Arts Plastiques / Académie de Normandie

RE-PRESENTER le réel : de sa captation à son interprétation

Mael Judic — 2026-04-09T15:06:00Z

Comment la transformation d'une captation du réel permet-elle de mieux en appréhender sa représentation ?

Dans l'enseignement des arts plastiques, selon des modalités pédagogiques spécifiques, représenter permet aux élèves d'apprendre à questionner et à interpréter le monde qui les entoure. Il s'agit notamment pour eux de s'approprier, avec des intentions artistiques, les éléments animés et inanimés du réel. Ce faisant, ils sont initiés aux systèmes plastiques, rhétoriques, symboliques, communicationnels dans lesquels s'inscrit l'image.

Extrait de Projet de programmes d'arts plastiques et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025

Cette séquence, conçue pour des élèves de troisième, s'inscrit dans la partie du programme : "La représentation : images, réalité et fiction." Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain.

L'élève comprendra le rôle de la perception et de l'interprétation dans l'élaboration et dans la réception d'un dispositif de représentation.

Organisation de la séquence

En amont de cette séance, les élèves ont été engagés dans une pratique photographique numérique autour de la demande suivante :

« Un cadrage spécial sur le collège »

La question d'enseignement formulée était la suivante :

« Comment le cadrage peut-il renouveler notre regard sur un lieu ? »

Chaque élève devait ainsi produire une photographie de l'architecture du collège, intérieure ou extérieure, en recherchant un cadrage singulier afin de proposer une vision personnelle et inédite de cet environnement quotidien pour tous et partagé.


Titouan	Clarisse	Arthur

La première séance est consacrée à la présentation dans la salle d'arts-plastiques de l'artiste Sarah Fouquet à travers l'étude de son parcours, de sa démarche artistique et de ses projets. Ce temps de rencontre vise à permettre aux élèves d'appréhender ses œuvres, tout en situant sa pratique dans un champ professionnel élargi, notamment en lien avec son activité d'infographiste menée en parallèle de sa production artistique. Puis, découverte de l'exposition Multifacettes, présentant les œuvres de Sarah Fouquet au CDI.

La deuxième séance s'ouvre sur la présentation de la nouvelle demande :

« FRAGMENTEZ LE RÉEL »

Elle est suivie d'un temps d'analyse collective visant à faire émerger les représentations des élèves. Les notions clés sont explicitées à l'oral : fragmenter (diviser en éléments, morceler, organiser en parties distinctes) et réel (ce qui relève de l'existant, par opposition à l'imaginaire ou au fictif).

Dans un second temps, les élèves entrent dans une phase de pratique plastique. Les photocopies des photographies couleur d'un « cadrage spécial du collège » sont distribuées aux élèves en noir et blanc au format A4.
La consigne formulée est la suivante :

"À partir de votre photographie d'architecture du collège, vous en proposerez une nouvelle interprétation"

Les élèves sont ainsi conduits à expérimenter la fragmentation de l'image, à déconstruire l'espace représenté et à interroger les modalités de reconfiguration du réel à travers les opérations de découpage et de collage.

Cette démarche engage les élèves dans une réflexion sur les processus de transformation de l'image et sur les enjeux perceptifs liés à la représentation des espaces du quotidien, entre altération et permanence du référent.

Document élève

Quelques informations sur l'artiste intervenante

Sarah Fouquet est une dessinatrice, illustratrice et graphiste indépendante formée à l'École nationale supérieure des arts décoratifs de Paris (ENSAD). Elle a également été résidente à la Casa de Velázquez à Madrid. Artiste et graphiste son travail explore le réel à travers le dessin et l'image imprimée, elle développe une pratique à la fois artistique et professionnelle, entre illustration, édition et communication visuelle. Ses œuvres s'appuient souvent sur l'observation de lieux réels, qu'elle fragmente et recompose pour en révéler les traces humaines et sociales. À travers ses dessins, elle propose une lecture sensible du monde, entre documentation et interprétation. En parallèle, son activité d'infographiste l'amène à produire des images pour la presse, les institutions et l'édition. Son travail interroge ainsi la manière dont l'image peut traduire, transformer et diffuser le réel.

