Arts Plastiques / Académie de Normandie

L'art et les mots : INTERVENIR sur une image, DEPLACER les intentions initiales

Mael Judic — 2026-05-08T08:32:20Z

En quoi la valeur expressive d'un geste artistique sur une image peut-elle engager une réflexion sociétale avec les élèves ?

Dans le cadre du festival Inspire organisé par la communauté de communes, l'artiste Marie Margaux Bonamy est intervenu 3h à la fois au collège Les Hauts du Saffimbec de Pavilly pour un groupe de 3e et au lycée Thomas Corneille de Barentin avec une classe de seconde. L'ensemble des productions ont été exposées, ce qui a permis de faire un lien interdegré.

Organisation de la séquence :

Avant la pratique

Visite du musée des Beaux-arts de Rouen autour de la thématique : Les stéréotypes féminins et masculins dans la représentation idéalisée du corps
Visite du musée d'Orsay, Paris
Échange avec l'artiste sur mes attentes pédagogiques en lien avec le programme des arts plastiques à la fois du collège et du lycée. Ensemble, nous sélectionnons des œuvres qui nous paraissent pertinentes par rapport à nos objectifs.

Pour le collège, cycle 4

La représentation ; images, réalité et fiction
Questionnement : La création, la matérialité, le statut, la signification des images : l'appréhension et la compréhension de la diversité des images ; leurs propriétés plastiques, iconiques, sémantiques, symboliques ; les différences d'intention entre expression artistique et communication visuelle, entre œuvre et image d'œuvre.

HIDA : établir des liens et des distinctions entre des œuvres diverses, de même époque ou d'époques différentes, d'aire culturelle commune ou différentes :

Utiliser un lexique simple mais adapté au domaine artistique concerné, à sa forme et son matériau, pour aboutir à la description d'une œuvre dans sa globalité
Associer une œuvre à une époque en fonction d'éléments de langage artistique
Amorcer un discours critique

Pratique plastique

Présentation de l'artiste Marie Margaux Bonamy, une ancienne élève du collège et son parcours scolaire. Il me semblait important que les élèves puissent échanger avec elle et comprendre qu'il est possible de suivre une voie artistique quel que soit leur lieu d'habitation (milieu semi-rural avec un accès à la culture qui peut être difficile).

Qui est Marie Margaux Bonamy ? Diplômée de l'École Supérieur d'Art et de Design Le Havre-Rouen, elle participe à la création de l'association Polymorphe, engagée dans la rencontre des cultures et des formes artistiques. Elle aime travailler sur ce qui fait le lien entre les individus. Ses travaux sont engagés car ils remettent en cause le statu quo de nos sociétés.

• Question posée aux élèves : qu'est-ce qu'un stéréotype sexiste ?

Présentation par l'artiste de sa série Déflorer

Déflorer questionne l'image de la fleur dans sa pluralité. Symbole à la fois d'amour, de mort et de sacrifice. Chacune des cartes décrit l'un des féminicides recensé en 2021. Elles énoncent succinctement les faits, tels qu'ils seraient formulés par les victimes.

Présentation des cartes postales d'œuvres d'art. Certaines sont issues de la visite des deux musées.

Changement de statut : l'œuvre unique du musée devient multiple et commercialisée
Analyse d'œuvres / d'images et comparaison d'œuvres différentes sur une même question : Pourquoi avons-nous choisi ces reproductions ?

Pour la seconde

Dessiner pour créer, comprendre, communiquer

Questionnements : Les conceptions contemporaines du dessin : pluralité des modalités et pratiques, filiation et rupture, relations avec d'autres médiums, avec l'écriture…

Enseignement transversal : Égalité filles garçons
Lutter contre les stéréotypes de genre et défendre l'égalité entre les filles et les garçons sont au cœur de l'engagement de l'école. Agir pour le respect des droits de chaque élève est essentiel pour l'accompagner vers la réussite, quel que soit son genre.

Détourner ce support au regard des stéréotypes sexistes avec la technique de la broderie

Avoir un recul critique sur les œuvres / la société afin d'inscrire un message qu'il faudra justifier
Phase de dessin sur calque
Broderie

Productions et propos d'élèves

Auguste Toulmouche, La Fiancée hésitante, 1866.

« J'ai brodé Ai-je le choix ? car on force cette femme à se marier. Les deux femmes à côté d'elle tentent de la rassurer pendant que derrière la 3e femme lui pose une couronne de fleurs. Le regard sombre de la mariée signifie qu'elle est forcée. La couleur verte est une couleur complémentaire par rapport à la robe rouge en bas » Mathis

Suzanne Valadon, Adam et Eve, 1909

« J'ai brodé "Pécheresse" en lien avec le péché originel dans la religion chrétienne. La femme représentée est Eve qui a croqué la pomme et a causé la souffrance et la mort dans la condition humaine. Dans la bible, c'est à cause de la femme qu'ils perdent le paradis et l'immortalité. Or, l'artiste de cette œuvre est une femme qui a peint Adam, sous les traits de son amant de 21 ans moins qu'elle. Encore aujourd'hui les hommes peuvent aimer des femmes plus jeunes alors que les femmes sont traitées de cougar... En plus, elle a dû recouvrir le sexe de l'homme pour exposer alors qu'il y a souvent des femmes nues peintes par des femmes et ça ne pose pas de problème » Cassiopée

Pompeo Batoni, La mort de Marc Antoine, 1708

« J'ai brodé "Panser/ penser" car l'homme a besoin de la femme. Elle le soigne et c'est un jeu de mot avec le mot penser, réfléchir. Le mot E de penser est en train d'exclure panser pour prendre sa place comme si utiliser son cerveau pour réfléchir était le plus important ». Alycia

Tamara Lempicka, Autoportrait à la Bugatti verte, 1929

"J'ai brodé le message "Lead your own way" / "Choisir ton propre chemin" faisant référence à la conductrice et artiste. Elle va à l'encontre des stéréotypes de genre féminin où la femme est cantonnée aux rôles domestiques et à la douceur. J'ai utilisé un point de fuite pour écrire "Lead" afin d'accentuer cette idée de liberté. J'ai choisi la couleur rouge, car elle crée un contraste complémentaire avec la couleur de la voiture et rappelle les lèvres de la conductrice. » Owen

Virginia de Vezzi, Judith avec la tête d'Holopherne, 1597

« J'ai brodé "Dipingere è combattere". C'est écrit en italien par rapport à la nationalité de l'artiste. En français, cela veut dire "Peindre c'est combattre" car la femme tient une épée avec la tête décapitée d'Holophèrne et pour être une femme artiste à cette époque, il faut lutter contre les préjugés sexistes des hommes qui dominent le monde l'art. Le bleu reprend sa robe et le rouge fait le tour de l'épée et rappelle le sang coulé. » Lilou

Vincent Van Gogh, Vieil homme qui pleure, 1890

« J'ai brodé "tristesse / faiblesse" en bleu pour rappeler le vêtement du personnage et "≠" en rouge pour faire ressortir le signe. L'idée était de montrer que pleurer ne veut pas dire être faible, mais juste être humain et montrer ses sentiments » Mayline

Claude Cahun, Autoportrait, 1919.

"J'ai brodé "Entre les genres, je me trouve" car dans son œuvre, Claude Cahun joue avec les apparences et mélange les codes masculins et féminins. Elle montre ainsi une identité qui n'est pas fixe. J'ai utilisé le rose et le bleu, car ce sont des couleurs associés aux stéréotypes. Leur association permet de montrer un mélange des genres et de remettre en question ces codes. Ma démarche illustre une identité située entre les genres comme celle de Claude Cahun ». Sarah

Berthe Morisot, Le berceau, 1872

"J'ai brodé "L'instinct maternel n'est pas naturel" pour répondre aux croyances de notre société selon laquelle l'instinct maternel est inné et évident pour la mère. J'ai choisi le rose, car il rappelle le cliché de couleur associé aux femmes. Le vert, quant à lui, rappelle la flore du concept nature. Les mots sont disposés de manière à relier le regard de la mère au visage du bébé présent dans la composition de l'œuvre. » Melia

Installation des productions

Au collège
Référence au programme du collège : L'œuvre, l'espace, l'auteur, le spectateur
Questionnement : La présentation

Au collège avec les productions des élèves de 3e

Au lycée
Référence au programme de seconde : Exposer l'œuvre, la démarche, la pratique

Au lycée, dans la galerie ouverte avec les productions des élèves de collège et du lycée

Ce travail a été l'occasion d'étudier des œuvres d'art contemporain engagées utilisant la technique de la broderie.

Annette Messager

Annette Messager (1943) est l'une des premières et plus ferventes militantes de la cause. Elle crée des broderies féministes dans les années 1970 et en particulier dans sa Collection de proverbes de 1974, brodés à la main se faisait la chronique de la misogynie ordinaire.

Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010). Son œuvre est fondée sur des éléments autobiographiques : le père y tient le rôle du tyran adultère, qui considère les femmes comme des êtres voués à l'obéissance. La série "Eugénie Grandet" proprement dite se compose de seize petites broderies. La technique évoque évidemment la femme confinée à des travaux d'aiguille, pour passer le temps ou le perdre.
En 2002, Louise Bourgeois utilise des vêtements remontant aux années 1920 pour en faire un livre textile intitulé Ode à l'oubli. Elle construit la reliure et les pages avec les mouchoirs en tissu datant de son mariage de 1938.

Ghada Amer

Ghada Amer (1963) : Les préoccupations qui l'animent : le travail des femmes, l'égalité des sexes et la relation entre l'Orient et l'Occident.
Une de ses premières œuvres intitulée Cinq femmes au travail (1991) es un ensemble de tableaux soigneusement bordés, chacun représentant une femme effectuant une tâche domestique.
Son installation Private room (1998) est constituée d ‘une série de housses à vêtements bordés de textes coraniques détaillant les interdits des femmes.

Judy Chicago

Judy Chicago, The Dinner Party est une installation artistique réalisée par l'artiste féministe américaine de 1974 à 1979. Elle se présente sous la forme d'une histoire symbolisée des femmes. Cette installation se compose de 39 tables à manger dressées, jointes les unes aux autres et disposées en triangle (symbole du sexe féminin) de 15m de côté, chaque table représentant une figure historique féminine. Pour cela, elle utilise des techniques qui sont considérées comme traditionnellement féminines (comme la broderie). Chaque place de la table comporte un chemin de table brodé du nom d'une femme célèbre ainsi que des images ou des symboles qui lui sont liées.

Shannon Downey

Shannon Downey est une activiste féministe américaine. Sa pièce « Boys Will Be Boys », une œuvre réalisée en point de croix a été créée en réponse à Donald Trump : « Les garçons seront des garçons tenus responsables de leurs putains d'actes », est alors devenue virale.

Rebecca Hardis

Rebecca Harris (1977) est une artiste britannique. Étudiante obèse, elle décide de se faire opérer de l'estomac afin de stopper sa prise de poids. La série « Obscure Objets of Obesity » : La peau et le corps, à la fois dégonflés et fragmentés, sont pensés comme la mémoire d'une identité et d'un vécu. Rebecca Harris modèle son corps par la broderie. Les broderies sur photographies sont pour l'artiste une manière de prendre le contrôle de son corps, de le manipuler, de le changer, de le modifier, de contrer son obésité.

Pour l'œuvre Untilted (body modification), Rebecca Harris a pris en photographie son corps en se focalisant sur son ventre, de la taille à mi-cuisses. L'artiste se lance dans une manipulation qu'elle ne peut effectuer sur son corps physique. En effet, à l'aide de fil rouge, elle le raye, le barre, le rature, elle pique dans la chair, tend des fils comme pour le resserrer.

Sarah Naqvi

En Inde, Sarah Naqvi crée des broderies représentant les menstruations

REPRESENTER, REPRODUIRE, IMITER

Virginie Michel — 2026-03-27T07:37:16Z

L'action de copier peut-elle être la source d'une singularité ?

