Arts Plastiques / Académie de Normandie

RE-PRESENTER le réel : de sa captation à son interprétation

Mael Judic — 2026-04-09T15:06:00Z

Comment la transformation d'une captation du réel permet-elle de mieux en appréhender sa représentation ?

Dans l'enseignement des arts plastiques, selon des modalités pédagogiques spécifiques, représenter permet aux élèves d'apprendre à questionner et à interpréter le monde qui les entoure. Il s'agit notamment pour eux de s'approprier, avec des intentions artistiques, les éléments animés et inanimés du réel. Ce faisant, ils sont initiés aux systèmes plastiques, rhétoriques, symboliques, communicationnels dans lesquels s'inscrit l'image.

Extrait de Projet de programmes d'arts plastiques et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025

Cette séquence, conçue pour des élèves de troisième, s'inscrit dans la partie du programme : "La représentation : images, réalité et fiction." Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain.

L'élève comprendra le rôle de la perception et de l'interprétation dans l'élaboration et dans la réception d'un dispositif de représentation.

Organisation de la séquence

En amont de cette séance, les élèves ont été engagés dans une pratique photographique numérique autour de la demande suivante :

« Un cadrage spécial sur le collège »

La question d'enseignement formulée était la suivante :

« Comment le cadrage peut-il renouveler notre regard sur un lieu ? »

Chaque élève devait ainsi produire une photographie de l'architecture du collège, intérieure ou extérieure, en recherchant un cadrage singulier afin de proposer une vision personnelle et inédite de cet environnement quotidien pour tous et partagé.


Titouan	Clarisse	Arthur

La première séance est consacrée à la présentation dans la salle d'arts-plastiques de l'artiste Sarah Fouquet à travers l'étude de son parcours, de sa démarche artistique et de ses projets. Ce temps de rencontre vise à permettre aux élèves d'appréhender ses œuvres, tout en situant sa pratique dans un champ professionnel élargi, notamment en lien avec son activité d'infographiste menée en parallèle de sa production artistique. Puis, découverte de l'exposition Multifacettes, présentant les œuvres de Sarah Fouquet au CDI.

La deuxième séance s'ouvre sur la présentation de la nouvelle demande :

« FRAGMENTEZ LE RÉEL »

Elle est suivie d'un temps d'analyse collective visant à faire émerger les représentations des élèves. Les notions clés sont explicitées à l'oral : fragmenter (diviser en éléments, morceler, organiser en parties distinctes) et réel (ce qui relève de l'existant, par opposition à l'imaginaire ou au fictif).

Dans un second temps, les élèves entrent dans une phase de pratique plastique. Les photocopies des photographies couleur d'un « cadrage spécial du collège » sont distribuées aux élèves en noir et blanc au format A4.
La consigne formulée est la suivante :

"À partir de votre photographie d'architecture du collège, vous en proposerez une nouvelle interprétation"

Les élèves sont ainsi conduits à expérimenter la fragmentation de l'image, à déconstruire l'espace représenté et à interroger les modalités de reconfiguration du réel à travers les opérations de découpage et de collage.

Cette démarche engage les élèves dans une réflexion sur les processus de transformation de l'image et sur les enjeux perceptifs liés à la représentation des espaces du quotidien, entre altération et permanence du référent.

Document élève

Quelques informations sur l'artiste intervenante

Sarah Fouquet est une dessinatrice, illustratrice et graphiste indépendante formée à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris (ENSAD). Elle a également été résidente à la Casa de Velázquez à Madrid. Artiste et graphiste son travail explore le réel à travers le dessin et l'image imprimée, elle développe une pratique à la fois artistique et professionnelle, entre illustration, édition et communication visuelle. Ses œuvres s'appuient souvent sur l'observation de lieux réels, qu'elle fragmente et recompose pour en révéler les traces humaines et sociales. À travers ses dessins, elle propose une lecture sensible du monde, entre documentation et interprétation. En parallèle, son activité d'infographiste l'amène à produire des images pour la presse, les institutions et l'édition. Son travail interroge ainsi la manière dont l'image peut traduire, transformer et diffuser le réel.

Liens :

https://sarahfouquet.com/
https://www.instagram.com/sarahfouquetdessins/

Corpus d'œuvres

Document élève

HOCKNEY David
Place Furstenberg
1985
photocollage

GALIMBERTI Maurizio
Lady Gaga
2003
mosaïque de polaroïds

COPLANS John
Self Portrait, upside down
1992
photographie argentique

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à interroger la notion de représentation en arts-plastiques, notamment dans son rapport au réel et à la fiction. À mettre en relation des pratiques artistiques contemporaines avec leurs productions. À expérimenter des procédés plastiques de transformation (cadrage, fragmentation, découpage, recomposition) d'une image numérique dans une production plastique. À développer une démarche de projet, fondée sur des choix intentionnels et argumentés.

Document - bilan proposé aux élèves

Exemples d'affiches de l'exposition

Questions enseignables

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

Comment le dialogue entre pratiques numériques et traditionnelles permet-il de transformer et de réinventer la représentation de l'espace ?
En quoi le cadrage et les outils numériques modifient-ils notre perception d'un lieu familier ?
Comment la fragmentation et la recomposition d'une image permettent-elles de questionner le rapport au réel ?
Dans quelle mesure l'écart entre l'image initiale et sa transformation peut-il produire du sens et une valeur expressive ?
Comment rendre perceptible la présence du référent tout en proposant une nouvelle lecture de celui-ci ?

Compétences évaluées prioritairement

EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l'inattendu.
Explorer l'ensemble des champs de la pratique plastique et leurs hybridations, notamment avec les pratiques numériques.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.

S'EXPRIMER, ANALYSER SA PRATIQUE CELLE DE SES PAIRES ; ÉTABLIR UNE RELATION AVEC CELLE DES ARTISTES, S'OUVRIR A L'ALTÉRITE

Établir des liens entre son propre travail, les œuvres rencontrées ou les démarches observées

Quelques productions d'élèves

	Sophie
	Arthur

Céline HEBRE

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Mael Judic — 2026-03-07T16:13:10Z

Dans quelle mesure une production peut-elle articuler les notions de fragment et d'unité pour construire une représentation cohérente et signifiante du paysage ?

Cette séquence, conçue pour les élèves de 1ère Spécialité Arts Plastiques, s'inscrit dans la partie du programme : « Les enjeux de la représentation, de ses langages et de ses moyens plastiques ». Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain, par l'affirmation de différents degrés de distance au référent.

Organisation de la séquence

La première séance (2 heures) est dédiée à la présentation du projet et à une immersion directe dans le champ artistique contemporain. Les élèves participent à un atelier de pratique plastique avec l'artiste Tom Nadam, qui expose dans la galerie de l'établissement, dans le cadre du dispositif De Visu. Cette rencontre permet d'ancrer la réflexion théorique dans une expérience concrète de la création.

Entre la première et la deuxième séance, un travail personnel est demandé aux élèves pour enrichir leur culture artistique. Ils visionnent la vidéo de présentation de l'exposition « Paysage, Fenêtre sur la nature », tenue au Musée du Louvre-Lens entre mars et juillet 2025. Ce visionnage doit être accompagné d'un travail de prise de notes, visant à alimenter leur réflexion avant la mise en pratique.

La deuxième séance (2 heures) reprend la réflexion autour de « Fragments et unité dans un paysage ». Elle commence par une réflexion et une analyse collective de la problématique. Les termes clés sont définis à l'oral : le fragment (morceau, partie), l'unité (homogénéité, cohérence, assemblage), le paysage (ce que l'on voit, point de vue, cadrage, nature) et l'hétérotopie (lieu autre, imaginaire, cosmos, utopie). À l'issue de cette analyse, le travail plastique se poursuit.

Évaluation et aticulation avec les programmes

L'évaluation de cette séquence porte sur la capacité des élèves à expérimenter, produire et créer, ainsi qu'à mettre en œuvre un projet artistique. Elle inclut également la capacité à exposer l'œuvre, la démarche et la pratique :

Créer un paysage à partir de fragments (photographies, collages, objets, matériaux divers) pour créer une image globale cohérente ;
Proposer une analyse critique de sa production : les élèves doivent exposer leur démarche de création, les choix esthétiques et conceptuels qui ont guidé leur projet, ainsi que les difficultés rencontrées et les solutions trouvées ;
Contribuer au dispositif scénographique.

Les élèves travaillent à partir d'images de paysages brûlés ou désolés - thème central de son œuvre. Sur des supports papier de différents formats, chacun doit extraire un fragment de l'image (recadrage, agrandissement) puis retravailler textures et couleurs avec différents médiums.

L'exercice ne se limite pas à une simple copie : il propose une confrontation concrète entre photographie et matière picturale, entre échelle choisie et lisibilité du détail, invitant à réfléchir au geste, à la surface et à l'interprétation chromatique.

Une visite préalable du site de l'artiste et de son exposition a préparé le travail en atelier, et Tom Nadam a présenté sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de ses compositions, afin que les élèves saisissent le lien entre fragmentation et assemblage.