Liens :

https://sarahfouquet.com/
https://www.instagram.com/sarahfouquetdessins/

Corpus d'œuvres

Document élève

HOCKNEY David
Place Furstenberg
1985
photocollage

GALIMBERTI Maurizio
Lady Gaga
2003
mosaïque de polaroïds

COPLANS John
Self Portrait, upside down
1992
photographie argentique

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à interroger la notion de représentation en arts-plastiques, notamment dans son rapport au réel et à la fiction. À mettre en relation des pratiques artistiques contemporaines avec leurs productions. À expérimenter des procédés plastiques de transformation (cadrage, fragmentation, découpage, recomposition) d'une image numérique dans une production plastique. À développer une démarche de projet, fondée sur des choix intentionnels et argumentés.

Document - bilan proposé aux élèves

Exemples d'affiches de l'exposition

Questions enseignables

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

Comment le dialogue entre pratiques numériques et traditionnelles permet-il de transformer et de réinventer la représentation de l'espace ?
En quoi le cadrage et les outils numériques modifient-ils notre perception d'un lieu familier ?
Comment la fragmentation et la recomposition d'une image permettent-elles de questionner le rapport au réel ?
Dans quelle mesure l'écart entre l'image initiale et sa transformation peut-il produire du sens et une valeur expressive ?
Comment rendre perceptible la présence du référent tout en proposant une nouvelle lecture de celui-ci ?

Compétences évaluées prioritairement

EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l'inattendu.
Explorer l'ensemble des champs de la pratique plastique et leurs hybridations, notamment avec les pratiques numériques.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.

S'EXPRIMER, ANALYSER SA PRATIQUE CELLE DE SES PAIRES ; ÉTABLIR UNE RELATION AVEC CELLE DES ARTISTES, S'OUVRIR A L'ALTÉRITE

Établir des liens entre son propre travail, les œuvres rencontrées ou les démarches observées

Quelques productions d'élèves

	Sophie
	Arthur

Céline HEBRE

REPRESENTER, REPRODUIRE, IMITER

Virginie Michel — 2026-03-27T07:37:16Z

L'action de copier peut-elle être la source d'une singularité ?

Aider régulièrement les élèves à acquérir une maîtrise instrumentale, afin de tendre vers une esthétique dite « réaliste » – qu'ils visent ou attendent possiblement – répond à leur intérêt initial pour tenter de capturer le réel, de le reproduire, voire à un désir de l'imiter avec précision. Au-delà, et plus fondamentalement, en arts plastiques, il s'agit de leur apprendre à approcher la réalité de manière sensible et artistique, personnelle et singulière. Diversifier la saisie du réel, donc sa compréhension et son interprétation, par l'exploration des différentes ressources qu'offrent la pluralité des moyens d'expression sensibles, leur permet de prendre conscience de l'existence de modalités de création et d'intentions variées associées à la démarche et à l'acte de représenter. Cette diversité des approches, la variété des supports, des médiums et des gestes potentiels invitent chaque élève à relier la représentation à des finalités plus larges que la stricte imitation, selon des visées narratives, expressives, poétiques, symboliques, etc.

Extrait des projets de programmes, p.8 , 2025

Inspiration de la séquence de cycle

La lecture du sujet de l'épreuve pratique d'admissibilité du CAPES externe 2021, intitulé « Peindre ou colorier ? », a constitué le point de départ de la réflexion ayant conduit à l'élaboration de cette séquence. Ce questionnement s'est révélé particulièrement pertinent en ce qu'il ouvre à la fois sur l'analyse de pratiques artistiques modernes et contemporaines et sur une réflexion approfondie autour de l'entrée des programmes consacrée à la "matérialité de la couleur".
La formulation même du sujet, qui n'invitait pas à trancher entre deux pratiques mais à en interroger les enjeux, m'a semblé porteuse pour engager les élèves dans une démarche réflexive autour de la peinture, de son expressivité et de sa matérialité. Plus largement, elle permet d'aborder la notion de création artistique dans toute sa complexité, ainsi que la question du référent, en interrogeant les liens entre intention, geste, matière et sens.

L'action de copier peut-elle être la source d'une singularité ? ou pour le dire simplement Copier, est-ce créer ?