Aider régulièrement les élèves à acquérir une maîtrise instrumentale, afin de tendre vers une esthétique dite « réaliste » – qu'ils visent ou attendent possiblement – répond à leur intérêt initial pour tenter de capturer le réel, de le reproduire, voire à un désir de l'imiter avec précision. Au-delà, et plus fondamentalement, en arts plastiques, il s'agit de leur apprendre à approcher la réalité de manière sensible et artistique, personnelle et singulière. Diversifier la saisie du réel, donc sa compréhension et son interprétation, par l'exploration des différentes ressources qu'offrent la pluralité des moyens d'expression sensibles, leur permet de prendre conscience de l'existence de modalités de création et d'intentions variées associées à la démarche et à l'acte de représenter. Cette diversité des approches, la variété des supports, des médiums et des gestes potentiels invitent chaque élève à relier la représentation à des finalités plus larges que la stricte imitation, selon des visées narratives, expressives, poétiques, symboliques, etc.

Extrait des projets de programmes, p.8 , 2025

Inspiration de la séquence de cycle

La lecture du sujet de l'épreuve pratique d'admissibilité du CAPES externe 2021, intitulé « Peindre ou colorier ? », a constitué le point de départ de la réflexion ayant conduit à l'élaboration de cette séquence. Ce questionnement s'est révélé particulièrement pertinent en ce qu'il ouvre à la fois sur l'analyse de pratiques artistiques modernes et contemporaines et sur une réflexion approfondie autour de l'entrée des programmes consacrée à la "matérialité de la couleur".
La formulation même du sujet, qui n'invitait pas à trancher entre deux pratiques mais à en interroger les enjeux, m'a semblé porteuse pour engager les élèves dans une démarche réflexive autour de la peinture, de son expressivité et de sa matérialité. Plus largement, elle permet d'aborder la notion de création artistique dans toute sa complexité, ainsi que la question du référent, en interrogeant les liens entre intention, geste, matière et sens.

L'action de copier peut-elle être la source d'une singularité ? ou pour le dire simplement Copier, est-ce créer ?

L'imitation est fréquemment envisagée comme une forme d'« entraînement », notamment dans l'apprentissage du dessin, et la copie a longtemps constitué une étape fondamentale de l'enseignement artistique académique. Elle a ainsi été associée à l'acquisition progressive de savoir-faire techniques et à la maîtrise des codes de représentation.
De nombreux artistes ont, par ailleurs, recours à la reproduction d'œuvres existantes ou à leur réinterprétation afin d'en comprendre les compositions, d'en analyser les détails ou de s'approprier des procédés plastiques. S'intéresser à la notion d'appropriation revient dès lors à interroger les rapports entre ressemblance et écart, fidélité et transformation, et, plus largement, à se confronter à une problématique majeure qui traverse l'histoire de l'art : celle de l'imitation de la nature et des modèles.

En revanche, on peut tout à fait travailler sur la notion de copie avec les élèves. Mais cette fois il s'agira de placer l'élève dans une distance réflexive avec ce qu'il est en train de copier. Il s'agira de lui permettre de comprendre pourquoi et pour quelle finalité il est en train de copier. Dans ce cas-là, la copie revêt un caractère différent : elle est problématisée, elle est proposée comme une attitude qui permet de comprendre, soit que la copie est toujours déformation de ce que l'on copie, que la copie peut se faire aussi avec des moyens mécaniques, tels que la photocopie, mais que le résultat n'aura absolument pas la même apparence,etc. Ainsi la pratique et la réflexion, la pratique et l'esthétique seront-ils dans un relation, dans une fusion.

Isabelle ARDOUIN - l'éducation à l'école - 1997 ESF éditeur

Classe de 6ème : Représenter est-ce faire ressembler ?

Lien avec les programmes :
La représentation plastique et les dispositifs de représentation

La ressemblance
L'autonomie du geste graphique, pictural, sculptural

Notions abordées :
Support / Outil / ressemblance / écart / singularité / exagération…

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Représenter le monde environnant ou donner forme à son imaginaire en explorant divers domaines (dessin, collage, modelage, sculpture, photographie, vidéo…).

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Se repérer dans les étapes de la réalisation d'une production plastique individuelle ou collective, anticiper les difficultés éventuelles.

Déroulé de la séquence

Cette séquence, mise en œuvre en tout début d'année de sixième, vise à accompagner les élèves dans la construction de la notion de « représentation ». Elle constitue un temps d'entrée dans les apprentissages en arts plastiques en permettant de poser des repères communs et de clarifier les enjeux liés au fait de représenter un référent.

Séance 1 : « Réalisez une belle représentation de votre figurine »
Utilisez des outils et matériaux que vous connaissez, que vous avez l'habitude d'utiliser.

Séance 2 : « Vous réaliserez une deuxième version mais avec des outils et matériaux que vous ne connaissez pas ou peu. »


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Léonard de VINCI La Joconde 1503-1506	Honoré DAUMIER Dupin Ainé ou l'orateur 1832	Jeff KOONS Balloon Dog (Magenta) 1994-2000

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à interroger les notions de ressemblance et d'écart par rapport au référent, en prenant conscience que toute représentation implique des choix et des transformations. Cette réflexion conduit également à aborder des questions transversales telles que celles du « beau », du goût et de la subjectivité du regard. L'étude de l'écart intentionnel permet notamment de mettre en évidence sa portée expressive et signifiante : par exemple, l'exagération peut devenir un procédé plastique permettant de produire un effet de caricature, de susciter le rire ou de transmettre un message.

Classe de 5ème : Comment soutenir une intention plastique en interrogeant des associations de matières avec de la peinture ?

Lien avec les programmes :
La matérialité de l'œuvre : l'objet et l'œuvre

La transformation de la matière
Les qualités physiques des matériaux
Le numérique en tant que processus et matériau artistiques
La représentation ; images, réalité, fiction
Le dispositif de représentation, la ressemblance

Notions abordées :
Matière, épaisseur, couches, recouvrement, empâtement, ressemblance, couleurs, nuances, immatériel, pixels, numérique

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une
intention artistique en restant attentif à l'inattendu
Recourir à des outils numériques de captation et de réalisation à des fins de création artistique.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Faire preuve d'autonomie, d'initiative, de responsabilité, d'engagement et d'esprit critique dans la conduite d'un projet artistique.
S'exprimer, analyser sa pratique, celle de ses pairs ; établir une relation avec celle des artistes, s'ouvrir à l'altérité

Déroulé de la séquence

Demande 1 (2 séances) : Réalisez une « PEAU de peinture » à cette photocopie. Vous
travaillerez directement sur la photocopie mise à disposition. Vous utiliserez obligatoirement
des matières et matériaux pour réaliser votre peinture.

Demande 2 (1 séance) : Munissez-vous de votre peinture et à l'aide du logiciel ArtRage,
utilisez les outils à disposition pour FAIRE CROIRE qu'il s'agit de la même peinture !


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Giacometti “Diego” 1954	LICHTENSTEIN “white brush” 1965	KIEFER “terre des 2 fleuves” 1995

Pendant cette séquence, les élèves sont amenés à identifier et à comprendre la dimension expressive d'une œuvre ainsi que les effets produits par l'usage de la matière dans un processus de création. Ils examinent la manière dont une matérialité affirmée — épaisseur, superpositions, diversité des matériaux — influe sur la perception de l'œuvre. Cette réflexion les conduit à interroger le contraste entre cette présence matérielle et l'immatérialité d'une image numérique, dont la nature intangible modifie le rapport sensible que l'on peut entretenir avec elle.

Classe de 4ème : En quoi un processus d'appropriation et de détournement d'une œuvre permet-il de porter un regard critique ?

Lien avec les programmes :
La représentation ; images, réalité et fiction

L'autonomie de l'œuvre d'art, les modalités de son auto-référenciation
La création, la matérialité, le statut, la signification des images

Notions abordées :
OUTIL, COULEUR, peinture, image numérique, FORME, ressemblance, écart,
composition, organisation, …

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une
intention artistique en restant attentif à l'inattendu
Recourir à des outils numériques de captation et de réalisation à des fins de création artistique.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.
Confronter intention et réalisation dans la conduite d'un projet pour l'adapter et le réorienter, s'assurer de la dimension artistique de celui-ci.

Déroulé de la séquence

Demande 1 (2 séances) : Choisissez une œuvre d'art et par les moyens de votre choix, en 2 dimensions ou en volume, décortiquez l'œuvre !
Vous n'utiliserez aucun mot ni écritures dans votre réalisation qui pourra se composer de plusieurs travaux.

Demande 2 (2 séance) : Choisissez une œuvre et faites-en une image publicitaire !
Il devra y avoir un lien évident entre l'œuvre et le produit dont vous faites la publicité ; L'œuvre, les éléments ajoutés et textes doivent former un tout.


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Edouard MANET “Le déjeuner sur l'herbe” 1862	Alain JACQUET “Le déjeuner sur l'herbe” 1964	N. SIMARIK “La déroute” 2006

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à s'approprier des œuvres majeures de l'histoire de l'art à travers la manipulation de reproductions envisagées comme des matériaux plastiques. Ils découvrent ainsi que travailler à partir d'une œuvre existante ne consiste pas à la reproduire à l'identique, mais à engager un processus d'appropriation et de détournement. Cette approche leur permet de comprendre qu'un artiste peut s'appuyer sur une œuvre préexistante pour créer et pour exprimer un propos ou transmettre un message.

Classe de 3ème :Une image abstraite peut-elle provenir d'un référent ?

Lien avec les programmes :
La représentation ; images, réalité et fiction

L'autonomie de l'œuvre d'art, les modalités de son auto-référenciation
Le dispositif de représentation

Notions abordées :
OUTIL, COULEUR, FORME, peinture, image numérique, forme, ressemblance, écart,
composition, organisation, …

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l'inattendu

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.
Confronter intention et réalisation dans la conduite d'un projet pour l'adapter et le réorienter, s'assurer de la dimension artistique de celui-ci.

Déroulé de la séquence

Demande (2 séances) : Ma photographie devient une image abstraite ! A partir de votre photographie de l'architecture du collège et sur le format de votre choix, réalisez une peinture abstraite.
D'une manière ou d'une autre, votre photographie sera le point de départ de votre réalisation abstraite.
Vous utiliserez des outils et matériaux que vous connaissez et avez pu découvrir lors de vos années en arts plastiques au collège.


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Claude MONET "Nymphéas, reflets de saule » 1916-19	W.KANDINSKY composition VII 1913	M.ROTHKO untitled 1947

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à travailler à partir de l'architecture du collège, qu'ils ont préalablement photographiée. La photographie, en tant qu'image permettant de saisir le réel, constitue le point de départ d'un travail de transformation vers l'abstraction. Cette démarche permet de redéfinir la notion d'abstraction avec les élèves, d'en comprendre l'émergence dans l'histoire de l'art et d'engager une réflexion sur les formes, les couleurs ainsi que sur les enjeux de composition et d'organisation de l'espace plastique.

Marion LARPENT

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Mael Judic — 2026-03-07T16:13:10Z

Dans quelle mesure une production peut-elle articuler les notions de fragment et d'unité pour construire une représentation cohérente et signifiante du paysage ?

Cette séquence, conçue pour les élèves de 1ère Spécialité Arts Plastiques, s'inscrit dans la partie du programme : « Les enjeux de la représentation, de ses langages et de ses moyens plastiques ». Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain, par l'affirmation de différents degrés de distance au référent.

Organisation de la séquence

La première séance (2 heures) est dédiée à la présentation du projet et à une immersion directe dans le champ artistique contemporain. Les élèves participent à un atelier de pratique plastique avec l'artiste Tom Nadam, qui expose dans la galerie de l'établissement, dans le cadre du dispositif De Visu. Cette rencontre permet d'ancrer la réflexion théorique dans une expérience concrète de la création.

Entre la première et la deuxième séance, un travail personnel est demandé aux élèves pour enrichir leur culture artistique. Ils visionnent la vidéo de présentation de l'exposition « Paysage, Fenêtre sur la nature », tenue au Musée du Louvre-Lens entre mars et juillet 2025. Ce visionnage doit être accompagné d'un travail de prise de notes, visant à alimenter leur réflexion avant la mise en pratique.

