Arts Plastiques / Académie de Normandie

CREER un chatbot pour la classe

Gabrielle SIMON — 2026-05-31T14:50:51Z

En quoi la démarche de création d'un chatbot peut-elle devenir un levier pour les apprentissages ?

ASK MONA est un agent conversationnel développé par une start-up française.
Les acteurs culturels peuvent créer un partenariat avec cette entreprise afin d'élargir leur offre de médiation.

Vous pouvez regarder le documentaire joint qui présente les raisons pour lesquelles la Fondation Louis vuitton a choisi d'adhérer à cette IA générative.

Plus localement, l'historial Jeanne d'Arc à Rouen a choisi d'adhérer à ce programme alors que le Musée des Beaux Arts de Rouen a lui, décliné cette proposition.
Les élèves sont parfois dans l'incompréhension ou l'envie d'en savoir plus sur une œuvre. Parmi les outils à disposition dans la classe permettant de développer l'autonomie de l'élève, un enseignant pourrait faire un choix similaire.

Peut-on imaginer un élève se tourner vers un agent conversationnel ? Cela peut-il être un complément intéressant aux documentations de classe ?

Comment générer, en classe, un chatbot encadré ?

Avec un Chatbot pédagogique encadré, l'enseignant peut fournir à l'agent conversationnel :

• Le contenu (fiable et référencé)
• Le cadre de l'échange (longueur des réponses, niveau de langage...)
• Une direction à donner à l'échange (ramenant la conversation aux notions essentielles liées à l'oeuvre)

Avec un petit temps de formation, un enseignant peut rapidement créer son premier chatbot sur des applications avec ou sans compte. Si des applications de chatbot proposent des solutions payantes, avec quelques astuces un enseignant peut exploiter honorablement les solutions gratuites.

La prise en main de ces Chatbot est assez intuitive et permettrait en outre aux élèves de comprendre comment une IA générative est cadrée ainsi que les stratégies de réponses choisies par le fournisseur.

Il est important de construire le cadrage des réponses du Chatbot :

CHOISIR combien de signes contiendra la réponse,
DÉTERMINER si la réponse se termine en relançant par une question,
PREVOIR une absence de réponse dans le cas où aucune proposition n'est

La conception d'un chatbot favorise chez l'utilisateur une utilisation plus critique et autonome des IA génératives.

Un chatbot ne saurait se substituer à un échange avec un enseignant, et une vigilance éthique demeure indispensable. Néanmoins, cette nouvelle modalité peut également enrichir et élargir les interactions.

En contexte scolaire, elle permet notamment de développer l'autonomie dans les recherches, d'initier les élèves au fonctionnement de ces outils (leurs apports comme leurs limites) et d'adapter les ressources aux besoins de chacun.

Quelques propositions d'outils et de ressources

MIZOU et DIDAKBOT qui ont été expérimentés lors de la formation numérique qui s'est déroulée au musée des Beaux Arts de Rouen puis au Portique du Havre.


https://www.askmona.ai/fr" class="spip_out spip_doc_lien">
>>> Lien vers https://www.askmona.ai/fr" class="spip_out" rel="external">ASKMONA	>>> Lien vers ASKJeanned'arc	>>> Lien vers NOVAPEDA et DIDAKBOT	>>> Lien vers MIZOU et le digipad explicatif

Référence de l'image de l'article : Rare Metals 2 by Hanna Barakat & Archival Images of AI + AIxDESIGN

Gabrielle Simon
IAN

L'art et les mots : INTERVENIR sur une image, DEPLACER les intentions initiales

Mael Judic — 2026-05-08T08:32:20Z

En quoi la valeur expressive d'un geste artistique sur une image peut-elle engager une réflexion sociétale avec les élèves ?

Dans le cadre du festival Inspire organisé par la communauté de communes, l'artiste Marie Margaux Bonamy est intervenu 3h à la fois au collège Les Hauts du Saffimbec de Pavilly pour un groupe de 3e et au lycée Thomas Corneille de Barentin avec une classe de seconde. L'ensemble des productions ont été exposées, ce qui a permis de faire un lien interdegré.