L'imitation est fréquemment envisagée comme une forme d'« entraînement », notamment dans l'apprentissage du dessin, et la copie a longtemps constitué une étape fondamentale de l'enseignement artistique académique. Elle a ainsi été associée à l'acquisition progressive de savoir-faire techniques et à la maîtrise des codes de représentation.
De nombreux artistes ont, par ailleurs, recours à la reproduction d'œuvres existantes ou à leur réinterprétation afin d'en comprendre les compositions, d'en analyser les détails ou de s'approprier des procédés plastiques. S'intéresser à la notion d'appropriation revient dès lors à interroger les rapports entre ressemblance et écart, fidélité et transformation, et, plus largement, à se confronter à une problématique majeure qui traverse l'histoire de l'art : celle de l'imitation de la nature et des modèles.

En revanche, on peut tout à fait travailler sur la notion de copie avec les élèves. Mais cette fois il s'agira de placer l'élève dans une distance réflexive avec ce qu'il est en train de copier. Il s'agira de lui permettre de comprendre pourquoi et pour quelle finalité il est en train de copier. Dans ce cas-là, la copie revêt un caractère différent : elle est problématisée, elle est proposée comme une attitude qui permet de comprendre, soit que la copie est toujours déformation de ce que l'on copie, que la copie peut se faire aussi avec des moyens mécaniques, tels que la photocopie, mais que le résultat n'aura absolument pas la même apparence,etc. Ainsi la pratique et la réflexion, la pratique et l'esthétique seront-ils dans un relation, dans une fusion.

Isabelle ARDOUIN - l'éducation à l'école - 1997 ESF éditeur

Classe de 6ème : Représenter est-ce faire ressembler ?

Lien avec les programmes :
La représentation plastique et les dispositifs de représentation

La ressemblance
L'autonomie du geste graphique, pictural, sculptural

Notions abordées :
Support / Outil / ressemblance / écart / singularité / exagération…

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Représenter le monde environnant ou donner forme à son imaginaire en explorant divers domaines (dessin, collage, modelage, sculpture, photographie, vidéo…).

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Se repérer dans les étapes de la réalisation d'une production plastique individuelle ou collective, anticiper les difficultés éventuelles.

Déroulé de la séquence

Cette séquence, mise en œuvre en tout début d'année de sixième, vise à accompagner les élèves dans la construction de la notion de « représentation ». Elle constitue un temps d'entrée dans les apprentissages en arts plastiques en permettant de poser des repères communs et de clarifier les enjeux liés au fait de représenter un référent.

Séance 1 : « Réalisez une belle représentation de votre figurine »
Utilisez des outils et matériaux que vous connaissez, que vous avez l'habitude d'utiliser.

Séance 2 : « Vous réaliserez une deuxième version mais avec des outils et matériaux que vous ne connaissez pas ou peu. »


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Léonard de VINCI La Joconde 1503-1506	Honoré DAUMIER Dupin Ainé ou l'orateur 1832	Jeff KOONS Balloon Dog (Magenta) 1994-2000

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à interroger les notions de ressemblance et d'écart par rapport au référent, en prenant conscience que toute représentation implique des choix et des transformations. Cette réflexion conduit également à aborder des questions transversales telles que celles du « beau », du goût et de la subjectivité du regard. L'étude de l'écart intentionnel permet notamment de mettre en évidence sa portée expressive et signifiante : par exemple, l'exagération peut devenir un procédé plastique permettant de produire un effet de caricature, de susciter le rire ou de transmettre un message.

Classe de 5ème : Comment soutenir une intention plastique en interrogeant des associations de matières avec de la peinture ?

Lien avec les programmes :
La matérialité de l'œuvre : l'objet et l'œuvre

La transformation de la matière
Les qualités physiques des matériaux
Le numérique en tant que processus et matériau artistiques
La représentation ; images, réalité, fiction
Le dispositif de représentation, la ressemblance

Notions abordées :
Matière, épaisseur, couches, recouvrement, empâtement, ressemblance, couleurs, nuances, immatériel, pixels, numérique

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une
intention artistique en restant attentif à l'inattendu
Recourir à des outils numériques de captation et de réalisation à des fins de création artistique.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Faire preuve d'autonomie, d'initiative, de responsabilité, d'engagement et d'esprit critique dans la conduite d'un projet artistique.
S'exprimer, analyser sa pratique, celle de ses pairs ; établir une relation avec celle des artistes, s'ouvrir à l'altérité

Déroulé de la séquence

Demande 1 (2 séances) : Réalisez une « PEAU de peinture » à cette photocopie. Vous
travaillerez directement sur la photocopie mise à disposition. Vous utiliserez obligatoirement
des matières et matériaux pour réaliser votre peinture.