La deuxième séance (2 heures) reprend la réflexion autour de « Fragments et unité dans un paysage ». Elle commence par une réflexion et une analyse collective de la problématique. Les termes clés sont définis à l'oral : le fragment (morceau, partie), l'unité (homogénéité, cohérence, assemblage), le paysage (ce que l'on voit, point de vue, cadrage, nature) et l'hétérotopie (lieu autre, imaginaire, cosmos, utopie). À l'issue de cette analyse, le travail plastique se poursuit.

Évaluation et aticulation avec les programmes

L'évaluation de cette séquence porte sur la capacité des élèves à expérimenter, produire et créer, ainsi qu'à mettre en œuvre un projet artistique. Elle inclut également la capacité à exposer l'œuvre, la démarche et la pratique :

Créer un paysage à partir de fragments (photographies, collages, objets, matériaux divers) pour créer une image globale cohérente ;
Proposer une analyse critique de sa production : les élèves doivent exposer leur démarche de création, les choix esthétiques et conceptuels qui ont guidé leur projet, ainsi que les difficultés rencontrées et les solutions trouvées ;
Contribuer au dispositif scénographique.

Les élèves travaillent à partir d'images de paysages brûlés ou désolés - thème central de son œuvre. Sur des supports papier de différents formats, chacun doit extraire un fragment de l'image (recadrage, agrandissement) puis retravailler textures et couleurs avec différents médiums.

L'exercice ne se limite pas à une simple copie : il propose une confrontation concrète entre photographie et matière picturale, entre échelle choisie et lisibilité du détail, invitant à réfléchir au geste, à la surface et à l'interprétation chromatique.

Une visite préalable du site de l'artiste et de son exposition a préparé le travail en atelier, et Tom Nadam a présenté sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de ses compositions, afin que les élèves saisissent le lien entre fragmentation et assemblage.

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

• Comment faire unité à partir du fragment ?
• Comment créer une cohérence plastique au sein d'un ensemble hétérogène ?
• Quelles caractéristiques visuelles permettent de définir le genre du paysage ?

Ainsi, cette séquence permet de lier la pratique plastique à une réflexion critique sur la construction de l'espace et sa représentation contemporaine.

Quelques informations sur l'artiste intervenant

"Diplômé des beaux-arts de Caen en 2018, aujourd'hui, Tom Nadam vit et travaille à Rennes.

Animées par un sentiment de faux calme, ses peintures révèlent des moments de flottement, des environnements bouleversés et des figures en déclin. Cette atmosphère si particulière naît d'un danger tapis dans l'ombre, d'une sensation d'instabilité ou d'une menace passée. Pour favoriser ces jeux de tension, Tom joue du contraste et de l'ambiguïté des motifs qu'il utilise. Il puise son inspiration dans des excursions marquantes. Islande, Etna et Champs Phlégréens plantent le décor de ses meutes imprévisibles. Le chien est la première figure qui alimente une dualité dans son travail. Entre monde des morts et monde du vivant, fidèle compagnon et bâtard errant, dominé comme dominant, il traduit une tension constante. Sans morsure, ni blessure, ni sang, une certaine animosité se dégage pourtant des compositions. Plus récemment, les violents feux de forêts survenus en 2022 ont profondément affecté sa pratique. Tom représente alors une nature grondante, sauvage, révoltée et démesurée. En s'immergeant dans les Monts d'Arrée, à Lussas et dans la plaine des Maures, il récolte les vestiges de ces terres arides qui lui évoquent des formes familières. Ainsi, dans un climat quasi désertique, apparaissent tels des mirages : roches, objets trouvés, crânes, meutes diaphanes ou autres silhouettes étranges. Tom dresse leur portrait, qui, dans un état de fulgurance, semblent aussi précieux que fragiles. À travers les épaisses fumées, ces éléments se dévoilent comme les rescapés de ces drames, incarnant un semblant d'espoir."

Intervention de l'artiste Tom NADAM

À partir d'images de paysages en feu ou désolés après son passage (thème de son travail), et des supports en papier prédécoupés (20 X 20, 40 X 20 et 40 X 40 cm) les élèves devaient reproduire à l'échelle une partie de l'image (recadrage, agrandissement) et surtout retravailler les textures et les couleurs en découvrant la peinture acrylique. Une visite du site de l'artiste et de l'exposition avait été faite en amont. Tom Nadam a aussi expliqué sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de son travail.

La taille des supports permet une installation rapide et facilité des travaux d'élèves dans la galerie pour un accrochage lors du vernissage à suivre (panoramique, mosaïque, pixels ?...). Un temps d'une demie heure a été alloué avant le vernissage de l'artiste dans la galerie pour que les élèves investissent en commun le mur dédié avec leur travail. L'accrochage a donc été fait en classe entière, en autonomie, mais avec la présence de l'artiste et des enseignants pour justifier les divers choix (hauteur, choix des motifs, couleurs, composition, brillance, unité, "trous de respiration"...).

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Entre la première séance et le deuxième, un travail devait être mené à la maison. Les élèves devaient visionner une vidéo de présentation de l'exposition Paysage : Fenêtre sur la nature. Il s'agit d'une exposition ayant eu lieu au Musée du Louvre Lens du 29 mars au 24 juillet 2025. Il s'agissait aussi pour les élèves de prendre une série de notes écrites.

Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens
Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher

Réflexion et analyse collective de l'incitation

Au début de la deuxième séance, les élèves devaient produire un écrit durant 15 minutes autour des termes de l'incitation.

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Fragment : Morceau / Partie
Unité : Homogénéité / Cohérence / Ensemble / Assemblage / Construction
Paysage : Ce que l'on voit / Point(s) de vue / Cadrage(s) / Nature ?
Hétérotopie (lieux autre) : Imaginaire / Cosmos / Univers / Utopie

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

Cécile Malézieux et Florent Cordier

De l'INTERPRETATION du réel à la REPRESENTATION d'un imaginaire

Virginie Michel — 2026-02-01T18:09:27Z

Comment la perception et l'interprétation du réel peuvent-elles enclencher un univers imaginaire ?

Cette séquence a été réalisée par les élèves de Seconde option arts plastiques du lycée Thomas Corneille à Barentin.

" REPRÉSENTER , c'est fondamentalement engager un processus et mettre en œuvre des moyens pour donner à voir, principalement par une image fixe et animée (dessin, peinture, photographie, vidéo, etc .), mais aussi par un volume (sculpture, installation, etc.), des éléments qui relèvent de la réalité ou de la fiction, du monde proche et lointain ou de l'imaginaire. Pour l'enfant et l'adolescent, les activités de représentation avec des moyens plastiques forment, plus ou moins spontanément, des étapes fondatrices de son développement sensible et réflexif, individuel et au sein d'un collectif."

Extrait de Projet de programmes d'arts plastiques et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025


	*"A partir d'un paysage que vous avez vu, introduisez un élément surnaturel qui modifie cet espace en un paysage fantastique"*

Organisation de la séquence

Séance 1 : 3 heures

Présentation du projet
Croquis des premières idées.

Durant cette phase, je suis présente pour suivre l'évolution de leurs ébauches de manière individuelle. Je profite de ce moment pour sonder leurs intentions et comprendre leur démarche.
Les références artistiques choisies en amont sont présentées aux élèves mais en articulation directe avec les observations et échanges issus de la verbalisation.

Séance 2 et 3 : 6 heures en présence de l'artiste.

Présentation de la démarche artistique de l'artiste Zélie DOFFEMONT

A l'issue de cette présentation, chaque élève nous présente son crayonné. C'est l'occasion d'échanger, de permettre des modifications avant l'étape finale. Un point technique avec l'utilisation des stylos micron est réalisé avant la poursuite du travail graphique.

Articulation avec les programmes

• La ressemblance et ses codes : relation au modèle, tirer parti de l'écart avec la réalité
• Le dispositif de représentation
o Enjeux plastiques de la représentation d'une fiction, d'un événement ou d'un lieu réinventé ou-inventé, en fonction d'un imaginaire, d'un parti pris singulier, d'une interprétation personnelle

Quelques informations sur l'artiste intervenante

"Originaire de Picardie, Zélie Doffémont vit et travaille à Rouen depuis 2012.
Imprégnée depuis toujours par la littérature et le cinéma fantastique et gothique, le travail du dessin en noir et blanc fut rapidement une évidence. Aimant surtout créer des ambiances mystérieuses caressants l'étrange, Zélie Doffémont s'attache à exprimer symboliquement le possible déclin de l'humanité, en reformulant sa matière, avec celles présentes dans la nature.
Ainsi, à travers une nuée de petits points à l'encre, elle travaille les formes, joue de la lumière et tente de recréer un tissu vivace, sorte d'évolution, de mutation et/ou de renouvellement de l'espèce.
Chaque dessin pose le décor d'une histoire future, qui reste à dérouler et à s'enrichir de la vision émotionnelle du spectateur.
C'est une invitation pour chacun à se questionner sur l'avenir de l'Homme, une sorte d'utopie graphique."

Références artistiques prévues

• Les Caprices, terme qui signifie « fantaisie », une série de 80 gravures de Francisco de Goya
• Gustave Doré s'impose dans les œuvres en noir et blanc. Il excelle dans l'invention de formes naturelles anthropomorphes et surtout zoomorphes.
• De 1870 à 1895, Odilon Redon crée des dessins aux sujets imaginaires qu'il appelle ses « noirs », car il n'utilisa que la couleur noire (fusain noir et encre noire). Il illustre ainsi de nombreux textes, les siens et ceux d'auteurs qui explorent le fantastique comme Edgar Allan Pœ
• Le surréalisme est un mouvement qui touche tous les domaines artistiques : arts visuels, littérature, musique, cinéma…
Une œuvre surréaliste se compose d'éléments inattendus. Les artistes surréalistes déforment les objets pour créer de nouvelles approches plastiques et iconographiques. Les thèmes sont souvent le rêve, l'imagination, les phénomènes extraordinaires…
• Escher, Relativité, 1953 : L'œuvre représente un monde où les lois normales de la gravité ne s'appliquent pas. Dans ce monde, il y a en fait trois sources de gravité, chacune étant orthogonale aux deux autres.

Les références présentées lors de la deuxième heure permettent de rebondir très rapidement sur leurs premières idées. Pour chaque œuvre présentée, les élèves devaient décrire ce qu'il voyait, ce qu'il pensait de la technique et expliquer en quoi ces œuvres ont un lien avec le fantastique.

Afin d'étayer leurs propos, j'ai apporté quelques précisions en choisissant 3 axes chronologiques :

les œuvres avant le surréalisme,
le surréalisme,
les œuvres plus contemporaines.

Des extraits cinématographiques m'ont permis de les interroger sur les moyens plastiques utilisés pour susciter la peur (ombre et lumière, déformation, son, montage, typographie).

Quelques romans graphiques étaient à disposition des élèves tels que :

Moebius, Azarch
Marc-Antoine Mathieu, Le Début de la Fin.
Schuiten et Peeters, Le retour du capitaine Némo (cités obscures)
Emil Ferris, moi ce que j'aime c'est les monstres

Parmi les pistes exploitées par les élèves, nous retenons les suivantes :

atmosphère surnaturelle avec jeu d'ombres et de lumière,
brume,
mélange jour et nuit,
intrusion fabuleuse,
rendre liquide un élément solide,
trajectoire des reflets…

Cette étape au crayon leur a permis de transcrire sur le papier leur idée et de développer des compétences d'expérimentation et de création.

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Intervention de l'artiste Zélie DOFFEMONT

Dans ce cadre du Pass Culture, Zélie Doffémont est intervenue auprès des élèves pour évoquer son travail sur le fantastique. Chaque élève lui a présenté son projet, justifié sa démarche avant de réaliser l'étape finale.
L'artiste leur a transmis sa technique d'ombre et de lumière. Quelques élèves ont ressenti le besoin de modifier ou d'accentuer certains éléments de leur réalisation.

Quelques aperçus du début de la deuxième phase du travail

L'intervention d'un artiste induit un équilibre entre les objectifs d'apprentissage visés par l'enseignant et l'ouverture à une pratique artistique singulière : comment déterminer le rôle de chacun ?