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

• Comment faire unité à partir du fragment ?
• Comment créer une cohérence plastique au sein d'un ensemble hétérogène ?
• Quelles caractéristiques visuelles permettent de définir le genre du paysage ?

Ainsi, cette séquence permet de lier la pratique plastique à une réflexion critique sur la construction de l'espace et sa représentation contemporaine.

Quelques informations sur l'artiste intervenant

"Diplômé des beaux-arts de Caen en 2018, aujourd'hui, Tom Nadam vit et travaille à Rennes.

Animées par un sentiment de faux calme, ses peintures révèlent des moments de flottement, des environnements bouleversés et des figures en déclin. Cette atmosphère si particulière naît d'un danger tapis dans l'ombre, d'une sensation d'instabilité ou d'une menace passée. Pour favoriser ces jeux de tension, Tom joue du contraste et de l'ambiguïté des motifs qu'il utilise. Il puise son inspiration dans des excursions marquantes. Islande, Etna et Champs Phlégréens plantent le décor de ses meutes imprévisibles. Le chien est la première figure qui alimente une dualité dans son travail. Entre monde des morts et monde du vivant, fidèle compagnon et bâtard errant, dominé comme dominant, il traduit une tension constante. Sans morsure, ni blessure, ni sang, une certaine animosité se dégage pourtant des compositions. Plus récemment, les violents feux de forêts survenus en 2022 ont profondément affecté sa pratique. Tom représente alors une nature grondante, sauvage, révoltée et démesurée. En s'immergeant dans les Monts d'Arrée, à Lussas et dans la plaine des Maures, il récolte les vestiges de ces terres arides qui lui évoquent des formes familières. Ainsi, dans un climat quasi désertique, apparaissent tels des mirages : roches, objets trouvés, crânes, meutes diaphanes ou autres silhouettes étranges. Tom dresse leur portrait, qui, dans un état de fulgurance, semblent aussi précieux que fragiles. À travers les épaisses fumées, ces éléments se dévoilent comme les rescapés de ces drames, incarnant un semblant d'espoir."

Intervention de l'artiste Tom NADAM

À partir d'images de paysages en feu ou désolés après son passage (thème de son travail), et des supports en papier prédécoupés (20 X 20, 40 X 20 et 40 X 40 cm) les élèves devaient reproduire à l'échelle une partie de l'image (recadrage, agrandissement) et surtout retravailler les textures et les couleurs en découvrant la peinture acrylique. Une visite du site de l'artiste et de l'exposition avait été faite en amont. Tom Nadam a aussi expliqué sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de son travail.

La taille des supports permet une installation rapide et facilité des travaux d'élèves dans la galerie pour un accrochage lors du vernissage à suivre (panoramique, mosaïque, pixels ?...). Un temps d'une demie heure a été alloué avant le vernissage de l'artiste dans la galerie pour que les élèves investissent en commun le mur dédié avec leur travail. L'accrochage a donc été fait en classe entière, en autonomie, mais avec la présence de l'artiste et des enseignants pour justifier les divers choix (hauteur, choix des motifs, couleurs, composition, brillance, unité, "trous de respiration"...).

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Entre la première séance et le deuxième, un travail devait être mené à la maison. Les élèves devaient visionner une vidéo de présentation de l'exposition Paysage : Fenêtre sur la nature. Il s'agit d'une exposition ayant eu lieu au Musée du Louvre Lens du 29 mars au 24 juillet 2025. Il s'agissait aussi pour les élèves de prendre une série de notes écrites.

Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens
Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher

Réflexion et analyse collective de l'incitation

Au début de la deuxième séance, les élèves devaient produire un écrit durant 15 minutes autour des termes de l'incitation.

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Fragment : Morceau / Partie
Unité : Homogénéité / Cohérence / Ensemble / Assemblage / Construction
Paysage : Ce que l'on voit / Point(s) de vue / Cadrage(s) / Nature ?
Hétérotopie (lieux autre) : Imaginaire / Cosmos / Univers / Utopie

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

Cécile Malézieux et Florent Cordier

FORMER, TRANSFORMER : exposition de Bina Baitel, Centre MATMUT pour les arts

Mael Judic — 2026-03-06T12:57:24Z

En quoi la matérialité des objets conditionne-t-elle les formes et véhicule-t-elle les intentions artistiques de l'artiste ?

FORMER et TRANSFORMER des objets familiers pour les rendre étonnants

La production de Bina Baitel mêle art, design et architecture. Elle est d'abord diplômée de l'École nationale supérieure d'architecture de Paris La Villette, avant de fonder son studio de design et d'architecture en 2006. La designer joue avec les matières, les volumes et les effets visuels et l'interactivité du spectateur.

« La plupart de mes pièces invitent à de nouvelles expériences, qu'elles se manifestent par le toucher, le mouvement, le regard ou la réflexion. Elles invitent à interagir plutôt qu'à rester dans une simple position d'observation. »

Ainsi la lampe tactile et interactive Fur Light réagit à la caresse d'une main tandis que la lampe Grimm se compose d'une « coulée de miroir ».

A côté des objets design, sont exposés ses sources d'inspirations et ses maquettes ce qui permet d'appréhender l'ensemble de sa démarche. Il est possible de faire le lien entre histoire des arts, arts plastiques et son design à travers trois thématiques

NATURE

Le vocabulaire plastique de Bina Baitel, est lié à la courbe. Elle mêle pleins et creux et effet de matière évoquant la nature (la faune, la flore, le minéral) : tandis que Fur Light est réalisée à partir de vraie fourrure de raton laveur, une autre lampe à partir de peau de raie, certains motifs des tissus rappellent écailles de reptile, minéraux couverts de mousse, peau ou pelage d'animaux... Ainsi, elle nous invite à repenser le lien que nous entretenons avec notre environnement.

MATÉRIALITE / LE VRAI ET LE FAUX

« Je choisis toujours les matériaux en fonction du sujet abordé. »

La matière est au centre de son processus créatif. Les choix auxquels elle procède sont le fruit d'une réflexion.

Fur Light est composé de fourrure qui s'éclaire lorsqu'on le caresse. L'idée vient de son enfance à Jérusalem et des chapeaux de fourrure portés par les rabbins. Elle associe cette matière à la foi des hommes qui la porte symboliser par une lumière.

Pour la Lampe tapis Snug La projection lumineuse est matérialisée par cette flaque en cuir.

Pour ZigZag, elle joue avec les oppositions : celle entre la légèreté de ce zigzag, ce gribouillage, ce geste spontané qui amorce un stylo, et la densité du matériau évoquant les griffonnages.

OBJETS HYBRIDES / DÉTOURNEMENT

« Ma démarche s'exprime dans le détournement, le déplacement ou le décalage, parfois minime, parfois radical, qui fait basculer des éléments familiers vers d'autres lectures. »

Chez Bina Baitel, design, art et architecture se croisent, dialoguent et se mêlent pour faire surgir de nouvelles formes d'expression. De cette hybridation naissent des objets déroutants : des canapés évoquant la douceur des galets (Sela), des chevets qui se liquéfient et se transforment en tapis aux teintes aquatiques. En procédant ainsi, Bina Baitel réenchante le quotidien. Soudain, l'utile ne se limite plus à de simples fonctions, ils se transforment en objet de rêverie.

Confluentia est représentatif de l'échange permanent qu'elle entretient entre les domaines artistiques. Est- ce une création plastique, textile, architecturale, voire du design ? D'un point de vue scientifique, un confluent est le lieu où se rejoignent deux cours d'eau. Ici, deux meubles aux lignes épurées, sont disposés en diagonale. Loin d'être fonctionnels, les caissons tout en courbes, accueillent un tapis qui s'écoule vers le sol. Confluentia a été imaginé dans le cadre de la labellisation de la tapisserie d'Aubusson « Patrimoine culturel immatériel de l'humanité » par l'UNESCO. Les chevets ne font plus qu'un avec le tapis, évoquant ainsi les paysages des tapisseries d'Aubusson. Bina Baitel reprend et détourne les codes d'un savoir-faire. Le flot n'est pas sans évoquer également la célèbre toile d'Ingres, La source de 1856.

INFORMATIONS PRATIQUES

Site de Bina Baitel :https://www.binabaitel.com/fr

Groupes et scolaires
La réservation est gratuite et obligatoire pour les visites, avec ou sans conférencier. Les groupes sont admis tous les jours de la semaine.
https://www.matmutpourlesarts.fr/centre-art-contemporain/visites-ateliers

Lien vers le journal d'exposition.

VIDÉO DU VERNISSAGE DE L'EXPOSITION DE BINA BAITEL

De l'INTERPRETATION du réel à la REPRESENTATION d'un imaginaire

Virginie Michel — 2026-02-01T18:09:27Z

Comment la perception et l'interprétation du réel peuvent-elles enclencher un univers imaginaire ?

Cette séquence a été réalisée par les élèves de Seconde option arts plastiques du lycée Thomas Corneille à Barentin.