Organisation de la séquence :

Avant la pratique

Visite du musée des Beaux-arts de Rouen autour de la thématique : Les stéréotypes féminins et masculins dans la représentation idéalisée du corps
Visite du musée d'Orsay, Paris
Échange avec l'artiste sur mes attentes pédagogiques en lien avec le programme des arts plastiques à la fois du collège et du lycée. Ensemble, nous sélectionnons des œuvres qui nous paraissent pertinentes par rapport à nos objectifs.

Pour le collège, cycle 4

La représentation ; images, réalité et fiction
Questionnement : La création, la matérialité, le statut, la signification des images : l'appréhension et la compréhension de la diversité des images ; leurs propriétés plastiques, iconiques, sémantiques, symboliques ; les différences d'intention entre expression artistique et communication visuelle, entre œuvre et image d'œuvre.

HIDA : établir des liens et des distinctions entre des œuvres diverses, de même époque ou d'époques différentes, d'aire culturelle commune ou différentes :

Utiliser un lexique simple mais adapté au domaine artistique concerné, à sa forme et son matériau, pour aboutir à la description d'une œuvre dans sa globalité
Associer une œuvre à une époque en fonction d'éléments de langage artistique
Amorcer un discours critique

Pratique plastique

Présentation de l'artiste Marie Margaux Bonamy, une ancienne élève du collège et son parcours scolaire. Il me semblait important que les élèves puissent échanger avec elle et comprendre qu'il est possible de suivre une voie artistique quel que soit leur lieu d'habitation (milieu semi-rural avec un accès à la culture qui peut être difficile).

Qui est Marie Margaux Bonamy ? Diplômée de l'École Supérieur d'Art et de Design Le Havre-Rouen, elle participe à la création de l'association Polymorphe, engagée dans la rencontre des cultures et des formes artistiques. Elle aime travailler sur ce qui fait le lien entre les individus. Ses travaux sont engagés car ils remettent en cause le statu quo de nos sociétés.

• Question posée aux élèves : qu'est-ce qu'un stéréotype sexiste ?

Présentation par l'artiste de sa série Déflorer

Déflorer questionne l'image de la fleur dans sa pluralité. Symbole à la fois d'amour, de mort et de sacrifice. Chacune des cartes décrit l'un des féminicides recensé en 2021. Elles énoncent succinctement les faits, tels qu'ils seraient formulés par les victimes.

Présentation des cartes postales d'œuvres d'art. Certaines sont issues de la visite des deux musées.

Changement de statut : l'œuvre unique du musée devient multiple et commercialisée
Analyse d'œuvres / d'images et comparaison d'œuvres différentes sur une même question : Pourquoi avons-nous choisi ces reproductions ?

Pour la seconde

Dessiner pour créer, comprendre, communiquer

Questionnements : Les conceptions contemporaines du dessin : pluralité des modalités et pratiques, filiation et rupture, relations avec d'autres médiums, avec l'écriture…

Enseignement transversal : Égalité filles garçons
Lutter contre les stéréotypes de genre et défendre l'égalité entre les filles et les garçons sont au cœur de l'engagement de l'école. Agir pour le respect des droits de chaque élève est essentiel pour l'accompagner vers la réussite, quel que soit son genre.

Détourner ce support au regard des stéréotypes sexistes avec la technique de la broderie

Avoir un recul critique sur les œuvres / la société afin d'inscrire un message qu'il faudra justifier
Phase de dessin sur calque
Broderie

Productions et propos d'élèves

Auguste Toulmouche, La Fiancée hésitante, 1866.