Demande 2 (1 séance) : Munissez-vous de votre peinture et à l'aide du logiciel ArtRage,
utilisez les outils à disposition pour FAIRE CROIRE qu'il s'agit de la même peinture !


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Giacometti “Diego” 1954	LICHTENSTEIN “white brush” 1965	KIEFER “terre des 2 fleuves” 1995

Pendant cette séquence, les élèves sont amenés à identifier et à comprendre la dimension expressive d'une œuvre ainsi que les effets produits par l'usage de la matière dans un processus de création. Ils examinent la manière dont une matérialité affirmée — épaisseur, superpositions, diversité des matériaux — influe sur la perception de l'œuvre. Cette réflexion les conduit à interroger le contraste entre cette présence matérielle et l'immatérialité d'une image numérique, dont la nature intangible modifie le rapport sensible que l'on peut entretenir avec elle.

Classe de 4ème : En quoi un processus d'appropriation et de détournement d'une œuvre permet-il de porter un regard critique ?

Lien avec les programmes :
La représentation ; images, réalité et fiction

L'autonomie de l'œuvre d'art, les modalités de son auto-référenciation
La création, la matérialité, le statut, la signification des images

Notions abordées :
OUTIL, COULEUR, peinture, image numérique, FORME, ressemblance, écart,
composition, organisation, …

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une
intention artistique en restant attentif à l'inattendu
Recourir à des outils numériques de captation et de réalisation à des fins de création artistique.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.
Confronter intention et réalisation dans la conduite d'un projet pour l'adapter et le réorienter, s'assurer de la dimension artistique de celui-ci.

Déroulé de la séquence

Demande 1 (2 séances) : Choisissez une œuvre d'art et par les moyens de votre choix, en 2 dimensions ou en volume, décortiquez l'œuvre !
Vous n'utiliserez aucun mot ni écritures dans votre réalisation qui pourra se composer de plusieurs travaux.

Demande 2 (2 séance) : Choisissez une œuvre et faites-en une image publicitaire !
Il devra y avoir un lien évident entre l'œuvre et le produit dont vous faites la publicité ; L'œuvre, les éléments ajoutés et textes doivent former un tout.


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Edouard MANET “Le déjeuner sur l'herbe” 1862	Alain JACQUET “Le déjeuner sur l'herbe” 1964	N. SIMARIK “La déroute” 2006

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à s'approprier des œuvres majeures de l'histoire de l'art à travers la manipulation de reproductions envisagées comme des matériaux plastiques. Ils découvrent ainsi que travailler à partir d'une œuvre existante ne consiste pas à la reproduire à l'identique, mais à engager un processus d'appropriation et de détournement. Cette approche leur permet de comprendre qu'un artiste peut s'appuyer sur une œuvre préexistante pour créer et pour exprimer un propos ou transmettre un message.

Classe de 3ème :Une image abstraite peut-elle provenir d'un référent ?

Lien avec les programmes :
La représentation ; images, réalité et fiction

L'autonomie de l'œuvre d'art, les modalités de son auto-référenciation
Le dispositif de représentation

Notions abordées :
OUTIL, COULEUR, FORME, peinture, image numérique, forme, ressemblance, écart,
composition, organisation, …

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l'inattendu

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.
Confronter intention et réalisation dans la conduite d'un projet pour l'adapter et le réorienter, s'assurer de la dimension artistique de celui-ci.

Déroulé de la séquence

Demande (2 séances) : Ma photographie devient une image abstraite ! A partir de votre photographie de l'architecture du collège et sur le format de votre choix, réalisez une peinture abstraite.
D'une manière ou d'une autre, votre photographie sera le point de départ de votre réalisation abstraite.
Vous utiliserez des outils et matériaux que vous connaissez et avez pu découvrir lors de vos années en arts plastiques au collège.


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Claude MONET "Nymphéas, reflets de saule » 1916-19	W.KANDINSKY composition VII 1913	M.ROTHKO untitled 1947

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à travailler à partir de l'architecture du collège, qu'ils ont préalablement photographiée. La photographie, en tant qu'image permettant de saisir le réel, constitue le point de départ d'un travail de transformation vers l'abstraction. Cette démarche permet de redéfinir la notion d'abstraction avec les élèves, d'en comprendre l'émergence dans l'histoire de l'art et d'engager une réflexion sur les formes, les couleurs ainsi que sur les enjeux de composition et d'organisation de l'espace plastique.