" REPRÉSENTER , c'est fondamentalement engager un processus et mettre en œuvre des moyens pour donner à voir, principalement par une image fixe et animée (dessin, peinture, photographie, vidéo, etc .), mais aussi par un volume (sculpture, installation, etc.), des éléments qui relèvent de la réalité ou de la fiction, du monde proche et lointain ou de l'imaginaire. Pour l'enfant et l'adolescent, les activités de représentation avec des moyens plastiques forment, plus ou moins spontanément, des étapes fondatrices de son développement sensible et réflexif, individuel et au sein d'un collectif."

Extrait de Projet de programmes d'arts plastiques et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025


	*"A partir d'un paysage que vous avez vu, introduisez un élément surnaturel qui modifie cet espace en un paysage fantastique"*

Organisation de la séquence

Séance 1 : 3 heures

Présentation du projet
Croquis des premières idées.

Durant cette phase, je suis présente pour suivre l'évolution de leurs ébauches de manière individuelle. Je profite de ce moment pour sonder leurs intentions et comprendre leur démarche.
Les références artistiques choisies en amont sont présentées aux élèves mais en articulation directe avec les observations et échanges issus de la verbalisation.

Séance 2 et 3 : 6 heures en présence de l'artiste.

Présentation de la démarche artistique de l'artiste Zélie DOFFEMONT

A l'issue de cette présentation, chaque élève nous présente son crayonné. C'est l'occasion d'échanger, de permettre des modifications avant l'étape finale. Un point technique avec l'utilisation des stylos micron est réalisé avant la poursuite du travail graphique.

Articulation avec les programmes

• La ressemblance et ses codes : relation au modèle, tirer parti de l'écart avec la réalité
• Le dispositif de représentation
o Enjeux plastiques de la représentation d'une fiction, d'un événement ou d'un lieu réinventé ou-inventé, en fonction d'un imaginaire, d'un parti pris singulier, d'une interprétation personnelle

Quelques informations sur l'artiste intervenante

"Originaire de Picardie, Zélie Doffémont vit et travaille à Rouen depuis 2012.
Imprégnée depuis toujours par la littérature et le cinéma fantastique et gothique, le travail du dessin en noir et blanc fut rapidement une évidence. Aimant surtout créer des ambiances mystérieuses caressants l'étrange, Zélie Doffémont s'attache à exprimer symboliquement le possible déclin de l'humanité, en reformulant sa matière, avec celles présentes dans la nature.
Ainsi, à travers une nuée de petits points à l'encre, elle travaille les formes, joue de la lumière et tente de recréer un tissu vivace, sorte d'évolution, de mutation et/ou de renouvellement de l'espèce.
Chaque dessin pose le décor d'une histoire future, qui reste à dérouler et à s'enrichir de la vision émotionnelle du spectateur.
C'est une invitation pour chacun à se questionner sur l'avenir de l'Homme, une sorte d'utopie graphique."

Références artistiques prévues

• Les Caprices, terme qui signifie « fantaisie », une série de 80 gravures de Francisco de Goya
• Gustave Doré s'impose dans les œuvres en noir et blanc. Il excelle dans l'invention de formes naturelles anthropomorphes et surtout zoomorphes.
• De 1870 à 1895, Odilon Redon crée des dessins aux sujets imaginaires qu'il appelle ses « noirs », car il n'utilisa que la couleur noire (fusain noir et encre noire). Il illustre ainsi de nombreux textes, les siens et ceux d'auteurs qui explorent le fantastique comme Edgar Allan Pœ
• Le surréalisme est un mouvement qui touche tous les domaines artistiques : arts visuels, littérature, musique, cinéma…
Une œuvre surréaliste se compose d'éléments inattendus. Les artistes surréalistes déforment les objets pour créer de nouvelles approches plastiques et iconographiques. Les thèmes sont souvent le rêve, l'imagination, les phénomènes extraordinaires…
• Escher, Relativité, 1953 : L'œuvre représente un monde où les lois normales de la gravité ne s'appliquent pas. Dans ce monde, il y a en fait trois sources de gravité, chacune étant orthogonale aux deux autres.

Les références présentées lors de la deuxième heure permettent de rebondir très rapidement sur leurs premières idées. Pour chaque œuvre présentée, les élèves devaient décrire ce qu'il voyait, ce qu'il pensait de la technique et expliquer en quoi ces œuvres ont un lien avec le fantastique.

Afin d'étayer leurs propos, j'ai apporté quelques précisions en choisissant 3 axes chronologiques :

les œuvres avant le surréalisme,
le surréalisme,
les œuvres plus contemporaines.

Des extraits cinématographiques m'ont permis de les interroger sur les moyens plastiques utilisés pour susciter la peur (ombre et lumière, déformation, son, montage, typographie).

Quelques romans graphiques étaient à disposition des élèves tels que :

Moebius, Azarch
Marc-Antoine Mathieu, Le Début de la Fin.
Schuiten et Peeters, Le retour du capitaine Némo (cités obscures)
Emil Ferris, moi ce que j'aime c'est les monstres

Parmi les pistes exploitées par les élèves, nous retenons les suivantes :

atmosphère surnaturelle avec jeu d'ombres et de lumière,
brume,
mélange jour et nuit,
intrusion fabuleuse,
rendre liquide un élément solide,
trajectoire des reflets…

Cette étape au crayon leur a permis de transcrire sur le papier leur idée et de développer des compétences d'expérimentation et de création.

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Intervention de l'artiste Zélie DOFFEMONT

Dans ce cadre du Pass Culture, Zélie Doffémont est intervenue auprès des élèves pour évoquer son travail sur le fantastique. Chaque élève lui a présenté son projet, justifié sa démarche avant de réaliser l'étape finale.
L'artiste leur a transmis sa technique d'ombre et de lumière. Quelques élèves ont ressenti le besoin de modifier ou d'accentuer certains éléments de leur réalisation.

Quelques aperçus du début de la deuxième phase du travail

L'intervention d'un artiste induit un équilibre entre les objectifs d'apprentissage visés par l'enseignant et l'ouverture à une pratique artistique singulière : comment déterminer le rôle de chacun ?

Inviter un artiste au sein d'une classe d'arts plastiques engage nécessairement un jeu d'équilibre subtil entre deux dynamiques : d'une part, les objectifs d'apprentissage définis par l'enseignant, et d'autre part, l'ouverture à une démarche artistique singulière, incarnée par l'artiste invité. Cet équilibre, loin d'être spontané, se construit en amont, puis se déploie dans la rencontre entre les élèves, l'enseignant et l'artiste.
L'intervention de Zélie Doffémont illustre parfaitement cette complémentarité. Nous avions déjà collaboré au collège, autour d'un travail sur la danse macabre : sa présentation de sa technique avait alors fortement captivé les élèves. Forte de cette expérience, je lui ai proposé une nouvelle intervention, cette fois au lycée. Connaissant son univers plastique, la notion de fantastique m'a semblé un terrain fécond pour articuler sa démarche à des attendus précis du programme.

Avant sa venue, nous avons clarifié nos rôles. Je lui ai présenté le projet et les références artistiques que j'envisageais de montrer ; elle y a ajouté le travail d'Escher, permettant d'ouvrir davantage le champ des possibles. Ensemble, nous avons défini les contraintes plastiques à imposer aux élèves (format A5, papier épais) et elle a demandé la réalisation d'un crayonné préparatoire afin que les élèves anticipent ombres et lumières, condition essentielle pour exploiter ensuite le stylo micron.

Cette préparation partagée illustre ce que Laurence Espinassy nomme " l'incitation comme un outil propre à l'enseignement des arts plastiques" , pensé pour déclencher l'activité des élèves tout en ouvrant la possibilité d'une véritable rencontre avec les œuvres et les démarches artistiques. Dans ce cadre, l'artiste comme l'enseignant occupent chacun une place spécifique : l'ARTISTE apporte une pratique située, une sensibilité, une manière de faire ; l'ENSEIGNANT garantit la cohérence pédagogique, la progression des apprentissages et la diversité des possibles plastiques.
Le jour de l'intervention, la présence à deux voix a permis d'enrichir le dialogue avec les élèves. Chacun présentait sa vision, son approche : Zélie expliquait comment installer une ambiance sombre, notamment par le placement préalable des noirs et les effets de texture. De mon côté, j'accompagnais les élèves sur les questions de profondeur et de perspective. Toutes les deux, nous montrions comment réaliser des dégradés au stylo.

Ainsi, l'équilibre se joue dans un partenariat où les rôles ne s'opposent pas mais se complètent. L'artiste transmet des gestes techniques, une manière d'habiter le médium ; l'enseignant assure le cadre, les liens avec les attendus institutionnels, l'élargissement culturel. Ensemble, ils créent un milieu propice à l'expérience plastique — personnelle et collective — où la découverte singulière nourrit les apprentissages, et où les apprentissages permettent de mieux accueillir la singularité.