Inviter un artiste au sein d'une classe d'arts plastiques engage nécessairement un jeu d'équilibre subtil entre deux dynamiques : d'une part, les objectifs d'apprentissage définis par l'enseignant, et d'autre part, l'ouverture à une démarche artistique singulière, incarnée par l'artiste invité. Cet équilibre, loin d'être spontané, se construit en amont, puis se déploie dans la rencontre entre les élèves, l'enseignant et l'artiste.
L'intervention de Zélie Doffémont illustre parfaitement cette complémentarité. Nous avions déjà collaboré au collège, autour d'un travail sur la danse macabre : sa présentation de sa technique avait alors fortement captivé les élèves. Forte de cette expérience, je lui ai proposé une nouvelle intervention, cette fois au lycée. Connaissant son univers plastique, la notion de fantastique m'a semblé un terrain fécond pour articuler sa démarche à des attendus précis du programme.

Avant sa venue, nous avons clarifié nos rôles. Je lui ai présenté le projet et les références artistiques que j'envisageais de montrer ; elle y a ajouté le travail d'Escher, permettant d'ouvrir davantage le champ des possibles. Ensemble, nous avons défini les contraintes plastiques à imposer aux élèves (format A5, papier épais) et elle a demandé la réalisation d'un crayonné préparatoire afin que les élèves anticipent ombres et lumières, condition essentielle pour exploiter ensuite le stylo micron.

Cette préparation partagée illustre ce que Laurence Espinassy nomme " l'incitation comme un outil propre à l'enseignement des arts plastiques" , pensé pour déclencher l'activité des élèves tout en ouvrant la possibilité d'une véritable rencontre avec les œuvres et les démarches artistiques. Dans ce cadre, l'artiste comme l'enseignant occupent chacun une place spécifique : l'ARTISTE apporte une pratique située, une sensibilité, une manière de faire ; l'ENSEIGNANT garantit la cohérence pédagogique, la progression des apprentissages et la diversité des possibles plastiques.
Le jour de l'intervention, la présence à deux voix a permis d'enrichir le dialogue avec les élèves. Chacun présentait sa vision, son approche : Zélie expliquait comment installer une ambiance sombre, notamment par le placement préalable des noirs et les effets de texture. De mon côté, j'accompagnais les élèves sur les questions de profondeur et de perspective. Toutes les deux, nous montrions comment réaliser des dégradés au stylo.

Ainsi, l'équilibre se joue dans un partenariat où les rôles ne s'opposent pas mais se complètent. L'artiste transmet des gestes techniques, une manière d'habiter le médium ; l'enseignant assure le cadre, les liens avec les attendus institutionnels, l'élargissement culturel. Ensemble, ils créent un milieu propice à l'expérience plastique — personnelle et collective — où la découverte singulière nourrit les apprentissages, et où les apprentissages permettent de mieux accueillir la singularité.

>> ESPINASSY Laurence, La rencontre avec l'œuvre - Enseigner les arts plastiques au collège, 2009

EXPOSER la pratique, la démarche, le sensible

EXPOSER sa PRATIQUE suppose d'expliquer sa démarche, d'écouter et d'accepter l'avis de ses pairs, mais aussi d'apprendre à regarder la production des autres. Ces contributions sont essentielles à l'éducation de la sensibilité des élèves. Sur ces différents plans, la pratique régulière de l'exposition représente une situation pédagogique particulièrement fructueuse. Inscrite das une dynamique de projet, elle permet d'installer collectivement les élèves dans une expérience complète de création, de l'idée première jusqu'à la monstration de la réalisation aboutie puis sa réception. prenant en compte les modalités perceptives de la production plastique, dans un contexte spécifique, l'exposition propose une expérience commune et socialisée au public, reliant différentes personnes et sensibilités autour du partage de cette expérience sensible."

Extrait de Projet de programmes et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025

Le travail final a été exposé dans le cadre de la Nuit de la Lecture et des Arts, vendredi 30 janvier 2026 de 19h à 22h au lycée.

Les élèves ont réfléchi à la mise en espace des productions dans la salle. La question de l'éclairage est essentielle pour s'adapter aux productions graphiques.

Ils ont été également médiateurs dans les différentes salles d'expositions pour accueillir un public nombreux.

Autrice : Alexandra PLANQUAIS

C'est trop !

Mael Judic — 2025-10-14T13:20:05Z

Document

Images de réalisations

ARTICLE 05 [ NIV 1-2-3 ] SCANNER un corps ou un objet réel en 3D à 360° pour visualiser le résultat en Réalité Augmentée ou en Réalité Virtuelle

Jean Noel — 2023-01-08T18:24:53Z

Pourquoi lirais-je cet article ? Quelles sont les usages pédagogiques proposés ?

[ NIV 1-2-3 ] En arts plastiques, avec le casque META QUEST 2, les créateurs ou les utilisateurs qui chercheront à savoir comment importer un objet 3D réel dans le casque auront ici une réponse. Cet article vous proposera de le visualiser seul ou de l'inclure dans un environnement spécifique (in situ ou non). Par la même occasion, nous verrons qu'il sera possible de transposer cette numérisation dans un espace réel en réalité augmentée. Avec tous ces usages possibles, la notion d'hybridation est mise en exergue. Pédagogiquement, avec leur enseignant, les élèves qui expérimentent (en situation de projet) dès la troisième ou en lycée, pourront être amenés à questionner ces relations. Très concrètement, on peut aussi envisager une monstration (interactive ou non) de travaux d'élèves en volume pour les restituer en dehors de la classe et de l'établissement (y compris pour l'oral du BAC).

[ NIV 2 ] Ce qui suit n'est pas abordé dans cet article mais après vos premières tentatives de numérisation et quelques erreurs plus tard, vous comprendrez par vous-même qu'une autre piste pédagogique pourrait vous amener à "détourner" l'usage du scanner 3D pour vous écarter de l'hyperréalisme attendu. Autrement dit : vous pourriez scanner un environnement, une personne ou un objet en visant intentionnellement l'écart, pour l'envisager non pas comme une erreur technique mais comme une expression, une sensibilité ou comme une pratique artistique particulière où le hasard et le BUG auraient leur place. En y réfléchissant, cet outil ne permettrait-il pas de revisiter le cubisme à l'ère du numérique ?

NB > Si vous voulez inclure cette création dans une galerie d'art virtuelle, c'est possible, mais comme cela nécessite des compétences techniques importantes et des manipulations numériques complexes [ NIV 4 ], nous traiterons cela dans un article dédié, ultérieurement. ]

Pour toute question éventuelle, nous vous informons qu'il est rédigé par :

pierrick.brissier@ac-normandie.fr [Enseignant dans un établissement scolaire classé REP dans l'ORNE / Interlocuteur Académique de Caen pour le Numérique de 2002 à 2022 / Formateur / Webmestre / et dorénavant membre du pôle de compétence numérique académique de Normandie]
jean.noel@ac-normandie.fr [Enseignant dans deux établissements scolaires dans le CALVADOS / RRUPN / Intervenant technique durant les formations numériques spécifiquement dédiées à la RV / Webmestre]

A / SCANIVERSE (pour iOS) c'est quoi ?

C'est une application qui permet de numériser bon nombre d'objets, de personnes, d'environnements réels. Autrement dit : c'est un SCANNER 3D !

Matériel compatible avec cette application exclusive à APPLE (iOS)
Précision : nul besoin d'avoir un LIDAR embarqué !!!
iPhones depuis 2018 ou plus récents :
iPhone 14 / 14 Plus / 14 Pro / 14 Pro Max
iPhone 13 / 13 Mini / 13 Pro / 13 Pro Max
iPhone 12 / 12 Mini / 12 Pro / 12 Pro Max
iPhone 11 / 11 Pro / 11 Pro Max
iPhone XR / XS / XS Max
iPhone SE (2è et 3è génération)
Tous les iPads avec un processeur A12 ou plus récents :
iPad (8è génération ou plus récente)
iPad Air (4è génération ou plus récente)
iPad Mini (5è génération ou plus récente)
iPad Pro 12.9" (3è génération ou plus récente)
iPad Pro 11" (Toutes générations)

TEST de PIERRICK > "SCANIVERSE est une application incroyable qui permet de numériser efficacement un objet ou un corps existant afin de le faire réapparaître dans le réel en réalité augmentée (avec un export USDZ) ou dans le casque au sein d'un espace virtuel (via > SKETCHFAB) ! Et si vous souhaitez créer une galerie d'art ou un environnement particulier avec BLENDER / SPOKE ou UNITY, l'export de fichier 3D (en OBJ ou GLB par exemple) s'avèrera un atout supplémentaire pour réinjecter cette modélisation dedans. L'application vous permettra également d'exporter le résultat sous la forme d'une vidéo avec de très nombreuses options de rotations. SCANIVERSE est une application que l'on installe dans son smartphone ou sa tablette mais elle est exclusive à APPLE. Il existe au moins une autre application alternative disponible pour ANDROID que nous aborderons également tout en bas de cette page."
TEST de JEAN > "SCANIVERSE fait partie de ces nombreuses apps sur iOS permettant de scanner en 3D grâce à la photogrammétrie. Au delà du fait d'être gratuite, elle présente l'avantage de tout faire en local. Dautres applications comme TRNIO, fonctionnent de la même façon, mais vont envoyer toutes les donnés dans des serveurs distants qui les traiteront pour réaliser le modèle 3D. SCANIVERSE, lui, fait tout sur votre tablette ou smartphone. Là où TRNIO peut prendre 15 minutes pour vous donner un résultat après la phase de scan, SCANIVERSE, lui, vous donnera un résultat en 3 ou 4 minutes pour les plus longs. Il permet également d'éditer votre modèle 3D en le recadrant et le redressant. Cerise sur le gâteau, SCANIVERSE propose de multiples formats d'exportation, là encore, gratuitement, tandis que les autres apps proposent souvent ce genre de choses dans leur partie payante. L'app est précise, voire très précise ; ce qui vous demandera un petit entrainement afin d'effectuer des scans d'une grande qualité. La technologie photogrammétrique ne permet pas de scanner les matériaux transparents ou translucides correctement, les surfaces unies et/ou brillantes sont également mal captées. Plus votre sujet est texturé et mat, plus votre scan sera efficace. Les petits objets seront également une difficulté. Un objet de 10 cm minimum vous assurera un résultat avec un minimum de qualité. C'est la seule app que j'utilise maintenant pour scanner des travaux d'élèves, des figurines, ou même des lieux ! Son seul vrai défaut est que cette app n'est disponible que sur les machines iOS."

B / [ NIV 3 ] Pourquoi et comment utiliser SCANIVERSE ?

Grâce à cette application, nous avons la possibilité de numériser des objets de petites ou de grandes dimensions, des personnes existantes, ou bien encore des environnements réels plus conséquents tels que des parois, des bâtiments, une rue... Ici, nous avons fait le choix de numériser notre collègue d'arts plastiques présente à la formation.

Voyons comment y parvenir :

Et maintenant, voici le résultat issu de cette NUMÉRISATION 3D :

C / [ NIV 3 ] Observons le résultat obtenu une fois UPLOADÉ (= transféré) vers SKETCHFAB :

Ce processus (d'upload = transfert) fut expliqué dans l'article spécifiquement dédié à SKETCHFAB.

NB : Lorsque le fichier issu de SCANIVERSE est exporté vers SKETCHFAB, il subit une compression c'est à dire une diminution des polygones qui constituent le volume numérisé. Par voie de conséquence, la résolution ou la qualité finale du volume visible est quelque peu amoindrie. Mais en zoomant, on s'aperçoit que cela demeure toutefois vraiment très satisfaisant. Le plus important étant d'avoir une excellente gestuelle qui enveloppera le volume à numériser. Plus la numérisation 3D sera propre et réussie avec SCANIVERSE, plus le résultat sur SKETCHFAB sera optimal.