Marion LARPENT

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Mael Judic — 2026-03-07T16:13:10Z

Dans quelle mesure une production peut-elle articuler les notions de fragment et d'unité pour construire une représentation cohérente et signifiante du paysage ?

Cette séquence, conçue pour les élèves de 1ère Spécialité Arts Plastiques, s'inscrit dans la partie du programme : « Les enjeux de la représentation, de ses langages et de ses moyens plastiques ». Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain, par l'affirmation de différents degrés de distance au référent.

Organisation de la séquence

La première séance (2 heures) est dédiée à la présentation du projet et à une immersion directe dans le champ artistique contemporain. Les élèves participent à un atelier de pratique plastique avec l'artiste Tom Nadam, qui expose dans la galerie de l'établissement, dans le cadre du dispositif De Visu. Cette rencontre permet d'ancrer la réflexion théorique dans une expérience concrète de la création.

Entre la première et la deuxième séance, un travail personnel est demandé aux élèves pour enrichir leur culture artistique. Ils visionnent la vidéo de présentation de l'exposition « Paysage, Fenêtre sur la nature », tenue au Musée du Louvre-Lens entre mars et juillet 2025. Ce visionnage doit être accompagné d'un travail de prise de notes, visant à alimenter leur réflexion avant la mise en pratique.

La deuxième séance (2 heures) reprend la réflexion autour de « Fragments et unité dans un paysage ». Elle commence par une réflexion et une analyse collective de la problématique. Les termes clés sont définis à l'oral : le fragment (morceau, partie), l'unité (homogénéité, cohérence, assemblage), le paysage (ce que l'on voit, point de vue, cadrage, nature) et l'hétérotopie (lieu autre, imaginaire, cosmos, utopie). À l'issue de cette analyse, le travail plastique se poursuit.

Évaluation et aticulation avec les programmes

L'évaluation de cette séquence porte sur la capacité des élèves à expérimenter, produire et créer, ainsi qu'à mettre en œuvre un projet artistique. Elle inclut également la capacité à exposer l'œuvre, la démarche et la pratique :

Créer un paysage à partir de fragments (photographies, collages, objets, matériaux divers) pour créer une image globale cohérente ;
Proposer une analyse critique de sa production : les élèves doivent exposer leur démarche de création, les choix esthétiques et conceptuels qui ont guidé leur projet, ainsi que les difficultés rencontrées et les solutions trouvées ;
Contribuer au dispositif scénographique.

Les élèves travaillent à partir d'images de paysages brûlés ou désolés - thème central de son œuvre. Sur des supports papier de différents formats, chacun doit extraire un fragment de l'image (recadrage, agrandissement) puis retravailler textures et couleurs avec différents médiums.

L'exercice ne se limite pas à une simple copie : il propose une confrontation concrète entre photographie et matière picturale, entre échelle choisie et lisibilité du détail, invitant à réfléchir au geste, à la surface et à l'interprétation chromatique.

Une visite préalable du site de l'artiste et de son exposition a préparé le travail en atelier, et Tom Nadam a présenté sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de ses compositions, afin que les élèves saisissent le lien entre fragmentation et assemblage.

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

• Comment faire unité à partir du fragment ?
• Comment créer une cohérence plastique au sein d'un ensemble hétérogène ?
• Quelles caractéristiques visuelles permettent de définir le genre du paysage ?

Ainsi, cette séquence permet de lier la pratique plastique à une réflexion critique sur la construction de l'espace et sa représentation contemporaine.

Quelques informations sur l'artiste intervenant

"Diplômé des beaux-arts de Caen en 2018, aujourd'hui, Tom Nadam vit et travaille à Rennes.