>> ESPINASSY Laurence, La rencontre avec l'œuvre - Enseigner les arts plastiques au collège, 2009

EXPOSER la pratique, la démarche, le sensible

EXPOSER sa PRATIQUE suppose d'expliquer sa démarche, d'écouter et d'accepter l'avis de ses pairs, mais aussi d'apprendre à regarder la production des autres. Ces contributions sont essentielles à l'éducation de la sensibilité des élèves. Sur ces différents plans, la pratique régulière de l'exposition représente une situation pédagogique particulièrement fructueuse. Inscrite das une dynamique de projet, elle permet d'installer collectivement les élèves dans une expérience complète de création, de l'idée première jusqu'à la monstration de la réalisation aboutie puis sa réception. prenant en compte les modalités perceptives de la production plastique, dans un contexte spécifique, l'exposition propose une expérience commune et socialisée au public, reliant différentes personnes et sensibilités autour du partage de cette expérience sensible."

Extrait de Projet de programmes et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025

Le travail final a été exposé dans le cadre de la Nuit de la Lecture et des Arts, vendredi 30 janvier 2026 de 19h à 22h au lycée.

Les élèves ont réfléchi à la mise en espace des productions dans la salle. La question de l'éclairage est essentielle pour s'adapter aux productions graphiques.

Ils ont été également médiateurs dans les différentes salles d'expositions pour accueillir un public nombreux.

Autrice : Alexandra PLANQUAIS

REPRESENTER la mémoire : entre superposition et effacement partiel

Virginie Michel — 2025-11-29T12:48:14Z

Comment la représentation plastique de la mémoire peut-elle traduire à la fois la fragilité des traces et la puissance de la reconstruction ?


	RENCONTRE avec l'artiste et son œuvre Les élèves de l'atelier arts plastiques du collège Les Hauts du Saffimbec (PAVILLY) ont rencontré l'artiste Reem Yassouf. Elle a expliqué son parcours entre la Syrie et la France. Sa présence, organisée via le dispositif De Visu, a été l'occasion de prendre le temps de découvrir sa démarche artistique et plus spécifiquement sur sa série “Traverser” réalisée sur le thème de la Mémoire. Les œuvres sont élaborées à partir de couches espacées, de différentes textures et techniques, transparentes ou opaques, sur une base de grillage métallique et de papier transparent. Le tout est disposé sur des toiles blanches. Selon le choix de l'angle de vue choisi, les images vont apparaître et disparaître, s'inscrivant dans la mémoire de chacun. Nos histoires sont formées de petits moments qui viennent du passé et réinvestissent notre présent. La découverte du travail de Reem Yassouf permet, au-delà des gestes plastiques, d'interroger les élèves sur le mécanisme de conservation des souvenirs dans notre mémoire. >> La mémoire, faite de strates et d'effacements, peut-elle être figurée plastiquement comme un palimpseste où l'oubli devient matière ? >> Comment le geste plastique et la matière peuvent-ils donner corps à une mémoire qui se construit autant qu'elle se déforme ? >> La représentation plastique de la mémoire peut-elle rendre sensible le passage du temps et la métamorphose des souvenirs ?

Évoquer les souvenirs qui sont associés au temps et aux lieux, sollicite la mémoire et l'imagination. Il s'agit de créer une liaison entre les images laissées dans la mémoire et modifiées avec le changement de temps et de de lieu, par le biais d'une représentation artistique.

Cette rencontre rend possible la découverte d'artistes tels que :

Anselm KIEFER

>> Chez lui, la mémoire n'est pas figée : elle est matière vivante, travaillée comme le plomb, le verre ou la terre.

S'EXPRIMER
Les élèves se sont exprimés tour à tour sur ce qu'ils ressentaient face à l'œuvre de Reem Yassouf

Cette expérience, en présence de l'artiste, permet un dialogue filé entre le ressenti du spectateur et la réalité du geste plastique de l'auteur. Reem Yassouf a demandé aux élèves de réfléchir et présenter une mise en espace de sa série. Elle leur a même proposé, à titre exceptionnel, de toucher les matières présentes dans sa production.

EXPOSER

Les élèves ont saisi la difficulté de la demande car, présenter une série, nécessite une prise en compte des conditions de réception articulée à l'espace d'exposition. Si cela est le cas pour toutes les œuvres, les enjeux de composition des différentes unités de la série accentuent la difficulté pour que l'œuvre "fonctionne" dans le lieu.
L'artiste a proposé une disposition au sol que les élèves ont modifié en prenant en compte les avis de chacun. Les élèves ont gardé les traces de cette première rencontre. Ils auront ainsi la possibilité de la présenter à l'oral pour le DNB.

Pour aller plus loin : André SCHERB, Les interactions verbales et non verbales lors de la rencontre avec une œuvre

EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Les élèves ont travaillé sur la notion d'autobiographie mais également celles de mémoire et de souvenir.

L'atelier, en présence de l'artiste, a été l'occasion d'expérimenter la représentation sur des supports peu habituels pour les élèves.

>> Comment représenter son autoportrait au pastel à l'huile et feutre sur de la moustiquaire ? Quels impacts sur la perception ?
>> Comment l'image peut-elle se construire sur une trame faite, naturellement, de vide et de plein ?
>> Comment l'image peut-elle se reconstituer dans l'œil du spectateur malgré les vides et la souplesse de la matière ?
>> En quoi ce choix de matière induit, d'emblée, un rapport à la mémoire faite d'effacement et de déformation ?

Le choix de la matière-support et de la technique nécessite une adaptation des gestes : empâtement, superposition, répétition ....
Si l'image produite est liée au présent des élèves, les effets de matière brouillent la perception de leur autoportrait.

Dans un second temps, la réalisation d'une seconde image associée à un souvenir lointain a été produite sur un miroir. Le choix du noir et blanc participe à l'idée du passé.

Dans la demande, il était attendu une réserve pour permettre de refléter le visage du spectateur qui, s'associerait au souvenir de son auteur.

C'est dans l'association des deux images que s'inscrit la notion de mémoire composée d'une succession de souvenirs plus ou moins éloignés, plus ou moins précis, de bribes.

Chaque élève a présenté son travail à l'ensemble du groupe en revenant sur le souvenir choisi et son lien avec l'autoportrait.

Cette réalisation est en lien avec la thématique transdisciplinaire : Autoportrait / Autobiographie étudiée en arts plastiques et en français.

DONNER à voir des projets artistiques - ORGANISER un vernissage

Le soir, un vernissage a été organisé pour présenter le travail mené et valoriser l'implication de chacun. Toutes les classes de établissement visiteront cette exposition qui articule le travail de l'artiste et l'écho réalisé par les élèves dans le cadre de l'atelier.


		Les élèves du club média de l'établissement ont filmé les étapes de ce projet et réalisé un interview qui sera monté et diffusé sur le journal du collège

Auteur : Alexandra PLANQUAIS

Paper Mapping

Mael Judic — 2024-02-03T09:18:12Z

Intitulé : Paper Mapping
Niveau : 3ème
Entrée du programme :
1 - Représentation, images, réalité et fiction
2 - La matérialité de l'œuvre ; l'objet et l'œuvre

Mots clés : ESPACE – IMAGE
Interaction / décalage / complémentarité / matérialité / plans / immatérialité / ombre et lumière / superposition

Objectifs visés :
Comprendre les interactions possibles entre les images matérielles et immatérielles / Prendre en compte les contraintes liées à la projection / Lier différents types d'images / Initiation au mapping

Déroulement :
Sur une table, une visionneuse de diapositive, des diapositives, du rhodoïd et des feutres.
Pour introduire le travail, la machine est allumée.
La demande est ensuite proposée aux élèves.

Demande : Créer une production qui associe une projection et un support en volume.

Même si cette proposition n'utilise pas du matériel numérique hormis l'appareil photo pour la trace, elle permet une approche du mapping en travaillant sur le support, l'échelle, la lumière et la composition. Les élèves sont obligés de tester régulièrement l'association entre leur image et le fond à l'aide de la machine.

Opposition, matérialité, mise en scène, narration sont autant d'approche possible pour cette proposition.

La verbalisation est introduite par le visionnage des productions.

Références :

Adrien M & Claire B, Pixel, 2014, chorégraphie

Réalisations d'élèves

FLUX - REFLUX

Mael Judic — 2023-06-26T13:27:02Z

FLUX-REFLUX est un film de Land Art réalisé par des élèves de 4ème du collège Les Acacias du Havre dans le cadre d'un CRED 76 « Filmer autrement » avec le vidéaste Laurent Mathieu et Mme Minvielle-Moncla, professeure d'arts plastiques.

Il s'agit d'une restitution par la vidéo d'oeuvres éphémères réalisées sur les rivages de la plage du Havre. Ce film explore les relations entre paysage naturel et paysage cinématographique et l'émotion liée à l'éphémère, l'évocation du temps de création et du temps de la nature.

Pensée en acteS : Note d'intention, l'oeuvre, le musée

Mael Judic — 2023-06-08T16:28:12Z

Retrouvez ici un document qui s'inscrit dans le cadre de la série Pensée en acteS.

ARTICLE 04 [ NIV 1-4 ] SKETCHFAB : une application ou une plateforme en ligne qui propose un hébergement d'objets 3D pour les faire apparaître en réalité augmentée ou en VR

Jean Noel — 2023-03-10T15:16:02Z

Pourquoi lirais-je cet article ? Quelles sont les usages pédagogiques proposés ?

