateliers

Lien vers le journal d'exposition.

VIDÉO DU VERNISSAGE DE L'EXPOSITION DE BINA BAITEL

Joseph Vernet

Mael Judic — 2025-06-18T10:30:00Z

Biographie de l'artiste

Approche notionnelle de l'oeuvre de Vernet

Document n°1

Document n°2

Fiche baccalauréat réalisée par le groupe de Lucie Chausson, Lycée Cornat à Valognes, Véronique Despicy-Dufour, Lycée Allende à Hérouville, Marlène Bayle, Lycée Laplace/Dumont d'Urville à Caen et Anne-Marie Talon, Lycée Navarre à Alençon

Conférence de Laurent Manoeuvre

Intervention de Laurent Manoeuvre dans le cadre de l'enseignement de spécialité Arts plastiques en lycée dont le programme de la rentrée 2024 est intitulé "Documenter et augmenter le réel" avec l'œuvre de Joseph Vernet (1714-1789), La ville et la rade de Toulon, deuxième vue, le port de Toulon, vue du mont Faron, 1756, huile sur toile, H. : 165 cm, L. : 263 cm, Paris, musée du Louvre.

Diaporama de l'intervention

Extraits de l'ouvrage de Laurent Manoeuvre

Interface

Mael Judic — 2025-01-29T09:39:31Z

Projet réalisé par Arnaud Daval, professeur au lycée Jeanne D'Arc de Caen

Arts Plastiques / Académie de Normandie

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°4

Les œuvres contenues dans la valise "l'œuvre et ses contextes, ses finalités"

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°3

Les œuvres contenues dans la valise "l'art comme matériau et véhicule d'un imaginaire collectif"

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°2

Les œuvres contenues dans la valise "l'artiste et les techniques, technologies et sciences"

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°1

Les œuvres contenues dans la valise "l'artiste et les œuvres dans la société"

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

La collection L'impression voyage !

Présentation du dispositif

Objectifs pédagogiques

Informations liées au dispositif

Modalités de participation

Calendrier prévisionnel

Engagement des établissements et de l'équipe éducative

Valorisation, demande de retour d'expérience, bilan

Présentation des 4 expositions itinérantes

Articulation avec les enjeux d'enseignement

DOCUMENTER OU AUGMENTER LE RÉEL : PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION

PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION LYCÉES LITTRÉ D'AVRANCHES, MILLET DE CHERBOURG, CORNAT DE VALOGNES ET LEBRUN DE COUTANCES CINÉMA DE VILLEDIEU – LUNDI 23.03.2026

Découpage de la captation de la journée

Le COD et le coquelicot (2013) de Cécile Rousset et Jeanne Paturle (24 min)

Analyse par Louna et Abygaël du lycée Millet de Cherbourg

Clean with me after dark (2019) de Gabrielle Stemmer (21 min) Synopsis

Analyse par Naelle et Alice du lycée Littré d'Avranches

Analyse par Charlotte et Lokoma du lycée Lebrun de Coutances

Ne croyez surtout pas que je hurle (2018) de Franck Beauvais (75 mn, extrait du début jusqu'à 7 mn 20)

La Sole entre l'eau et le sable (2012) de Angèle Chiodo (15 min)

Analyse par Jeanne, Mallaurie et Kylian du lycée Cornat de Valognes

https://www.villedieu-cinema.fr/#/

https://www.villedieu-cinema.fr/?view=article&id=236:doc26&catid=2#/

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Organisation de la séquence

Évaluation et aticulation avec les programmes

Quelques informations sur l'artiste intervenant

Intervention de l'artiste Tom NADAM

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Réflexion et analyse collective de l'incitation

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

FORMER, TRANSFORMER : exposition de Bina Baitel, Centre MATMUT pour les arts

FORMER et TRANSFORMER des objets familiers pour les rendre étonnants

NATURE

MATÉRIALITE / LE VRAI ET LE FAUX

OBJETS HYBRIDES / DÉTOURNEMENT

INFORMATIONS PRATIQUES

VIDÉO DU VERNISSAGE DE L'EXPOSITION DE BINA BAITEL

Joseph Vernet

Biographie de l'artiste

Approche notionnelle de l'oeuvre de Vernet

Document n°1

Document n°2

Conférence de Laurent Manoeuvre

Diaporama de l'intervention

Extraits de l'ouvrage de Laurent Manoeuvre

Interface

PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION
LYCÉES LITTRÉ D'AVRANCHES, MILLET DE CHERBOURG, CORNAT DE VALOGNES ET LEBRUN DE COUTANCES
CINÉMA DE VILLEDIEU – LUNDI 23.03.2026

Clean with me after dark (2019) de Gabrielle Stemmer (21 min)
Synopsis