Animées par un sentiment de faux calme, ses peintures révèlent des moments de flottement, des environnements bouleversés et des figures en déclin. Cette atmosphère si particulière naît d'un danger tapis dans l'ombre, d'une sensation d'instabilité ou d'une menace passée. Pour favoriser ces jeux de tension, Tom joue du contraste et de l'ambiguïté des motifs qu'il utilise. Il puise son inspiration dans des excursions marquantes. Islande, Etna et Champs Phlégréens plantent le décor de ses meutes imprévisibles. Le chien est la première figure qui alimente une dualité dans son travail. Entre monde des morts et monde du vivant, fidèle compagnon et bâtard errant, dominé comme dominant, il traduit une tension constante. Sans morsure, ni blessure, ni sang, une certaine animosité se dégage pourtant des compositions. Plus récemment, les violents feux de forêts survenus en 2022 ont profondément affecté sa pratique. Tom représente alors une nature grondante, sauvage, révoltée et démesurée. En s'immergeant dans les Monts d'Arrée, à Lussas et dans la plaine des Maures, il récolte les vestiges de ces terres arides qui lui évoquent des formes familières. Ainsi, dans un climat quasi désertique, apparaissent tels des mirages : roches, objets trouvés, crânes, meutes diaphanes ou autres silhouettes étranges. Tom dresse leur portrait, qui, dans un état de fulgurance, semblent aussi précieux que fragiles. À travers les épaisses fumées, ces éléments se dévoilent comme les rescapés de ces drames, incarnant un semblant d'espoir."

Intervention de l'artiste Tom NADAM

À partir d'images de paysages en feu ou désolés après son passage (thème de son travail), et des supports en papier prédécoupés (20 X 20, 40 X 20 et 40 X 40 cm) les élèves devaient reproduire à l'échelle une partie de l'image (recadrage, agrandissement) et surtout retravailler les textures et les couleurs en découvrant la peinture acrylique. Une visite du site de l'artiste et de l'exposition avait été faite en amont. Tom Nadam a aussi expliqué sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de son travail.

La taille des supports permet une installation rapide et facilité des travaux d'élèves dans la galerie pour un accrochage lors du vernissage à suivre (panoramique, mosaïque, pixels ?...). Un temps d'une demie heure a été alloué avant le vernissage de l'artiste dans la galerie pour que les élèves investissent en commun le mur dédié avec leur travail. L'accrochage a donc été fait en classe entière, en autonomie, mais avec la présence de l'artiste et des enseignants pour justifier les divers choix (hauteur, choix des motifs, couleurs, composition, brillance, unité, "trous de respiration"...).

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Entre la première séance et le deuxième, un travail devait être mené à la maison. Les élèves devaient visionner une vidéo de présentation de l'exposition Paysage : Fenêtre sur la nature. Il s'agit d'une exposition ayant eu lieu au Musée du Louvre Lens du 29 mars au 24 juillet 2025. Il s'agissait aussi pour les élèves de prendre une série de notes écrites.

Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens
Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher

Réflexion et analyse collective de l'incitation

Au début de la deuxième séance, les élèves devaient produire un écrit durant 15 minutes autour des termes de l'incitation.

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Fragment : Morceau / Partie
Unité : Homogénéité / Cohérence / Ensemble / Assemblage / Construction
Paysage : Ce que l'on voit / Point(s) de vue / Cadrage(s) / Nature ?
Hétérotopie (lieux autre) : Imaginaire / Cosmos / Univers / Utopie

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

Cécile Malézieux et Florent Cordier

FORMER, TRANSFORMER : exposition de Bina Baitel, Centre MATMUT pour les arts

Mael Judic — 2026-03-06T12:57:24Z

En quoi la matérialité des objets conditionne-t-elle les formes et véhicule-t-elle les intentions artistiques de l'artiste ?

FORMER et TRANSFORMER des objets familiers pour les rendre étonnants

La production de Bina Baitel mêle art, design et architecture. Elle est d'abord diplômée de l'École nationale supérieure d'architecture de Paris La Villette, avant de fonder son studio de design et d'architecture en 2006. La designer joue avec les matières, les volumes et les effets visuels et l'interactivité du spectateur.

« La plupart de mes pièces invitent à de nouvelles expériences, qu'elles se manifestent par le toucher, le mouvement, le regard ou la réflexion. Elles invitent à interagir plutôt qu'à rester dans une simple position d'observation. »

Ainsi la lampe tactile et interactive Fur Light réagit à la caresse d'une main tandis que la lampe Grimm se compose d'une « coulée de miroir ».