[ NIV 1 ] En arts plastiques, avec le casque META QUEST 2, il est fort probable que des utilisateurs cherchent à savoir comment voir une sculpture du musée du Louvre en RV. Par la même occasion, nous verrons qu'il est possible de transposer cette sculpture dans un espace réel pour qu'elle soit interactive et en réalité augmentée. Avec l'une ou l'autre méthode : votre salle de classe deviendra un lieu d'exposition temporaire pour découvrir des œuvres internationales de manière interactive et en réalité augmentée (soit sur tablette ou soit dans votre casque pour voir l'objet 3D en 3D). Ces deux options permettent au spectateur de s'impliquer physiquement dans la découverte puisqu'il tourne réellement autour de l'œuvre choisie. Rappelons également que l'œuvre est - la plupart du temps - à l'échelle. Une numérisation officielle de musée hébergée par SKETCHFAB permet à l'élève d'avoir une expérience personnelle ou collective privilégiée.
Finalement, lorsque l'œuvre originale est réelle et matérielle, je pense que la copie de cette oeuvre en 3D (numérisée professionnellement) et visible via SKETCHFAB s'apparente à un fac similé numérique...

[ NIV 2 ] Quant aux créateurs qui chercheront plutôt à réaliser un dessin VR grâce à MULTIBRUSH ou OPENBRUSH, nous verrons quelles sont les conditions optimales pour l'exporter vers SKETCHFAB.

Sinon, pour ceux ou celles qui envisageraient plutôt de numériser un objet 3D réel : nous vous invitons à lire l'article 05 [ NIV 3-4 ] qui concerne spécifiquement la scanérisation en 3D.

Pour toute question éventuelle, nous vous informons que cet article 04 fut rédigé par :

pierrick.brissier@ac-normandie.fr [Enseignant dans un établissement scolaire classé REP dans l'ORNE / Formateur / Webmestre / membre du pôle de compétence numérique académique de Normandie]
jean.noel@ac-normandie.fr [Enseignant dans deux établissements scolaires dans le CALVADOS / RRUPN / Intervenant technique durant les formations numériques en lien avec la VR / Webmestre]

A / SKETCHFAB : c'est quoi ?

C'est à la fois une plateforme en ligne et à la fois une application qui permettent de regrouper et de regarder des objets 3D en temps réel et de manière interactive. Pour simplifier : c'est une galerie d'objets 3D (accompagnée de services annexes).

[ Quelle est la différence entre un site web et une plateforme digitale ? Contrairement aux sites web, les plateformes digitales ont un rôle de services, d'animation et de mise en avant des différents contenus ou produits qu'elles ne créent pas. Une plateforme digitale est donc considérée comme une démarche participative associée à des services (gratuits ou payants). ]

Tout le monde peut s'inscrire sur SKETCHFAB et y déposer des objets 3D.

Ces objets proviennent d'amateurs, d'artistes, de professionnels... ce qui explique la grande diversité des publications. Les qualités sont donc inégales.

Ces objets ont été créés avec un logiciel 3D ou bien scannés en 3D à partir d'un objet réel.

En se connectant à son compte, on peut importer des productions. On fait alors le choix de les publier (= rendre public). Ou bien on fait le choix de les conserver dans son espace personnel (= garder privé). Sur son compte, on pourra aussi créer des collections d'objets glanés ci et là au fil de ses découvertes.

Les objets 3D sont généralement tagués pour les retrouver. Les tags sont généralement en anglais, il faut y penser... On peut également effectuer une recherche à partir de leur propriétaire ou créateur.

Les objets sont interactifs, en réalité augmentée ou en VR.

Il est possible d'intégrer ces objets dans une page web (ou ENT Etablissement) grâce au code EMBED qui l'accompagne.

On peut importer un objet publié sur SKETCHFAB dans une galerie d'art créée avec SPOKE et Prise en compte par MOZILLA HUBS. [Mais ça, c'est nettement plus compliqué alors un autre article abordera cela plus tard...]
TEST de PIERRICK > "SKETCHFAB c'est un peu comme un "YouTube" d'objets 3D. Ces objets proviennent parfois de l'imagination de leur créateur mais il y a aussi des musées qui numérisent leurs œuvres ! Entre les amateurs, les artistes et les professionnels, vous tenterez de faire le tri par vous-même car tous ces objets 3D ne sont pas de qualités équivalentes. (Personnellement, j'aime bien découvrir des objets antiques ou des sites archéologiques). Après votre inscription à SKETCHFAB, vous aurez la possibilité de générer des collections d'objets ou d'espaces 3D glanés ci et là ; c'est un avantage certain pour revoir par exemple des sculptures du Louvre, ou des objets musées provenant du monde entier ou bien encore des numérisations 3D provenant de fouilles archéologiques récentes."
TEST de JEAN > "SKETCHFAB c'est la trousse à outils indispensable quand on travaille avec de la 3D numérique. Il permet le stockage et le partage de vos productions. Mais il permet aussi de faire le pont entre une application et une autre. Par exemple faire un scan 3D pour ensuite l'intégrer dans une galerie virtuelle. Il faut certes vérifier que les services que vous utilisez prennent en charge l'import ou l'export SketchFab. Et si ce n'est pas le cas, vous pouvez toujours télécharger vos modèles 3D sur un PC dans leur format originel, ou en GLB, glTF, ou USDZ (pour faire de la réalité augmentée sur les appareils Apple) pour l'injecter dans une autre application compatible par la suite. Mais c'est aussi une galerie géante d'artistes numériques dans laquelle vous pourrez découvrir des façons innovantes de travailler ou retravailler des œuvres existantes en 3D."

B / [ NIV 1 ] À partir de SKETCHFAB, pourquoi et comment rechercher des œuvres d'arts officielles provenant d'un ou de plusieurs musées ?

Rappelons-le encore une fois : rien ne remplacera jamais notre perception réelle face à une œuvre originale. Sa reproduction, aussi fidèle soit-elle, comportera toujours des écarts... mais, à défaut d'autre chose, on peut déjà (peut-être ?) s'en contenter... En prenant l'exemple d'une sculpture : entre sa reproduction sur un timbre poste, une photocopie en noir & blanc, un poster, une capture vidéo, ou encore une numérisation complète pour la voir en VR à l'échelle 1... toutes les reproductions ne se valent pas !

Il faut reconnaître que SKETCHFAB offre de belles opportunités pour découvrir des œuvres à 360° sans se déplacer physiquement jusqu'au lieu d'exposition. Lorsque l'œuvre est parfaitement numérisée, l'interactivité vous permet de zoomer pour observer le détail ciblé avec efficacité et qualité.

https://sketchfab.com/francecollections/collections

C / [ NIV 1 ] Pourquoi et comment ajouter une modélisation 3D à l'une de vos collections SKETCHFAB ?

Lorsque vous avez créé un compte sur SKETCHFAB, vous avez la possibilité de créer des collections et d'y ajouter librement les modèles que vous regarderez. Une collection c'est comme une bibliothèque de favoris.

Plutôt que d'utiliser sans cesse le moteur de recherche, gérez vos collections en les nommant correctement puis vous constaterez que c'est vraiment plus pratique pour retrouver l'un de vos modèles préférés (même si ce n'est pas exactement les ''vôtres" :)

A chaque nouvel ajout, vous aurez le choix : l'insérer dans une collection déjà existante, ou bien créer une nouvelle collection pour le placer dans cette dernière.

D / [ NIV 2 ] Pourquoi et comment faire apparaître une modélisation 3D (issue de SKETCHFAB) dans notre casque VR ?

Que ce modèle 3D soit créé à partir d'un logiciel (avec BLENDER par exemple), numérisé après avoir été scanné en 3D (avec SCANIVERSE par exemple), ou bien encore dessiné (avec OPENBRUSH par exemple) ; à partir du moment où il se retrouve importé puis publié dans SKETCHFAB, vous pourrez le regarder en VR (VIRTUAL REALITY = RV en français).

Regarder un modèle 3D dans le casque c'est profiter d'une vision binoculaire et tridimensionnelle. Autrement dit : la restitution visuelle de ce modèle sera plus efficace directement dans le casque que sur une tablette.

En utilisant le Meta Quest2 (casque oculus de RV - Réalité Virtuelle), vous lancerez tout d'abord l'application BROWSER (l'application servant de navigateur web dans le casque) puis taperez le nom du site web SKETCHFAB au sein duquel vous effectuerez une recherche précise concernant le modèle 3D voulu. (Par exemple, dans notre tutoriel vidéo, il s'agit de : Tran PHOUMMASAK). Lorsqu'il sera chargé, pour prêterez attention à la partie inférieure droite dans laquelle vous cliquerez sur > VIEW IN VR <

Voici le tutoriel vidéo :

E / [ NIV 1 ] Pourquoi et comment faire apparaître un modèle 3D (provenant de SKETCHFAB) en réalité augmentée ?