Scaniverse - 3D Tran Phoummasak by Heefergant61 on Sketchfab

Pierrick BRISSIER by Brissier.P on Sketchfab

En cliquant sur l'affichage du "model inspector"dans la partie inférieure droite de SKETCHFAB, on pourra observer les polygones.

Sachez qu'il est possible de modifier la texture de l'objet numérisé pour lui donner une apparence semblable à de l'aluminium.

D / [ NIV 3 ] voici les TUTORIELS OFFICIELS du développeur de SCANIVERSE

https://scaniverse.com

E / [ NIV 2 ] POURQUOI et COMMENT REGARDER en RV (une numérisation SCANIVERSE exportée dans SKETCHFAB) ?

Pour retrouver la tridimensionnalité d'un objet numérisé lorsqu'il est inséré dans le réel en réalité augmentée, le spectateur tournera autour. Mais l'écran de visionnage (smartphone ou tablette) est en 2D. Utiliser un casque de Réalité Virtuelle vous permettra donc de voir l'objet 3D en 3D !

Après avoir numérisé le corps de Tran PHOUMMASAK avec SCANIVERSE, le modèle 3D fut exporté dans SKETCHFAB. En utilisant le Meta Quest2 (casque oculus de RV - Réalité Virtuelle), il est à présent possible de chercher et de retrouver le fichier 3D avec BROWSER (l'application servant de navigateur web dans le casque) sur le site internet de SKETCHFAB. Attendre le chargement complet du fichier au sein de la page puis cliquer précisément sur l'icône des lunettes en bas à droite

> View in VR <

Le spectateur verra en 3D le modèle 3D préalablement numérisé.
Le spectateur a la possibilité de se déplacer dans cet espace virtuel, tout autour du modèle.
Le spectateur a la possibilité de modifier l'échelle du modèle (augmenter/réduire).
Le spectateur a la possibilité de transporter ce fichier SKETCHFAB dans un autre espace interactif et communautaire. Par exemple en lien ici : HUBS MOZILLA. Espace dans lequel il sera possible de faire apparaître par exemple une galerie d'art préalablement créée par vos soins avec ce logiciel en ligne disponible avec ce lien : SPOKE ( Un article [ NIV 4 ] abordera ce sujet ultérieurement ).

F / [ NIV 1 ] POURQUOI et COMMENT REGARDER en RA (une numérisation SCANIVERSE exportée dans SKETCHFAB) ?

PÉDAGOGIQUEMENT : faire apparaître un modèle 3D personnel dans un couloir, sur un support ou dans un lieu spécifiquement choisi peut s'avérer intéressant en arts plastiques. On peut interagir avec l'œuvre. On peut questionner la notion d'échelle. On peut penser et créer une œuvre in situ pour projeter son installation future et sans détériorer le lieu. Mais en RA (= RÉALITÉ AUGMENTÉE) on peut également questionner la notion d'hybridation (Réalité numérique et réalité physique).

La réalité augmentée permet au spectateur de voir le modèle 3D à 360°, en tournant physiquement autour.

Rappelez-vous cette œuvre interactive intitulée :

Le veau d'or de Jeffrey SHAW

.
Avec son smartphone, il est dorénavant possible d'obtenir ce résultat en utilisant l'application SKETCHFAB. Avec deux doigts posés sur l'écran, le modèle qui apparaît en réalité augmentée (dans le lieu choisi) peut être redimensionné ou pivoté afin de le faire coïncider avec une zone réelle spécifique.

Cette vidéo vous montrera comment faire avec un modèle personnel mais il est possible de choisir une œuvre d'art numérisée qui provient d'une collection (sculpture du musée du Louvre par exemple).

G / [ NIV 3 ] WIDAR (pour ANDROID mais également disponible pour iOS)

TEST de MAËL > " WIDAR est une application performante et capable de produire des résultats assez bluffants. Contrairement aux autres, elle offre des outils de retouche efficaces après la prise de vue. Il est par exemple possible de gommer certaines parties du scan 3D. Il est également possible de "sculpter" le résultat grâce à des outils permettant de lisser, de creuser ou de gonfler certaines parties choisies du scan 3D. En revanche, on ne peut que regretter les nombreux bugs rencontrés, notamment au moment de la modélisation où l'application demande a être redémarrée à plusieurs reprises. "

WIDAR est une application de création de contenu 3D qui vous permet de numériser et d'éditer des modèles 3D sur votre smartphone. Vous pouvez profiter de la création de contenus 3D de haute qualité, visualiser directement sur l'appareil, jouer en RA et publier le contenu sur la communauté intégrée à l'application. En outre, vous pouvez également exporter du contenu 3D à utiliser dans le jeu, l'effet VFX dans les films, l'architecture, la construction, AR, VR, l'impression 3D et NFT.

Les 9 notions

Mael Judic — 2022-10-12T14:36:03Z

Retrouvez ici un document méthodologique à propos des 9 notions propres aux arts plastiques et à connaitre par coeur, dans leur polysémie.

- Pensée en acteS / Lumière, Espace, Couleur, Forme, Geste, Corps, Support, Outil, Temps, Matière, Collège, Lycée

ARTICLE 03 / Première expérimentation pédagogique de la RV avec les élèves de Jean

Jean Noel — 2022-09-28T21:17:04Z

Enseignant d'arts plastiques concerné par cette première expérimentation : Jean Noel.

jean.noel@ac-normandie.fr [Enseignant dans deux établissements scolaires dans le CALVADOS / RRUPN / Intervenant technique durant les formations numériques / Webmestre]

Quelques élèves de troisième se sont emparés d'un projet dont l'incitation est la suivante : "Que s'est-il passé ?"

Après réflexion, en groupe ou individuellement, ces quelques élèves se sont lancés dans la création d'une histoire et d'un lieu. Même si le lieu et l'histoire sont interdépendants, ce n'est pas tout à fait de l'in situ puisque le lieu n'est pas préexistant, il s'agit plutôt d'une "narration environnementale". Il s'agit aussi de réfléchir autrement à la place du spectateur. Ce dernier peut être passif ou semi actif, c'est à dire que les élèves ont prévu de disséminer des clés de compréhension et/ou ont défini un cheminement à travers l'espace et l'échelle de la création afin de donner une certaine lecture du travail fini.

Pour en savoir davantage sur ces termes, nous vous proposons de lire cet article avec l'aimable autorisation de son auteur (Nicolas Lafarge) : https://artcoregamer.nicolaslafarge.fr/composition-photographique-et-narration-environnementale-dans-life-is-strange/

Louise :

Clémence :

Erwann, Rose, Laura, et Simon :

ARTICLE 04 / Première expérimentation pédagogique de la RV avec les élèves de Pierrick

Jean Noel — 2022-09-28T21:16:53Z

Enseignant d'arts plastiques concerné par cette première expérimentation : Pierrick Brissier.

pierrick.brissier@ac-normandie.fr [Enseignant dans un établissement scolaire classé REP dans l'ORNE / Interlocuteur Académique de Caen pour le Numérique de 2002 à 2022 / Formateur / Webmestre / et dorénavant membre du pôle de compétence numérique académique de Normandie]

Quelques élèves de troisième se sont emparés d'un projet dont l'incitation était la suivante : "Le fantastique fait irruption dans le réel"

A une exception près (concernant l'incitation que je maintiens encore au collège), ma façon de travailler avec les classes de troisième est globalement similaire à la pratique d'atelier que je pouvais mettre en œuvre lorsque je travaillais au Lycée. Cherchant à mettre les élèves en situation d'autonomie progressivement depuis la sixième, ma démarche pédagogique a aussi pour objectif d'établir (maintenir ?) une continuité entre le cycle 4 et la seconde. (Supprimer le "gap", retirer un pallier, éviter une rupture).

Tous mes élèves d'une même classe ont certes une incitation commune en troisième mais les pratiques artistiques sont ouvertes, perméables, donc parfois hybrides. Pour cela, ils peuvent pratiquer en gravure, en sculpture, en photomontage avec un ordinateur ou un smartphone, réaliser des courts métrages audiovisuels commencés en classe durant les cours, continués dans la cour au lieu d'aller en permanence et finalisés (par exemple) en ville durant leur temps libre... Il y a trois ordinateurs, une vingtaine d'APN, mais je mets également à disposition deux casques METAQUEST2 (= OCULUS QUEST 2) pour mes élèves de troisième. Dans ces conditions, bien sûr, il n'y a que deux élèves qui peuvent l'utiliser simultanément dans la classe ou le couloir. Néanmoins, deux casques c'est mieux qu'un parce qu'il est alors possible de travailler en binôme, collaborativement.

Pour continuer la rédaction de cet article je vais juste copier/coller le travail réflexif que j'ai demandé à l'une de mes élèves [Wissal] à l'issue de sa pratique et de cette découverte. NB > ces mots sont les siens, j'ai juste pris la peine de corriger quelques coquilles...

Dans l'optique de réaliser un projet artistique, nous avons, moi et Manon, utilisé le casque VR (réalité virtuelle) Oculus Quest 2, qui nous a permis d'obtenir une image 3D, dans le thème donné par l'enseignant : « Le fantastique fait irruption dans le réel ». Ce thème nous a inspiré, ce qui nous a permis de réaliser une image dans laquelle il y a, en arrière plan, un portail que l'on peut appeler « portail dimensionnel » duquel sortent des « monstres » affreux et effrayants. Au premier plan, nous pouvons apercevoir un livre ouvert qui « perd » ses pages : celles-ci nous indiquent les différentes étapes d'apparitions de ces monstres et le portail. Il y avait également de dessiné, plusieurs livres qui nous montrent que la personne qui est face à cet événement et qui aperçoit ces monstres est un grand lecteur de romans fantastiques et de thrillers. Par ailleurs, le portail ainsi que les monstres sont « emprisonnés » dans une cage, faite avec des lignes en foudre/électricité blanches. Par ces mêmes lignes, sont reliés les livres avec les pages qui montrent les différentes étapes d'apparitions de ce phénomène surnaturel, et au dessus de cette « cage » est inscrit « reality » (avec des écriture transparentes dans lesquelles une ligne violette est en mouvement) qui nous montrent ce que voit la personne.
Cette image nous fait donc hésiter entre le surnaturel avec ce que pourrait voir le lecteur (la personne, le spectateur) et le réel, avec tous les livres qui nous montrent qu'il est possible que cette personne fait face à des hallucinations, à force de lire des livres de genre fantastique : le fantastique est cette hésitation entre le réel et le surnaturel.

Nous pouvons maintenant nous interroger sur ce casque, qui nous a permis de réaliser ce projet artistique : quels sont ses points positifs et négatifs (selon moi) ? Les paragraphes suivants aborderont, de façon générale, les avantages et les inconvénients de ce casque appelé Oculus Quest 2, et plus précisément l'application (MultiBrush) que nous avons utilisée…

La mousse du casque qui est en contact avec la peau est protégée par une couverture souple en silicone, c'est hygiénique, nettoyable après chaque utilisation et agréable. Parfois, avec le port du masque en papier sur le visage, il y avait un peu de buée, c'était dommage car c'était parfois flou, il fallait alors nettoyer les lentilles. Globalement ce casque est très agréable.