A côté des objets design, sont exposés ses sources d'inspirations et ses maquettes ce qui permet d'appréhender l'ensemble de sa démarche. Il est possible de faire le lien entre histoire des arts, arts plastiques et son design à travers trois thématiques

NATURE

Le vocabulaire plastique de Bina Baitel, est lié à la courbe. Elle mêle pleins et creux et effet de matière évoquant la nature (la faune, la flore, le minéral) : tandis que Fur Light est réalisée à partir de vraie fourrure de raton laveur, une autre lampe à partir de peau de raie, certains motifs des tissus rappellent écailles de reptile, minéraux couverts de mousse, peau ou pelage d'animaux... Ainsi, elle nous invite à repenser le lien que nous entretenons avec notre environnement.

MATÉRIALITE / LE VRAI ET LE FAUX

« Je choisis toujours les matériaux en fonction du sujet abordé. »

La matière est au centre de son processus créatif. Les choix auxquels elle procède sont le fruit d'une réflexion.

Fur Light est composé de fourrure qui s'éclaire lorsqu'on le caresse. L'idée vient de son enfance à Jérusalem et des chapeaux de fourrure portés par les rabbins. Elle associe cette matière à la foi des hommes qui la porte symboliser par une lumière.

Pour la Lampe tapis Snug La projection lumineuse est matérialisée par cette flaque en cuir.

Pour ZigZag, elle joue avec les oppositions : celle entre la légèreté de ce zigzag, ce gribouillage, ce geste spontané qui amorce un stylo, et la densité du matériau évoquant les griffonnages.

OBJETS HYBRIDES / DÉTOURNEMENT

« Ma démarche s'exprime dans le détournement, le déplacement ou le décalage, parfois minime, parfois radical, qui fait basculer des éléments familiers vers d'autres lectures. »

Chez Bina Baitel, design, art et architecture se croisent, dialoguent et se mêlent pour faire surgir de nouvelles formes d'expression. De cette hybridation naissent des objets déroutants : des canapés évoquant la douceur des galets (Sela), des chevets qui se liquéfient et se transforment en tapis aux teintes aquatiques. En procédant ainsi, Bina Baitel réenchante le quotidien. Soudain, l'utile ne se limite plus à de simples fonctions, ils se transforment en objet de rêverie.

Confluentia est représentatif de l'échange permanent qu'elle entretient entre les domaines artistiques. Est- ce une création plastique, textile, architecturale, voire du design ? D'un point de vue scientifique, un confluent est le lieu où se rejoignent deux cours d'eau. Ici, deux meubles aux lignes épurées, sont disposés en diagonale. Loin d'être fonctionnels, les caissons tout en courbes, accueillent un tapis qui s'écoule vers le sol. Confluentia a été imaginé dans le cadre de la labellisation de la tapisserie d'Aubusson « Patrimoine culturel immatériel de l'humanité » par l'UNESCO. Les chevets ne font plus qu'un avec le tapis, évoquant ainsi les paysages des tapisseries d'Aubusson. Bina Baitel reprend et détourne les codes d'un savoir-faire. Le flot n'est pas sans évoquer également la célèbre toile d'Ingres, La source de 1856.

INFORMATIONS PRATIQUES

Site de Bina Baitel :https://www.binabaitel.com/fr

Groupes et scolaires
La réservation est gratuite et obligatoire pour les visites, avec ou sans conférencier. Les groupes sont admis tous les jours de la semaine.
https://www.matmutpourlesarts.fr/centre-art-contemporain/visites-ateliers

Lien vers le journal d'exposition.

VIDÉO DU VERNISSAGE DE L'EXPOSITION DE BINA BAITEL

C'est trop !

Mael Judic — 2025-10-14T13:20:05Z

Document

Images de réalisations

La chaise

Mael Judic — 2025-10-14T13:12:16Z

Refaire à l'infini

Mael Judic — 2024-04-11T09:23:24Z

Cet objet est un Transformers

Mael Judic — 2024-02-03T09:13:40Z

Intitulé : Cet objet est un Transformers
Niveau : 5ème
Entrée du programme :
1 - Représentation, images, réalité et fiction
2 - La matérialité de l'œuvre ; l'objet et l'œuvre

Mots clés : FORME – IMAGE
Mouvement, séquence, continuité, espace, objet, lumière, cadrage, point de vue, personnification, transformation

Objectifs visés :
Comprendre que les images de fictions peuvent être fabriquées à partir d'images qui ont pour référent le réel / Comprendre le processus de l'image animée / Comprendre la différence entre mouvement représenté et mouvement réel / Maîtriser un logiciel de montage simple / associer image et son dans une production

Déroulement :
Les élèves apportent un objet ou en cherchent un dans la classe.
Pour introduire le travail, un extrait du film « transformers » est projetée afin de faire comprendre au élève les notions de transformation et de réversibilité.
La demande est ensuite proposée aux élèves.