Faire apparaître un modèle 3D personnel dans un couloir, sur un support ou dans un lieu spécifiquement choisi peut s'avérer intéressant en arts plastiques. On peut interagir avec l'œuvre. On peut questionner la notion d'échelle. On peut penser et créer une œuvre in situ pour projeter son installation future et sans détériorer le lieu. Mais en RA, on peut également questionner la notion d'hybridation (Réalité numérique et réalité physique).

La réalité augmentée permet au spectateur de voir le modèle 3D à 360°, en tournant physiquement autour.

Rappelez-vous cette œuvre interactive intitulée : Le veau d'or de Jeffrey SHAW.
Avec son smartphone, il est dorénavant possible d'obtenir ce résultat en utilisant l'application SKETCHFAB. Avec deux doigts posés sur l'écran, le modèle qui apparaît en réalité augmentée (dans le lieu choisi) peut être redimensionné ou pivoté afin de le faire coïncider avec une zone réelle spécifique.

Cette vidéo vous montrera comment faire avec une œuvre d'art numérisée qui provient du musée du Louvre, par exemple. (En nous approchant quelque peu vers les détails de la surface : vous remarquerez que la matérialité est fidèlement reproduite lorsque les scans 3D sont réalisés par des professionnels).

F / [ NIV 2 ] Quel est l'intérêt de créer un dessin volumétrique à partir d'OPENBRUSH puis de l'exporter vers SKETCHFAB ? Si cette question vous intéresse, voici tout d'abord la réponse... Ensuite, voyons comment y parvenir...

Lorsque vous utiliserez OPENBRUSH (ou MULTIBRUSH) au sein même de cette application, vous aurez la possibilité d'exporter votre dessin volumétrique directement vers votre compte SKETCHFAB. En y réfléchissant, on pourrait croire que c'est inutile car la sauvegarde ayant été faite dans OPENBRUSH, il suffirait de charger le dessin à la prochaine utilisation du casque pour le faire apparaître en 3D. Alors pourquoi passer par SKETCHFAB ?

Tout simplement pour permettre à tous les spectateurs qui ne disposeraient pas d'un casque VR, de pouvoir quand même profiter interactivement du volume à 360° soit sur l'écran d'un ordinateur, d'une tablette ou d'un smartphone.

En aparté, nous pouvons également rappeler que chaque dessin volumétrique réalisé avec un casque : est sauvegardé dans la mémoire interne de ce même casque. Autrement dit, pour profiter de ce dessin, il faut nécessairement utiliser le casque sur lequel il a été réalisé, ou alors effectuer une manipulation relativement complexe pour passer les casques en mode DÉVELOPPEUR. Ceci fait, vous aurez l'autorisation de les brancher sur un ordinateur avec un câble USB/USBC, et vous pourrez accéder à leur mémoire interne (comme une clé usb) afin d'échanger, de copier / coller les fichiers OPENBRUSH, d'un casque à l'autre.

SKETCHFAB ne permet pas de visualiser tous les effets produits par les BRUSHES d'OPENBRUSH (ou de MULTIBRUSH). Autrement dit, il y a des outils compatibles alors que d'autres ne le sont pas.

Par exemple : le résultat provenant d'un outil dynamique utilisé dans OPENBRUSH ne sera pas affiché dans SKETCHFAB. Les brosses, pinceaux, ou outils qui permettent d'obtenir des effets de fumée ou de transparence ne seront pas pris en compte non plus (cela produira des masses opaques dans SKETCHFAB).

Alors, pour vous y retrouver, nous avons barré tous les outils incompatibles.

Pierrick :
"Pour cette création réalisée avec MULTIBRUSH, je n'ai utilisé qu'un seul outil : le diamant mat (MATT HULL). Mon intention était de penser l'ensemble comme un empilement de blocs qui auraient été ajustés au mieux. Il y a volontairement des aberrations comme si la maladresse technique dans l'assemblage de ces volumes apportait davantage de crédibilité : quelques étais ou contreforts viennent s'appuyer verticalement ou à l'oblique contre d'autres blocs qui - sans cela - chuteraient probablement (dans la réalité). Bref : j'avais l'idée d'un cairn anthropomorphe."
Ma vidéo (hébergée sur Viméo par Jean Noël car sur POD ça pixelise de trop !) vous montrera l'évolution de ma création. ( En aparté : quand vous prenez la main sur un travail d'élève qui a utilisé OPENBRUSH ou MULTIBRUSH, et que vous regardez le "produit fini", vous constatez un résultat. Mais lorsque vous avez la possibilité d'observer ce qui fut fait par un récapitulatif des étapes au moment de charger la sauvegarde : vous assistez alors au processus de création ! Cela me rappelle bien évidemment le film de Henri-Georges CLOUZOT dans le documentaire intitulé le Mystère Picasso, 1955). De cette manière vous me verrez reprendre un espace évidé afin de le combler. J'ai ensuite décidé d'effectuer une sauvegarde complémentaire sans écraser la précédente, au cas où...
Bien sur, j'aurais pu réaliser ce cairn avec OPENBRUSH mais comme je souhaitais pouvoir partager cette création avec un collègue qui possède également un casque VR, il me suffira juste de créer une ROOM dans MULTIBRUSH pour l'inviter. On sera alors ensemble dans le même espace et au même moment pour en parler, en face, à l'échelle 1. Je rappelle qu'héberger et publier cette création sur SKETCHFAB n'a d'intérêt majeur que pour en faire profiter tous ceux qui n'ont pas de casque, par un visionnage sur smartphone, tablette ou écran d'ordinateur... comme dans ce cas de figure.

Voici le processus de création :

Dans la vidéo suivante :

"J'effectuerai le chargement de ma précédente sauvegarde. Si vous êtes particulièrement attentifs, (vous remarquerez peut-être que) le trou est bien comblé ! On n'est pas obligé de voir toutes les étapes de chargement car MULTIBRUSH vous propose de charger la totalité d'un coup : c'est un gain de temps. "

On verra surtout comment UPLOADER (= transférer) sa création vers SKETCHFAB.

Si vous rencontrez des problèmes pour SIGN IN (=se connecter) à SKETCHFAB via le nuage d'OPENBRUSH ou de MULTIBRUSH : il sera nécessaire de réaliser la dernière mise à jour du casque V49 puis d'accepter l'association d'Openbrush (ou de Multibrush) avec Sketchfab en cliquant sur ADD (= ajouter).

Après avoir UPLOADÉ (= Importé) sa création dans SKETCHFAB :

"Il est nécessaire d'effectuer des réglages en modifiant quelques paramètres. Il s'agit essentiellement des jeux de lumières car l'environnement et l'objet 3D sont initialement trop sombres. C'est un passage obligatoire pour profiter au mieux de ce qu'il y a à voir. "

En cliquant sur > EDIT 3D SETTINGS < voyons comment augmenter les niveaux de luminosité :

Après avoir augmenté la luminosité dans SKETCHFAB :

"Il est nécessaire de renseigner toutes les informations qui accompagneront votre création en ajoutant : un titre / une description / une catégorie (art) / des tags (pensez à ajouter des mots en anglais) / en acceptant de la rendre publique (pour profiter de la gratuité des services). / Finalisez le tout en sauvegardant. "

En cliquant sur > EDIT PROPERTIES < voyons comment éditer les propriétés de notre fichier :

Il ne reste plus qu'à publier (publiquement) votre création en cliquant sur > PUBLISH.

Voici le résultat final interactif :

Cela signifie qu'il est maintenant possible d'agrandir la fenêtre pour accroître le champ de vision restreint ici à 640x480px, puis, tactilement ou avec la souris, pivotez, zoomez, déplacez... le modèle 3D.

CAIRN / INUNNGUAQ (Inuksuk) by Brissier.P on Sketchfab

G / [ NIV 3-4 ] Les lecteurs qui se demandent à présent comment j'ai procédé pour obtenir de tels effets (brillances / reflets / impressions de sous bois verdâtres), sachez que c'est en modifiant un bon nombre de paramètres complémentaires dans > EDIT 3D SETTINGS

Lorsque vous utiliserez SKETCHFAB, les paramètres avancés de cette plateforme en ligne vous permettront non seulement d'éditer, de publier votre modèle 3D mais également de profiter de réglages qui optimiseront considérablement les qualités visuelles de votre création.

Grâce aux 3 tutoriels de Jean, vous aurez une vue d'ensemble et une meilleure compréhension de ces possibilités...

1/3 > Parcourons les paramètres généraux de l'éditeur de SKETCHFAB :
2/3 > Comprenons les filtres de POST-PROCESSING de l'éditeur de SKETCHFAB :
3/3 > Préparons notre modèle 3D pour un visionnage optimisé en AR ou en VR :

ARTICLE 05 [ NIV 1-2-3 ] SCANNER un corps ou un objet réel en 3D à 360° pour visualiser le résultat en Réalité Augmentée ou en Réalité Virtuelle

Jean Noel — 2023-01-08T18:24:53Z

Pourquoi lirais-je cet article ? Quelles sont les usages pédagogiques proposés ?