Tout d'abord, après l'avoir allumé, ce qui est d'ailleurs une étape facile et rapide, et après avoir défini le guardian, qui sera notre zone d'activité que l'on ne doit pas dépasser, nous entrons directement dans un endroit, au choix (cet environnement est un peu comme notre maison). Ensuite, nous pouvons accéder à des applications telles que des jeux... Mais celle que nous avons toujours utilisée n'est pas un jeu, c'est : Multibrush. Cette application nous a permis de réaliser des images en 3D. Jusque là, j'ai trouvé ce processus assez simple et assez rapide, il n'y avait pas de bugs… Néanmoins, parfois, pour le guardian, il pouvait nous arriver de le redéfinir car lors d'une utilisation précédente, il se pouvait que l'utilisateur ait changé de place ce qui peut s'avérer un peu long au début.
Multibrush est une application avec un libre choix d'outils, de couleurs, de pinceaux… Nous pouvons donc représenter différents matériaux, aspects, états, telles que la fumée, le feu, la foudre etc. De ce fait, nous avons l'embarras du choix pour réaliser notre production. Nonobstant, je trouve ça compliqué lorsque l'on utilise la gomme pour effacer, par exemple, juste une petite partie de notre dessin (comme une gomme réelle) car la gomme efface directement l'entièreté de cette partie. Heureusement, nous pouvons modifier l'épaisseur de chaque outil (y compris la gomme) ce qui nous permet d'être plus précis, donc nous pouvons faire moins d'erreurs.
Par ailleurs, je trouve qu'il serait très bien d'avoir un outil qui permettrait de remplir une surface d'une certaine couleur sans pour autant la colorier : cela nous permettrait de gagner beaucoup de temps, car je prenais du temps à les remplir même en dézoomant. De plus, je dépassais à quelques endroits (même si j'utilisais les patrons et zoomais parfois) et je laissais des endroits sans couleur.
En outre, j'ai trouvé cela plutôt compliqué de dessiner en 3D surtout des personnages non stéréotypés et j'aurais aimé pouvoir faire des croquis au préalable, cela rendrait le travail beaucoup plus précis et un rendu bien meilleur. Premièrement, nous avons commencé par créer le portail en utilisant un outil qui permet de faire des sortes de longs fils d'ADN de toutes les couleurs et nous avons fait une sorte de spirale pour que le portail soit circulaire. D'ailleurs, ces fils étaient en mouvement. Deuxièmement, pour les monstres nous avons utilisé des patrons et nous avons colorié par dessus, puis dessiné les éléments du visage (les yeux, la bouche, etc) en rajoutant des cicatrices et en rendant ces éléments « monstrueux » (grand sourire diabolique, grands yeux violets,...). Aussi, autour des des monstres, nous avons utilisé des outils permettant de réaliser de la fumée, des bulles,… Ensuite, pour les livres, nous avons utilisé un outil qui permettait de dessiner des lignes avec du volume et nous l'avons combiné avec l'outil « règle » pour réaliser des rectangles (droit) ou plutôt des pavés droits et en utilisant des feutres/crayons pour écrire les titres et dessiner une page de garde (avec une illustration en rapport avec le titre). Enfin, pour relier les différents éléments (les livres et le livre expliquant les différentes étapes d'apparitions, qui est relié à ses pages détachées, sont tous reliés à un autre mini portail qui lui même est relié à la cage) nous avons utilisé un outil qui nous permet de faire apparaître des lignes d'électricité/ de foudre en mouvement (le mini portail dimensionnel a été fait avec ce même outil).
Pour ce qui est du support, nous n'en n'avions pas vraiment, nous dessinions dans le « vide » la plupart du temps. Toutefois, parfois, notamment pour les formes bien précises, nous utilisions un outil que l'on peut appeler « patron », ce qui nous permettait d'obtenir des ellipsoïdes pour la tête des monstres ou leurs corps par exemple, en coloriant dessus. Ce qui diffère grandement des feuilles de papier de dessin ou des toiles des tableaux, dans lesquels nos crayons/outils, ont un contact direct !
Le vide de la salle d'arts plastiques n'est pas le même que le vide du casque. En effet, lorsque nous utilisions le casque, nous étions comme dans une nouvelle dimension, qui nous fait oublier la vrai vie et donc la salle d'art, car même si nous nous situons dans le même endroit, ce que nous voyions de nos yeux est totalement diffèrent de ce qui se passe réellement. Toutefois, en appuyant deux fois sur le côté du casque, nous pouvons apercevoir notre vrai environnement, mais en noir et blanc.
Ce que j'ai également trouvé incroyable, c'est l'échelle de la création, ainsi que ce qui va avec, l'échelle du spectateur. Effectivement, nous pouvons parfaitement varier cette échelle, de la taille la plus petite, à la plus grande, de la taille d'un humain, d'un éléphant, d'un dinosaure, et toutes sortes d'autres créatures, de différentes tailles, opposées. Cela peut nous aider à être plus précis (en zoomant) ou au contraire, en dézoomant pour faire une création en plus grande dimension, rapidement, mais moins précisément. En outre, puisque cette échelle est conservée malgré la déconnexion du casque, lorsque un utilisateur se reconnecte et ouvre la création, il peut tout de suite avoir un effet de surprise, si nous arrangions l'échelle de façon spéciale (en zoomant par exemple en face d'un point de vue effrayant, surprenant). Nous pouvions nous déplacer de deux façons différentes, soit en « marchant », soit en utilisant l'outil avec deux pas représentés, qui nous permettait de localiser une place et d'y accéder instantanément.
Avec Manon, nous nous partagions chacune la partie du travail à réaliser et nous communiquions nos idées grâce au microphone intégré du casque, même si nous ne nous voyions pas et que nous étions éloignées l'une de l'autre. Toutefois, nous pouvions en temps réel voir nos positions (où l'on se situe), car nous pouvons percevoir nos casques blancs respectifs, avec son nom (Jean ou Maryse). Avant chaque cours, nous faisions le point sur notre travail et nous donnions des idées même si parfois, cela arrivait instantanément, lorsque nous dessinions. Pour nous permettre de travailler en collaboration, nous devions juste créer une « room » avec notre mot de passe pour que d'autres personnes ne puissent pas venir nous déranger.
J'ai constaté de nombreuses différences entre le réel et le virtuel mais également quelques points communs. Tout d'abord, l'environnement était très différent ! Entre la classe avec les élèves, l'ambiance, les activités… et le casque virtuel dans lequel nous avons choisi un environnement semblable à celui de l'univers, sombre, insonore, avec une ambiance pesante…Toutefois, nous étions dans un seul et même lieu, la classe d'arts plastiques. Ensuite, pour ce qui est de notre création, nous n'aurions pas pu la réaliser avec un autre support tel que le papier, car, évidemment, les effets spéciaux que nous avons réalisés ne sont réalisables que sur Multibrush, ou alors, avec une application de graphisme (que l'on peut utiliser via une tablette) telle que Procreate par exemple.
Pour ce qui est de l'espace, personnellement, au vu de notre création, je considère que nous sculptons et que nous dessinons en même temps, car, par définition, dessiner signifie représenter quelqu'un, quelque chose par un dessin, en tracer, en reproduire la forme, les contours ou les volumes mais en 2D. Et sculpter, c'est créer une œuvre d'art en trois dimensions par tout procédé : on constate donc que les deux correspondent à ce que nous avons réalisé.
Pour conclure, puisque c'est la première fois que nous utilisions cette application appelée Multibrush, je pense que nous ignorons encore de nombreux outils, de nombreuses techniques et d'autres possibilités car nous ne l'avons pas encore exploitée/testée complètement. Mais de façon générale, il manquait malheureusement quelques outils et bien sûr notre expérience personnelle, en art/dessin pour réaliser de bonnes images en 3D car les dessins en 3D sont plus compliqués que ceux en 2D. ( Ce que l'on dessine sur les carnets, avec des feuilles par exemple, même si les outils de cette application nous aident grandement). De surcroît, je trouve ce concept extraordinaire ! Lorsque nous étions à « l'intérieur » du casque, nous avions presque l'impression d'être dans un autre endroit, ce fut une très belle expérience.

Wissal.

Reality

Souvenirs

_

Rime est une autre élève de troisième qui a aussi utilisé la VR pour aborder la citation : "Le fantastique fait irruption dans le réel".

Voici la note d'intention de Rime concernant son projet :

" A travers mes peurs enfantines, j'ai voulu illustrer que le fantastique aussi imaginaire qu'il puisse être, n'est jamais très loin, ou du moins n'est pas à dissocier, de la réalité. Petite, les portes entr'ouvertes à travers lesquelles nous ne pouvons rien percevoir m'ont toujours effrayées et intriguées. Elles nous mettent dans une situation de désavantage. Je me suis toujours imaginée que toutes sortes de créatures étranges et effrayantes pouvaient surgir de l'obscurité. "

_

ARTICLE 01 / INTRODUCTION : Pédagogie et réalité virtuelle immersive

Jean Noel — 2022-09-28T21:16:09Z

Bonjour à toutes et à tous, cet article est consacré à la réalité virtuelle immersive
(RV pour Réalité Virtuelle ou VR pour Virtual Reality).

Pour toute question éventuelle, nous vous informons qu'il est rédigé par :

pierrick.brissier@ac-normandie.fr [Enseignant dans un établissement scolaire classé REP dans l'ORNE / Interlocuteur Académique de Caen pour le Numérique de 2002 à 2022 / Formateur / Webmestre / et dorénavant membre du pôle de compétence numérique académique de Normandie]
jean.noel@ac-normandie.fr [Enseignant dans deux établissements scolaires dans le CALVADOS / RRUPN / Intervenant technique durant les formations numériques / Webmestre]

OCULUS QUEST 2 = META QUEST 2.

Pour commencer, nous utilisons le casque de RV suivant > OCULUS QUEST 2 renommé récemment META QUEST 2 dont le tarif approximatif est de 350€ env. (Ce changement de nom s'explique par un rachat de la société Oculus par celle de Facebook renommée dorénavant META).
Pour davantage d'informations concernant ce casque et ses fonctionnalités : https://store.facebook.com/fr/quest/products/quest-2

Son utilisation pédagogique peut démarrer au collège sous certaines conditions.

Nous respectons la préconisation principale du fabriquant > ⚠️ Ne l'utiliser qu'à partir de 13 ans

Ce qui correspond approximativement au troisième trimestre de cinquième ; cela s'explique par des raisons essentiellement morphologiques liées au développement corporel et sensoriel de l'enfant.

⚠️ Attention > À ne jamais exposer les lentilles à la lumière du soleil si l'on ne veut pas les détériorer irrémédiablement ; toute utilisation extérieure est donc fortement risquée puisque cela pourrait engendrer des dommages irréversibles, (les casques seraient alors hors service). Pour ces mêmes raisons, vous serez particulièrement attentifs lorsque vous retirerez votre casque : ne pas le déposer ni même le laisser sur le rebord d'une fenêtre !

⚠️ Attention > À ne pas utiliser de lingettes alcoolisées pour nettoyer le casque car cela pourrait l'endommager. Au lieu de cela, vous pouvez utiliser des lingettes antibactériennes et non alcoolisées.

⚠️ Attention > À ne pas effectuer de réinitialisation d'usine sur le casque car cela supprimera tous les jeux, les applications et leurs sauvegardes / vous ne pourrez plus y rejouer ou y accéder, et nous ne pouvons pas non plus donner le casque à nos prochains clients.

⚠️ Attention > À ne pas laisser tomber ou jeter les contrôleurs au sol ou contre le mur. Utilisez les dragonnes !

Combien de casque(s) utiliser en cours ?

AVIS de PIERRICK :
(CONTEXTE : enseignant en collège dans un établissement de l'Orne classé REP, il y a 2 casques spécifiquement dédiés à une utilisation en arts plastiques puisqu'ils ont été achetés sur les fonds pédagogiques artistiques. Livrés en juin 2021, ils sont depuis utilisés en cours d'arts plastiques par des élèves de troisième et de quatrième).