Demande n°1 : A partir de votre objet et des moyens qui vous semblent les plus adaptés, animez les transformations de votre Transformers. Vous tiendrez compte de l'objet de départ pour dégager sa personnalité. Attention, la transformation doit pouvoir être réversible.
Utiliser l'appareil photo en mode « photo » pour rendre compte de sa transformation.

Il est précisé aux élèves que l'appareil photo est à utilisé en mode « photo ». Ce dernier est fourni dès le début du travail car il peut être utilisé à tout moment en fonction de la transformation imaginée par les élèves.

Il s'agit d'un travail de groupe dans la mesure où la proposition demande différentes manipulations de façon simultanée (transformation et prise de vue). Cela rassure également les élèves lors du montage en salle informatique.

Demande n°2 : Grâce à un logiciel de montage (type Movie Maker), jouez avec les images et le son pour rendre votre Transformers toujours plus vivant et unique !

Cette étape permet aux élèves de travailler la représentation du mouvement. Choix des images, agencement, transition et relation avec le son sont travaillés dans cette demande.

La verbalisation est introduite par le visionnage des productions.

Références :

Giacomo Balla, Dynamisme d'un chien en laisse, 1912, huile sur toile, 90x110cm, Buffalo → Succession de moments sur la même image

Chicken Run, 2013, film d'animation de Peter Lord et Nick Park

Les temps modernes, 1936, film de Charles Spencer Chaplin, dit Charlie Chaplin

Travaux d'élèves :

Les 9 notions

Mael Judic — 2022-10-12T14:36:03Z

Retrouvez ici un document méthodologique à propos des 9 notions propres aux arts plastiques et à connaitre par coeur, dans leur polysémie.

- Pensée en acteS / Lumière, Espace, Couleur, Forme, Geste, Corps, Support, Outil, Temps, Matière, Collège, Lycée

Sans contour

2022-04-07T15:41:43Z

Entrée du programme
La représentation ; images, réalité et fiction

Questions d'enseignement
En quoi la couleur peut-elle induire la forme ?
En quoi le geste joue-t-il un rôle dans la représentation ?

Contexte : ce travail est proposé au premier trimestre de l'année de 5ème.
L'un des enjeux de cette séquence est de privilégier le temps de pratique des élèves.
La prise d'initiative dans les choix techniques est encouragée.
Ce dispositif favorise également la prise de parole et les échanges en classe (temps d'observation, retour réflexif sur la pratique...).
2 séances de réalisation.

Les élèves ont le choix de leur technique. Ils disposent d'une feuille blanche comme support (format demi-raisin).
Une image est projetée aux élèves. Choisie par le professeur, elle permet de créer une contrainte supplémentaire pour l'élève : les troncs sont blancs et leur support pour la pratique l'est également.
Un temps d'observation de l'image est suivi par un bref échange.

Demande : "Sans jamais utiliser de contour, reproduisez de façon la plus ressemblante possible l'image proposée."

Questionnements d'élève :
Qu'est-ce que le contour ?
Comment représenter sans faire de contour ?
Peut-on se passer de contour pour représenter ?
Quelle(s) technique(s) vais-je choisir pour répondre au mieux à la demande ?
Dois-je commencer par le fond ou par la forme ?

Ce qui peut être évalué : la pertinence de la technique en fonction de l'intention, la capacité pour l'élève de justifier ses choix à l'oral.
L'essentiel est d'engager l'élève dans la pratique et de lui permettre de prendre plaisir à faire et à exprimer ses idées. L'évaluation peut alors être envisagée lors d'une séquence suivante qui réinvestirait et approfondirait la notion de limite.

Autres questionnements possibles/ approfondissement :
Questionner la ressemblance et l'écart entre le référent et sa représentation .
Approfondir la notion de limite par une séquence intitulée : "Paysage sans limite(s)"

Séquence proposée par Morgane Sansorgné


Créer du relief	Mettre en volume.	Travailler la touche.
Peindre, découper, coller.	Peindre.	Travailler le geste
Peindre le fond	Gommer pour faire apparaître la forme.