[ NIV 1-2-3 ] En arts plastiques, avec le casque META QUEST 2, les créateurs ou les utilisateurs qui chercheront à savoir comment importer un objet 3D réel dans le casque auront ici une réponse. Cet article vous proposera de le visualiser seul ou de l'inclure dans un environnement spécifique (in situ ou non). Par la même occasion, nous verrons qu'il sera possible de transposer cette numérisation dans un espace réel en réalité augmentée. Avec tous ces usages possibles, la notion d'hybridation est mise en exergue. Pédagogiquement, avec leur enseignant, les élèves qui expérimentent (en situation de projet) dès la troisième ou en lycée, pourront être amenés à questionner ces relations. Très concrètement, on peut aussi envisager une monstration (interactive ou non) de travaux d'élèves en volume pour les restituer en dehors de la classe et de l'établissement (y compris pour l'oral du BAC).

[ NIV 2 ] Ce qui suit n'est pas abordé dans cet article mais après vos premières tentatives de numérisation et quelques erreurs plus tard, vous comprendrez par vous-même qu'une autre piste pédagogique pourrait vous amener à "détourner" l'usage du scanner 3D pour vous écarter de l'hyperréalisme attendu. Autrement dit : vous pourriez scanner un environnement, une personne ou un objet en visant intentionnellement l'écart, pour l'envisager non pas comme une erreur technique mais comme une expression, une sensibilité ou comme une pratique artistique particulière où le hasard et le BUG auraient leur place. En y réfléchissant, cet outil ne permettrait-il pas de revisiter le cubisme à l'ère du numérique ?

NB > Si vous voulez inclure cette création dans une galerie d'art virtuelle, c'est possible, mais comme cela nécessite des compétences techniques importantes et des manipulations numériques complexes [ NIV 4 ], nous traiterons cela dans un article dédié, ultérieurement. ]

Pour toute question éventuelle, nous vous informons qu'il est rédigé par :

pierrick.brissier@ac-normandie.fr [Enseignant dans un établissement scolaire classé REP dans l'ORNE / Interlocuteur Académique de Caen pour le Numérique de 2002 à 2022 / Formateur / Webmestre / et dorénavant membre du pôle de compétence numérique académique de Normandie]
jean.noel@ac-normandie.fr [Enseignant dans deux établissements scolaires dans le CALVADOS / RRUPN / Intervenant technique durant les formations numériques spécifiquement dédiées à la RV / Webmestre]

A / SCANIVERSE (pour iOS) c'est quoi ?

C'est une application qui permet de numériser bon nombre d'objets, de personnes, d'environnements réels. Autrement dit : c'est un SCANNER 3D !

Matériel compatible avec cette application exclusive à APPLE (iOS)
Précision : nul besoin d'avoir un LIDAR embarqué !!!
iPhones depuis 2018 ou plus récents :
iPhone 14 / 14 Plus / 14 Pro / 14 Pro Max
iPhone 13 / 13 Mini / 13 Pro / 13 Pro Max
iPhone 12 / 12 Mini / 12 Pro / 12 Pro Max
iPhone 11 / 11 Pro / 11 Pro Max
iPhone XR / XS / XS Max
iPhone SE (2è et 3è génération)
Tous les iPads avec un processeur A12 ou plus récents :
iPad (8è génération ou plus récente)
iPad Air (4è génération ou plus récente)
iPad Mini (5è génération ou plus récente)
iPad Pro 12.9" (3è génération ou plus récente)
iPad Pro 11" (Toutes générations)

TEST de PIERRICK > "SCANIVERSE est une application incroyable qui permet de numériser efficacement un objet ou un corps existant afin de le faire réapparaître dans le réel en réalité augmentée (avec un export USDZ) ou dans le casque au sein d'un espace virtuel (via > SKETCHFAB) ! Et si vous souhaitez créer une galerie d'art ou un environnement particulier avec BLENDER / SPOKE ou UNITY, l'export de fichier 3D (en OBJ ou GLB par exemple) s'avèrera un atout supplémentaire pour réinjecter cette modélisation dedans. L'application vous permettra également d'exporter le résultat sous la forme d'une vidéo avec de très nombreuses options de rotations. SCANIVERSE est une application que l'on installe dans son smartphone ou sa tablette mais elle est exclusive à APPLE. Il existe au moins une autre application alternative disponible pour ANDROID que nous aborderons également tout en bas de cette page."
TEST de JEAN > "SCANIVERSE fait partie de ces nombreuses apps sur iOS permettant de scanner en 3D grâce à la photogrammétrie. Au delà du fait d'être gratuite, elle présente l'avantage de tout faire en local. Dautres applications comme TRNIO, fonctionnent de la même façon, mais vont envoyer toutes les donnés dans des serveurs distants qui les traiteront pour réaliser le modèle 3D. SCANIVERSE, lui, fait tout sur votre tablette ou smartphone. Là où TRNIO peut prendre 15 minutes pour vous donner un résultat après la phase de scan, SCANIVERSE, lui, vous donnera un résultat en 3 ou 4 minutes pour les plus longs. Il permet également d'éditer votre modèle 3D en le recadrant et le redressant. Cerise sur le gâteau, SCANIVERSE propose de multiples formats d'exportation, là encore, gratuitement, tandis que les autres apps proposent souvent ce genre de choses dans leur partie payante. L'app est précise, voire très précise ; ce qui vous demandera un petit entrainement afin d'effectuer des scans d'une grande qualité. La technologie photogrammétrique ne permet pas de scanner les matériaux transparents ou translucides correctement, les surfaces unies et/ou brillantes sont également mal captées. Plus votre sujet est texturé et mat, plus votre scan sera efficace. Les petits objets seront également une difficulté. Un objet de 10 cm minimum vous assurera un résultat avec un minimum de qualité. C'est la seule app que j'utilise maintenant pour scanner des travaux d'élèves, des figurines, ou même des lieux ! Son seul vrai défaut est que cette app n'est disponible que sur les machines iOS."

B / [ NIV 3 ] Pourquoi et comment utiliser SCANIVERSE ?

Grâce à cette application, nous avons la possibilité de numériser des objets de petites ou de grandes dimensions, des personnes existantes, ou bien encore des environnements réels plus conséquents tels que des parois, des bâtiments, une rue... Ici, nous avons fait le choix de numériser notre collègue d'arts plastiques présente à la formation.
Voyons comment y parvenir :

Et maintenant, voici le résultat issu de cette NUMÉRISATION 3D :

C / [ NIV 3 ] Observons le résultat obtenu une fois UPLOADÉ (= transféré) vers SKETCHFAB :

Ce processus (d'upload = transfert) fut expliqué dans l'article spécifiquement dédié à SKETCHFAB.

NB : Lorsque le fichier issu de SCANIVERSE est exporté vers SKETCHFAB, il subit une compression c'est à dire une diminution des polygones qui constituent le volume numérisé. Par voie de conséquence, la résolution ou la qualité finale du volume visible est quelque peu amoindrie. Mais en zoomant, on s'aperçoit que cela demeure toutefois vraiment très satisfaisant. Le plus important étant d'avoir une excellente gestuelle qui enveloppera le volume à numériser. Plus la numérisation 3D sera propre et réussie avec SCANIVERSE, plus le résultat sur SKETCHFAB sera optimal.

Scaniverse - 3D Tran Phoummasak by Heefergant61 on Sketchfab

Pierrick BRISSIER by Brissier.P on Sketchfab

En cliquant sur l'affichage du "model inspector"dans la partie inférieure droite de SKETCHFAB, on pourra observer les polygones.

Sachez qu'il est possible de modifier la texture de l'objet numérisé pour lui donner une apparence semblable à de l'aluminium.

D / [ NIV 3 ] voici les TUTORIELS OFFICIELS du développeur de SCANIVERSE

https://scaniverse.com

E / [ NIV 2 ] POURQUOI et COMMENT REGARDER en RV (une numérisation SCANIVERSE exportée dans SKETCHFAB) ?

Pour retrouver la tridimensionnalité d'un objet numérisé lorsqu'il est inséré dans le réel en réalité augmentée, le spectateur tournera autour. Mais l'écran de visionnage (smartphone ou tablette) est en 2D. Utiliser un casque de Réalité Virtuelle vous permettra donc de voir l'objet 3D en 3D !

Après avoir numérisé le corps de Tran PHOUMMASAK avec SCANIVERSE, le modèle 3D fut exporté dans SKETCHFAB. En utilisant le Meta Quest2 (casque oculus de RV - Réalité Virtuelle), il est à présent possible de chercher et de retrouver le fichier 3D avec BROWSER (l'application servant de navigateur web dans le casque) sur le site internet de SKETCHFAB. Attendre le chargement complet du fichier au sein de la page puis cliquer précisément sur l'icône des lunettes en bas à droite

> View in VR <

Le spectateur verra en 3D le modèle 3D préalablement numérisé.

Le spectateur a la possibilité de se déplacer dans cet espace virtuel, tout autour du modèle.

Le spectateur a la possibilité de modifier l'échelle du modèle (augmenter/réduire).