"Selon moi, deux casques peuvent être suffisants. Un seul : c'est mieux que rien, mais deux c'est mieux ! 2 casques permettent des réalisations en binôme, donc c'est idéal pour un travail collaboratif ! Actuellement, grâce à l'expérience obtenue, et quelques moyens réatribués, on a pu en acheter un troisième. Je souhaiterais en obtenir un dernier car, en cours, je pense que 4 serait l'idéal. Soit vous faites travailler vos élèves en classe, debout et en stationnaire, alors 1mètre carré sera suffisant pour chacun(e), soit ils sont dynamiques et, comme moi, vous leur demanderez de travailler en toute liberté dans les couloirs de l'établissement. Ils pourront alors bénéficier d'au moins 4 mètres carrés chacun(e). Concernant l'usage des casques, je commence par une initiation en groupe restreint 2-8 élèves selon les conditions (en profitant par exemple du départ en voyage scolaire, des journées de neige... cela concerne alors ceux qui restent). Sinon, pour d'autres, je profite de 4 récréations pour les initier en quatrième. Après je leur demande d'être autonomes en s'autoformant avec nos tutoriels inclus dans les articles VR suivants. L'année suivante, lorsque les élèves arrivent en troisième, tout devient plus facile avec leurs acquis et leur d'expérience de quatrième... "

AVIS de JEAN :
(CONTEXTE : enseignant en collège dans un établissement du Calvados, il y a 13 casques. Ils ont été obtenus par une dotation du département. Ils ont pour l'instant été exclusivement utilisés dans un cadre pédagogique lié aux arts plastiques à destination d'élèves de troisième).
"Selon moi, 13 casques c'est trop à l'échelle d'une classe. Pour former des élèves par groupe de demi-classe c'est très bien, mais pour une utilisation en classe entière dans le cadre d'un cours d'arts plastiques c'est très difficile. L'espace d'une classe n'est pas suffisant pour faire cohabiter 13 utilisateurs avec autant de casques et 13 à 17 autres élèves sans casque. Il faut envisager le casque VR comme un outil au service de la création. Deux casques c'est un minimum ; quatre casques : un maximum (voire cinq si la salle d'arts plastiques est très grande ou que vous pouvez utiliser les couloirs. De prime abord, c'est une technologie qui peut s'avérer déroutante chez certains élèves, c'est la raison pour laquelle il peut m'arriver d'effectuer une mise en miroir sur une tablette. Cette technique de "Mirroring" est en partie rassurante parce qu'elle permet d'observer le processus et d'assister au résultat obtenu par l'utilisateur du casque, alors que l'observateur est à l'extérieur. A l'issue de ce visionnage, cela lui permet généralement d'être plus serein. Il peut ensuite se projeter et envisager lui-même de l'utiliser pour réaliser son futur projet."

Comment se former ?

L'expérimentation menée depuis maintenant 1 an permet d'avoir suffisamment de recul pour en parler et pour mettre en place des formations à destination d'enseignants du second degré. Entre février et juillet 2022 il y a eu trois temps de rencontre autour de cet outil. 30 enseignants d'arts plastiques de Caen et de Rouen (dont des formateurs) ont donc d'ores et déjà été initiés à son utilisation.
Nous proposerons des stages de formation à la VR pour la région Normande. Ils ont déjà débuté en tout début d'année 2022 pour les enseignants d'arts plastiques de Lycée (option). En septembre une formation équivalente sera reconduite pour les enseignant de lycée (Spé). Mais fin 2022 et jusqu'en 2024, il y en aura d'autres... La première (NIVEAU 1) sera adressée aux néophytes : il s'agira alors d'une initiation, d'une découverte, d'une prise en main. Deux niveaux supérieurs (NIV 2 & NIV 3) seront proposés pour les enseignant(e)s qui veulent aller plus loin dans cette démarche. Ces deux formations seront donc particulièrement destinées à ceux et celles qui envisagent très sérieusement l'acquisition de casques dans leur établissement ou bien s'ils veulent se perfectionner car ils en ont déjà !

En temps de formation, (compte tenu des retours de nos stagiaires et de notre expérience) nous constatons qu'une journée sera suffisante pour accéder au NIVEAU 1. Deux journées de plus seront nécessaires pour passer le NIVEAU 2. Le NIVEAU 3 sera normalement acquis à l'issue de deux autres journées de formation supplémentaires, mais aussi dès lors que votre usage personnel et que votre pratique pédagogique intègre la VR régulièrement ou, à minima, plusieurs fois dans l'année.
Par exemple, en février 2022, deux enseignants d'arts plastiques en collège ont acquis le NIVEAU 1 puis le NIVEAU 2 à l'issue de deux journées de formation numérique consécutives. Durant ce même temps, deux autres enseignants d'arts plastiques en lycée qui avaient déjà une très bonne voire une excellente maîtrise de l'outil et qui l'avaient déjà utilisé avec un ou plusieurs élèves, ont acquis le NIVEAU 3 puis le NIVEAU 4 en réalisant toutes les étapes décrites dans ce tableau de formation ci-dessous.
En résumé, nous estimons que 4 à 6 jours de formation seront nécessaires pour acquérir ces 4 niveaux si, entre temps : votre investissement personnel et votre pratique pédagogique avec la VR s'avèrent suffisants, voire conséquents.

FORMATIONS à la RV avec un casque META QUEST 2 proposées entre 2022 et 2023

[ NIVEAU 1 > INITIATION ] [ NIVEAU 2 > EXPLORATION ] [ NIVEAU 3 > ACQUISITION ]

Etre capable de : Etre capable de : Etre capable de :

Suivre les indications des formateurs pour se repérer dans l'environnement immersif au sein du casque / Démarrer un premier didactitiel VR au choix : FIRST STEPS ou FIRST CONTACT / Découvrir et tester deux logiciels utilisés en arts plastiques : OPENBRUSH puis MULTIBRUSH avec le mode simplifié / Différencier : store officiel et App Lab DB / Repérer, choisir puis regarder une vidéo immersive avec OCULUS TV / Visionner un dessin animé immersif avec VR ANIMATION PLAYER / Utiliser le navigateur BROWSER dans le casque pour accéder aux ressources muséographiques de SKETCHFAB / Retirer les manettes et tester la manipulation manuelle, digitale, grâce au didactitiel HANDS. Maîtriser les applications artistiques et leurs fonctions avancées de OPENBRUSH en étant un utilisateur relativement autonome (Créer ; Sauvegarder ; Retrouver ; Ouvrir ; Supprimer). / Lancer MULTIBRUSH puis une ROOM pour créer en collaboration / Découvrir SKETCHFAB avec le BROWSER / Lancer un MIRRORING sur tablette ou smartphone pour visualiser en direct ce qui se passe dans le casque alors que vous êtes un observateur externe. / Parcourir le store officiel et App Lab DB pour repérer des logiciels et les installer. / Etre capable de retrouver des personnes ou amis ; envoyer et accepter des invitations ; pour se former à distance ou parler en discussion privée (audio et/ou écrit). Faire fonctionner le casque en étant parfaitement autonome. / Utiliser pédagogiquement le casque en cours d'arts plastiques et savoir faire face aux problèmes techniques liés aux usages courants des élèves / Maîtriser le MIRRORING / Utiliser SCANIVERSE ou WIDAR pour scanner et numériser le réel en 3D / S'inscrire sur SKETCHFAB puis uploader ses fichiers 3D afin de les voir en RA (réalité augmentée) ou bien pour les réimporter dans le casque en VR via BROWSER

Valider l'espace restreint défini par le casque au démarrage du casque > Limite stationnaire et circulaire de 1 m2 maximum. (Assis ; Debout). Définir soi-même son espace de déplacement au démarrage du casque > délimiter un GUARDIAN avec une Roomscale de 4 m2 minimum. (Déplacements autorisés mais relativement restreints). Redéfinir la zone du GUARDIAN à n'importe quel moment sans redémarrer le casque. (Liberté des déplacements dans un espace conséquent d'au moins 16 m2).

Objectif : Découvrir le potentiel de la RV. Objectifs : Expérimenter la RV / Envisager l'utilisation de la RV dans un cadre pédagogique avec un ou deux élèves et pourquoi pas tenter un dispositif de cours avec la RV. / Pouvoir se former à distance en Audio = communication téléphonique en VR. Objectifs : Maîtriser la RV / Intégrer la RV à ses cours, donc être capable de former ses élèves à la RV. Leur proposer des dispositifs de travail collaboratifs en local ou inter-établissements au niveau académique.

FORMATION déjà proposée en 2023 :

[ NIVEAU 4 > CERTIFICATION ]

Etre capable de :

Passer son casque en MODE DÉVELOPPEUR puis retrouver des fichiers dans la mémoire interne du casque / Réaliser des captures écran de son travail et même des vidéos / Extraire, exporter les fichiers vers un PC avec un câble USBC>USB puis les retrouver / Valoriser ses travaux d'élèves avec les vidéos capturées et-ou avec les exports vers SKETCHFAB

Objectifs : Identifier des ressources pertinentes en lien avec la RV ; les partager / Promouvoir des pratiques pédagogiques avec la VR ou la RA en arts plastiques

FORMATION possible ultérieurement

[ NIVEAU 5 > EXTRAPOLATION ]

Etre capable de :

Pouvoir se former à distance en Visio VR avec son avatar 3D et HANDS dans Horizon WORKROOMS. / Créer un environnement de monstration (par exemple une galerie d'art) avec SPOKE puis le visualiser dans MOZILLA HUBS / Exporter ; exposer ses réalisations MULTIBRUSH ou SCANIVERSE dans SPOKE puis MOZILLA HUBS. / Après avoir installé le moteur de jeu 3D UNITY, importer ses fichiers 3D dans ce logiciels pour générer un Motion tracking vidéo

Objectifs : Créer un environnement 3D pour permettre à n'importe quel spectateur d'utiliser une manette, un clavier directionnel afin de visualiser le contenu du casque avec un pc ou dans un environnement VR de manière interactive. / Promouvoir des pratiques pédagogiques avec la VR en arts plastiques et envisager de l'interdisciplinarité / Tutorer un stagiaire à distance en VR / Former un ou plusieurs collègues.

Quel est le cadre de cette expérimentation ?

Tout d'abord, il faut savoir qu'il y a actuellement une dynamique favorisant le déploiement de matériels (tablettes / web radio / casques) dans l'espoir de voir apparaître des usages et des pratiques numériques innovantes. Dans ces conditions, certains établissements scolaires ont déjà été dotés de 13 casques de RV par leur conseil général entre 2021 et 2022.
Nous pouvons citer par exemple le collège de Jean Vilar à Saint-Sever dans le Calvados, ou encore le collège Charles Lemaitre à Aunay sur Odon dans le Calvados.

Par ailleurs, cette pratique innovante s'inscrit dans la continuité d'un parcours de recherches et d'expérimentations artistiques numériques recensées notamment dans les lettres EDUNUM N°23 et N°25 parues sur éduscol. Il est toutefois nécessaire de rappeler que ces lettres n'abordent pas spécifiquement l'immersion dans la RV (Réalité Virtuelle) et l'utilisation du casque. La lettre N°23 aborde particulièrement la notion d'hybridation alors que la lettre N°25 traite davantage des notions de création, de monstration, d'exposition.

A la question : la notion d'hybridation peut-elle être en lien avec l'utilisation du casque de réalité virtuelle ? La réponse est affirmative car ce qui est généré dans le casque en trois dimensions peut être exporté sous la forme d'un fichier 3D que l'on peut faire apparaître en réalité augmentée (avec notre smartphone ou une tablette) sur un tabouret de la classe par exemple. L'objet ou dessin 3D peut alors être visionné par le spectateur en effectuant une rotation ou en modifiant son axe de vision (en plongée ou en contre plongée). Cette modalité de présentation est alors similaire à celle de Jeffrey SHAW > https://www.jeffreyshawcompendium.com/portfolio/golden-calf/
* Il faut noter que cette modalité de présentation n'a rien à voir avec le dispositif de visionnage qui se nomme "Mirroring" : c'est une technique qui consiste à voir sur tablette ou smartphone ce que l'auteur de la création voit dans le casque au même moment. C'est donc synchrone. Contrairement à la réalité augmentée qui sera asynchrone puisque l'objet ou le dessin 3D ne sera plus visible dans le casque, au même moment, et dans les mêmes conditions. Lien > https://youtu.be/UN4uCrqNGg0

A la question : le casque peut-il être à la fois outil de création, de monstration, d'exposition ? La réponse est affirmative car si le dessin en 3D (ou la modélisation volumétrique) peut être conçu dans l'espace de l'application (comme dans un logiciel de modélisation 3D avec ses grilles et ses repères orthonormés), le créateur a la possibilité de réfléchir et de conditionner le point de vue du spectateur, mais cette création peut être aussi réimportée dans une galerie virtuelle immersive que l'on peut visiter à plusieurs si chacun utilise un casque. Il est néanmoins possible de visiter cette galerie avec un ordinateur, une tablette ou un smartphone...