Le spectateur a la possibilité de transporter ce fichier SKETCHFAB dans un autre espace interactif et communautaire. Par exemple en lien ici : HUBS MOZILLA. Espace dans lequel il sera possible de faire apparaître par exemple une galerie d'art préalablement créée par vos soins avec ce logiciel en ligne disponible avec ce lien : SPOKE ( Un article [ NIV 4 ] abordera ce sujet ultérieurement ).

F / [ NIV 1 ] POURQUOI et COMMENT REGARDER en RA (une numérisation SCANIVERSE exportée dans SKETCHFAB) ?

PÉDAGOGIQUEMENT : faire apparaître un modèle 3D personnel dans un couloir, sur un support ou dans un lieu spécifiquement choisi peut s'avérer intéressant en arts plastiques. On peut interagir avec l'œuvre. On peut questionner la notion d'échelle. On peut penser et créer une œuvre in situ pour projeter son installation future et sans détériorer le lieu. Mais en RA (= RÉALITÉ AUGMENTÉE) on peut également questionner la notion d'hybridation (Réalité numérique et réalité physique).

La réalité augmentée permet au spectateur de voir le modèle 3D à 360°, en tournant physiquement autour.

Rappelez-vous cette œuvre interactive intitulée :

Le veau d'or de Jeffrey SHAW

.
Avec son smartphone, il est dorénavant possible d'obtenir ce résultat en utilisant l'application SKETCHFAB. Avec deux doigts posés sur l'écran, le modèle qui apparaît en réalité augmentée (dans le lieu choisi) peut être redimensionné ou pivoté afin de le faire coïncider avec une zone réelle spécifique.

Cette vidéo vous montrera comment faire avec un modèle personnel mais il est possible de choisir une œuvre d'art numérisée qui provient d'une collection (sculpture du musée du Louvre par exemple).

G / [ NIV 3 ] WIDAR (pour ANDROID mais également disponible pour iOS)

TEST de MAËL > " WIDAR est une application performante et capable de produire des résultats assez bluffants. Contrairement aux autres, elle offre des outils de retouche efficaces après la prise de vue. Il est par exemple possible de gommer certaines parties du scan 3D. Il est également possible de "sculpter" le résultat grâce à des outils permettant de lisser, de creuser ou de gonfler certaines parties choisies du scan 3D. En revanche, on ne peut que regretter les nombreux bugs rencontrés, notamment au moment de la modélisation où l'application demande a être redémarrée à plusieurs reprises. "

WIDAR est une application de création de contenu 3D qui vous permet de numériser et d'éditer des modèles 3D sur votre smartphone. Vous pouvez profiter de la création de contenus 3D de haute qualité, visualiser directement sur l'appareil, jouer en RA et publier le contenu sur la communauté intégrée à l'application. En outre, vous pouvez également exporter du contenu 3D à utiliser dans le jeu, l'effet VFX dans les films, l'architecture, la construction, AR, VR, l'impression 3D et NFT.

Arts Plastiques / Académie de Normandie

RE-PRESENTER le réel : de sa captation à son interprétation

Organisation de la séquence

Quelques informations sur l'artiste intervenante

Corpus d'œuvres

Document - bilan proposé aux élèves

Exemples d'affiches de l'exposition

Questions enseignables

Compétences évaluées prioritairement

Quelques productions d'élèves

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Organisation de la séquence

Évaluation et aticulation avec les programmes

Quelques informations sur l'artiste intervenant

Intervention de l'artiste Tom NADAM

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Réflexion et analyse collective de l'incitation

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

FORMER, TRANSFORMER : exposition de Bina Baitel, Centre MATMUT pour les arts

FORMER et TRANSFORMER des objets familiers pour les rendre étonnants

NATURE

MATÉRIALITE / LE VRAI ET LE FAUX

OBJETS HYBRIDES / DÉTOURNEMENT

INFORMATIONS PRATIQUES

VIDÉO DU VERNISSAGE DE L'EXPOSITION DE BINA BAITEL

De l'INTERPRETATION du réel à la REPRESENTATION d'un imaginaire

Cette séquence a été réalisée par les élèves de Seconde option arts plastiques du lycée Thomas Corneille à Barentin.

Organisation de la séquence

Articulation avec les programmes

Quelques informations sur l'artiste intervenante

Références artistiques prévues

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Intervention de l'artiste Zélie DOFFEMONT

Quelques aperçus du début de la deuxième phase du travail

L'intervention d'un artiste induit un équilibre entre les objectifs d'apprentissage visés par l'enseignant et l'ouverture à une pratique artistique singulière : comment déterminer le rôle de chacun ?

EXPOSER la pratique, la démarche, le sensible

REPRESENTER la mémoire : entre superposition et effacement partiel

RENCONTRE avec l'artiste et son œuvre

EXPOSER

EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

DONNER à voir des projets artistiques - ORGANISER un vernissage

Paper Mapping

FLUX - REFLUX

Pensée en acteS : Note d'intention, l'oeuvre, le musée

ARTICLE 04 [ NIV 1-4 ] SKETCHFAB : une application ou une plateforme en ligne qui propose un hébergement d'objets 3D pour les faire apparaître en réalité augmentée ou en VR

Pourquoi lirais-je cet article ? Quelles sont les usages pédagogiques proposés ?

A / SKETCHFAB : c'est quoi ?

C'est à la fois une plateforme en ligne et à la fois une application qui permettent de regrouper et de regarder des objets 3D en temps réel et de manière interactive. Pour simplifier : c'est une galerie d'objets 3D (accompagnée de services annexes).

Tout le monde peut s'inscrire sur SKETCHFAB et y déposer des objets 3D.

Ces objets proviennent d'amateurs, d'artistes, de professionnels... ce qui explique la grande diversité des publications. Les qualités sont donc inégales.

Ces objets ont été créés avec un logiciel 3D ou bien scannés en 3D à partir d'un objet réel.

Les objets 3D sont généralement tagués pour les retrouver. Les tags sont généralement en anglais, il faut y penser... On peut également effectuer une recherche à partir de leur propriétaire ou créateur.

Les objets sont interactifs, en réalité augmentée ou en VR.

Il est possible d'intégrer ces objets dans une page web (ou ENT Etablissement) grâce au code EMBED qui l'accompagne.

On peut importer un objet publié sur SKETCHFAB dans une galerie d'art créée avec SPOKE et Prise en compte par MOZILLA HUBS. [Mais ça, c'est nettement plus compliqué alors un autre article abordera cela plus tard...]

B / [ NIV 1 ] À partir de SKETCHFAB, pourquoi et comment rechercher des œuvres d'arts officielles provenant d'un ou de plusieurs musées ?

https://sketchfab.com/francecollections/collections

C / [ NIV 1 ] Pourquoi et comment ajouter une modélisation 3D à l'une de vos collections SKETCHFAB ?

Plutôt que d'utiliser sans cesse le moteur de recherche, gérez vos collections en les nommant correctement puis vous constaterez que c'est vraiment plus pratique pour retrouver l'un de vos modèles préférés (même si ce n'est pas exactement les ''vôtres" :)

D / [ NIV 2 ] Pourquoi et comment faire apparaître une modélisation 3D (issue de SKETCHFAB) dans notre casque VR ?

Regarder un modèle 3D dans le casque c'est profiter d'une vision binoculaire et tridimensionnelle. Autrement dit : la restitution visuelle de ce modèle sera plus efficace directement dans le casque que sur une tablette.

Voici le tutoriel vidéo :

E / [ NIV 1 ] Pourquoi et comment faire apparaître un modèle 3D (provenant de SKETCHFAB) en réalité augmentée ?

La réalité augmentée permet au spectateur de voir le modèle 3D à 360°, en tournant physiquement autour.

F / [ NIV 2 ] Quel est l'intérêt de créer un dessin volumétrique à partir d'OPENBRUSH puis de l'exporter vers SKETCHFAB ? Si cette question vous intéresse, voici tout d'abord la réponse... Ensuite, voyons comment y parvenir...

Tout simplement pour permettre à tous les spectateurs qui ne disposeraient pas d'un casque VR, de pouvoir quand même profiter interactivement du volume à 360° soit sur l'écran d'un ordinateur, d'une tablette ou d'un smartphone.

SKETCHFAB ne permet pas de visualiser tous les effets produits par les BRUSHES d'OPENBRUSH (ou de MULTIBRUSH). Autrement dit, il y a des outils compatibles alors que d'autres ne le sont pas.

Alors, pour vous y retrouver, nous avons barré tous les outils incompatibles.

Pierrick :

Voici le processus de création :

Dans la vidéo suivante :

On verra surtout comment UPLOADER (= transférer) sa création vers SKETCHFAB.

Après avoir UPLOADÉ (= Importé) sa création dans SKETCHFAB :

En cliquant sur > EDIT 3D SETTINGS < voyons comment augmenter les niveaux de luminosité :

Après avoir augmenté la luminosité dans SKETCHFAB :

En cliquant sur > EDIT PROPERTIES < voyons comment éditer les propriétés de notre fichier :

Il ne reste plus qu'à publier (publiquement) votre création en cliquant sur > PUBLISH.