LETTRE EDUNUM N°23 > https://pedagogie.ac-rennes.fr/sites/pedagogie.ac-rennes.fr/IMG/pdf/lettre_edu_num_no23_arts_plastiques_avril_2019.pdf

LETTRE EDUNUM N° 25 > https://eduscol.education.fr/document/3634/download

Deux citations d'Edmond COUCHOT : https://www.cairn.info/revue-corps-2015-1-page-83.htm

" L'espace dans lequel nous plonge la réalité virtuelle peut virtuellement s'étendre dans plusieurs dimensions, obéir à toutes les lois d'association, de déplacement, de translation, de projection imaginables. Il n'appartient à aucun lieu propre, à aucun topos : c'est un espace utopique. Mais il produit le même effet de réalité, de présence, sur nos perceptions que l'espace où nous avons l'habitude d'évoluer. L'utilisateur peut y pénétrer, y interagir et y vivre des expériences réalisables ou irréalisables dans l'espace usuel. À l'instar de l'espace utopique, le temps numérique se déploie hors du temps chronique où nous vivons que nous balisons avec nos horloges et nos calendriers. Lorsque nous sommes immergés dans la réalité virtuelle, nous vivons des événements qui se tiennent hors du temps chronique. Ce temps est fonctionnellement homologue à l'espace utopique : c'est un temps uchronique. Ce temps se réinitialise ou prend fin à son gré, se revit indéfiniment. C'est un temps virtuel – en puissance – qui s'actualise en instants, durées, simultanéités particulières. Un temps hors du temps réversible de la mécanique classique, mais aussi hors du temps thermodynamique fléché par l'entropie, un temps qui s'expanse ou se contracte en d'innombrables enchaînements, bifurcations et arborescences de causes et d'effets".

"Pour favoriser l'immersion de l'utilisateur en substituant au monde qui l'entoure habituellement un monde artificiel lui procurant des sensations analogues, les dispositifs de réalité virtuelle sont confinés et insonorisés. Mais d'autres dispositifs informatiques, comme ceux de la « réalité augmentée », font profiter l'utilisateur de certains avantages de la réalité virtuelle, tout en le laissant libre d'agir dans le monde habituel. Le but est de faire fusionner les deux mondes réel et virtuel, d'immerger l'un dans l'autre et réciproquement. L'utilisateur est alors porteur de différents systèmes informatiques qui permettent d'hybrider, en temps réel, des images, des sons ou d'autres informations produites par un ordinateur aux images (2D ou 3D), aux sons et aux autres informations qu'il perçoit directement autour de lui, et éventuellement de le localiser (GPS ou autres capteurs de position). L'hybridation de l'espace réel avec son homogénéité et sa continuité tridimensionnelle et de l'espace utopique qui n'apparaît que sous la forme d'incrustations hétérogènes et discontinues plus ou moins importantes, l'hybridation du temps propre à la réalité environnante et du temps utopique vécu par lui module son impression d'immersion et de présence. L'utilisateur peut alors se trouver en contact avec des objets déterministes, mais également avec de « vrais » humains et des entités humanoïdes virtuelles autonomes envers lesquels ils éprouvent une empathie temporelle et dont la cohabitation module fortement son impression de présence et d'immersion."

[ NIVEAU 1 > INITIATION ]	[ NIVEAU 2 > EXPLORATION ]	[ NIVEAU 3 > ACQUISITION ]
Etre capable de :	Etre capable de :	Etre capable de :
Suivre les indications des formateurs pour se repérer dans l'environnement immersif au sein du casque / Démarrer un premier didactitiel VR au choix : FIRST STEPS ou FIRST CONTACT / Découvrir et tester deux logiciels utilisés en arts plastiques : OPENBRUSH puis MULTIBRUSH avec le mode simplifié / Différencier : store officiel et App Lab DB / Repérer, choisir puis regarder une vidéo immersive avec OCULUS TV / Visionner un dessin animé immersif avec VR ANIMATION PLAYER / Utiliser le navigateur BROWSER dans le casque pour accéder aux ressources muséographiques de SKETCHFAB / Retirer les manettes et tester la manipulation manuelle, digitale, grâce au didactitiel HANDS.	Maîtriser les applications artistiques et leurs fonctions avancées de OPENBRUSH en étant un utilisateur relativement autonome (Créer ; Sauvegarder ; Retrouver ; Ouvrir ; Supprimer). / Lancer MULTIBRUSH puis une ROOM pour créer en collaboration / Découvrir SKETCHFAB avec le BROWSER / Lancer un MIRRORING sur tablette ou smartphone pour visualiser en direct ce qui se passe dans le casque alors que vous êtes un observateur externe. / Parcourir le store officiel et App Lab DB pour repérer des logiciels et les installer. / Etre capable de retrouver des personnes ou amis ; envoyer et accepter des invitations ; pour se former à distance ou parler en discussion privée (audio et/ou écrit).	Faire fonctionner le casque en étant parfaitement autonome. / Utiliser pédagogiquement le casque en cours d'arts plastiques et savoir faire face aux problèmes techniques liés aux usages courants des élèves / Maîtriser le MIRRORING / Utiliser SCANIVERSE ou WIDAR pour scanner et numériser le réel en 3D / S'inscrire sur SKETCHFAB puis uploader ses fichiers 3D afin de les voir en RA (réalité augmentée) ou bien pour les réimporter dans le casque en VR via BROWSER
Valider l'espace restreint défini par le casque au démarrage du casque > Limite stationnaire et circulaire de 1 m2 maximum. (Assis ; Debout).	Définir soi-même son espace de déplacement au démarrage du casque > délimiter un GUARDIAN avec une Roomscale de 4 m2 minimum. (Déplacements autorisés mais relativement restreints).	Redéfinir la zone du GUARDIAN à n'importe quel moment sans redémarrer le casque. (Liberté des déplacements dans un espace conséquent d'au moins 16 m2).
Objectif : Découvrir le potentiel de la RV.	Objectifs : Expérimenter la RV / Envisager l'utilisation de la RV dans un cadre pédagogique avec un ou deux élèves et pourquoi pas tenter un dispositif de cours avec la RV. / Pouvoir se former à distance en Audio = communication téléphonique en VR.	Objectifs : Maîtriser la RV / Intégrer la RV à ses cours, donc être capable de former ses élèves à la RV. Leur proposer des dispositifs de travail collaboratifs en local ou inter-établissements au niveau académique.

Arts Plastiques / Académie de Normandie

L'art et les mots : INTERVENIR sur une image, DEPLACER les intentions initiales

Organisation de la séquence :

Avant la pratique

Pour le collège, cycle 4

Pratique plastique

Présentation des cartes postales d'œuvres d'art. Certaines sont issues de la visite des deux musées.

Pour la seconde

Détourner ce support au regard des stéréotypes sexistes avec la technique de la broderie

Productions et propos d'élèves

Installation des productions

Ce travail a été l'occasion d'étudier des œuvres d'art contemporain engagées utilisant la technique de la broderie.

REPRESENTER, REPRODUIRE, IMITER

Inspiration de la séquence de cycle

Classe de 6ème : Représenter est-ce faire ressembler ?

Déroulé de la séquence

Classe de 5ème : Comment soutenir une intention plastique en interrogeant des associations de matières avec de la peinture ?

Déroulé de la séquence

Classe de 4ème : En quoi un processus d'appropriation et de détournement d'une œuvre permet-il de porter un regard critique ?

Déroulé de la séquence

Classe de 3ème :Une image abstraite peut-elle provenir d'un référent ?

Déroulé de la séquence

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Organisation de la séquence

Évaluation et aticulation avec les programmes

Quelques informations sur l'artiste intervenant

Intervention de l'artiste Tom NADAM

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Réflexion et analyse collective de l'incitation

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

De l'INTERPRETATION du réel à la REPRESENTATION d'un imaginaire

Cette séquence a été réalisée par les élèves de Seconde option arts plastiques du lycée Thomas Corneille à Barentin.

Organisation de la séquence

Articulation avec les programmes

Quelques informations sur l'artiste intervenante

Références artistiques prévues

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Intervention de l'artiste Zélie DOFFEMONT

Quelques aperçus du début de la deuxième phase du travail

L'intervention d'un artiste induit un équilibre entre les objectifs d'apprentissage visés par l'enseignant et l'ouverture à une pratique artistique singulière : comment déterminer le rôle de chacun ?

EXPOSER la pratique, la démarche, le sensible

C'est trop !

Document

Images de réalisations

ARTICLE 05 [ NIV 1-2-3 ] SCANNER un corps ou un objet réel en 3D à 360° pour visualiser le résultat en Réalité Augmentée ou en Réalité Virtuelle

Pourquoi lirais-je cet article ? Quelles sont les usages pédagogiques proposés ?

NB > Si vous voulez inclure cette création dans une galerie d'art virtuelle, c'est possible, mais comme cela nécessite des compétences techniques importantes et des manipulations numériques complexes [ NIV 4 ], nous traiterons cela dans un article dédié, ultérieurement. ]

A / SCANIVERSE (pour iOS) c'est quoi ?

C'est une application qui permet de numériser bon nombre d'objets, de personnes, d'environnements réels. Autrement dit : c'est un SCANNER 3D !

B / [ NIV 3 ] Pourquoi et comment utiliser SCANIVERSE ?

Voyons comment y parvenir :

Et maintenant, voici le résultat issu de cette NUMÉRISATION 3D :

C / [ NIV 3 ] Observons le résultat obtenu une fois UPLOADÉ (= transféré) vers SKETCHFAB :

D / [ NIV 3 ] voici les TUTORIELS OFFICIELS du développeur de SCANIVERSE

E / [ NIV 2 ] POURQUOI et COMMENT REGARDER en RV (une numérisation SCANIVERSE exportée dans SKETCHFAB) ?

> View in VR <

Le spectateur verra en 3D le modèle 3D préalablement numérisé.

Le spectateur a la possibilité de se déplacer dans cet espace virtuel, tout autour du modèle.

Le spectateur a la possibilité de modifier l'échelle du modèle (augmenter/réduire).

F / [ NIV 1 ] POURQUOI et COMMENT REGARDER en RA (une numérisation SCANIVERSE exportée dans SKETCHFAB) ?

La réalité augmentée permet au spectateur de voir le modèle 3D à 360°, en tournant physiquement autour.

Le veau d'or de Jeffrey SHAW

Cette vidéo vous montrera comment faire avec un modèle personnel mais il est possible de choisir une œuvre d'art numérisée qui provient d'une collection (sculpture du musée du Louvre par exemple).

G / [ NIV 3 ] WIDAR (pour ANDROID mais également disponible pour iOS)

Les 9 notions

ARTICLE 03 / Première expérimentation pédagogique de la RV avec les élèves de Jean

Enseignant d'arts plastiques concerné par cette première expérimentation : Jean Noel.

Quelques élèves de troisième se sont emparés d'un projet dont l'incitation est la suivante : "Que s'est-il passé ?"

ARTICLE 04 / Première expérimentation pédagogique de la RV avec les élèves de Pierrick

Enseignant d'arts plastiques concerné par cette première expérimentation : Pierrick Brissier.

Quelques élèves de troisième se sont emparés d'un projet dont l'incitation était la suivante : "Le fantastique fait irruption dans le réel"

Pour continuer la rédaction de cet article je vais juste copier/coller le travail réflexif que j'ai demandé à l'une de mes élèves [Wissal] à l'issue de sa pratique et de cette découverte. NB > ces mots sont les siens, j'ai juste pris la peine de corriger quelques coquilles...

Rime est une autre élève de troisième qui a aussi utilisé la VR pour aborder la citation : "Le fantastique fait irruption dans le réel".

Voici la note d'intention de Rime concernant son projet :

ARTICLE 01 / INTRODUCTION : Pédagogie et réalité virtuelle immersive

Bonjour à toutes et à tous, cet article est consacré à la réalité virtuelle immersive (RV pour Réalité Virtuelle ou VR pour Virtual Reality).

OCULUS QUEST 2 = META QUEST 2.

Bonjour à toutes et à tous, cet article est consacré à la réalité virtuelle immersive
(RV pour Réalité Virtuelle ou VR pour Virtual Reality).