« J'ai brodé Ai-je le choix ? car on force cette femme à se marier. Les deux femmes à côté d'elle tentent de la rassurer pendant que derrière la 3e femme lui pose une couronne de fleurs. Le regard sombre de la mariée signifie qu'elle est forcée. La couleur verte est une couleur complémentaire par rapport à la robe rouge en bas » Mathis

Suzanne Valadon, Adam et Eve, 1909

« J'ai brodé "Pécheresse" en lien avec le péché originel dans la religion chrétienne. La femme représentée est Eve qui a croqué la pomme et a causé la souffrance et la mort dans la condition humaine. Dans la bible, c'est à cause de la femme qu'ils perdent le paradis et l'immortalité. Or, l'artiste de cette œuvre est une femme qui a peint Adam, sous les traits de son amant de 21 ans moins qu'elle. Encore aujourd'hui les hommes peuvent aimer des femmes plus jeunes alors que les femmes sont traitées de cougar... En plus, elle a dû recouvrir le sexe de l'homme pour exposer alors qu'il y a souvent des femmes nues peintes par des femmes et ça ne pose pas de problème » Cassiopée

Pompeo Batoni, La mort de Marc Antoine, 1708

« J'ai brodé "Panser/ penser" car l'homme a besoin de la femme. Elle le soigne et c'est un jeu de mot avec le mot penser, réfléchir. Le mot E de penser est en train d'exclure panser pour prendre sa place comme si utiliser son cerveau pour réfléchir était le plus important ». Alycia

Tamara Lempicka, Autoportrait à la Bugatti verte, 1929

"J'ai brodé le message "Lead your own way" / "Choisir ton propre chemin" faisant référence à la conductrice et artiste. Elle va à l'encontre des stéréotypes de genre féminin où la femme est cantonnée aux rôles domestiques et à la douceur. J'ai utilisé un point de fuite pour écrire "Lead" afin d'accentuer cette idée de liberté. J'ai choisi la couleur rouge, car elle crée un contraste complémentaire avec la couleur de la voiture et rappelle les lèvres de la conductrice. » Owen

Virginia de Vezzi, Judith avec la tête d'Holopherne, 1597

« J'ai brodé "Dipingere è combattere". C'est écrit en italien par rapport à la nationalité de l'artiste. En français, cela veut dire "Peindre c'est combattre" car la femme tient une épée avec la tête décapitée d'Holophèrne et pour être une femme artiste à cette époque, il faut lutter contre les préjugés sexistes des hommes qui dominent le monde l'art. Le bleu reprend sa robe et le rouge fait le tour de l'épée et rappelle le sang coulé. » Lilou

Vincent Van Gogh, Vieil homme qui pleure, 1890

« J'ai brodé "tristesse / faiblesse" en bleu pour rappeler le vêtement du personnage et "≠" en rouge pour faire ressortir le signe. L'idée était de montrer que pleurer ne veut pas dire être faible, mais juste être humain et montrer ses sentiments » Mayline

Claude Cahun, Autoportrait, 1919.

"J'ai brodé "Entre les genres, je me trouve" car dans son œuvre, Claude Cahun joue avec les apparences et mélange les codes masculins et féminins. Elle montre ainsi une identité qui n'est pas fixe. J'ai utilisé le rose et le bleu, car ce sont des couleurs associés aux stéréotypes. Leur association permet de montrer un mélange des genres et de remettre en question ces codes. Ma démarche illustre une identité située entre les genres comme celle de Claude Cahun ». Sarah

Berthe Morisot, Le berceau, 1872

"J'ai brodé "L'instinct maternel n'est pas naturel" pour répondre aux croyances de notre société selon laquelle l'instinct maternel est inné et évident pour la mère. J'ai choisi le rose, car il rappelle le cliché de couleur associé aux femmes. Le vert, quant à lui, rappelle la flore du concept nature. Les mots sont disposés de manière à relier le regard de la mère au visage du bébé présent dans la composition de l'œuvre. » Melia

Installation des productions

Au collège
Référence au programme du collège : L'œuvre, l'espace, l'auteur, le spectateur
Questionnement : La présentation

Au collège avec les productions des élèves de 3e

Au lycée
Référence au programme de seconde : Exposer l'œuvre, la démarche, la pratique

Au lycée, dans la galerie ouverte avec les productions des élèves de collège et du lycée

Ce travail a été l'occasion d'étudier des œuvres d'art contemporain engagées utilisant la technique de la broderie.

Annette Messager

Annette Messager (1943) est l'une des premières et plus ferventes militantes de la cause. Elle crée des broderies féministes dans les années 1970 et en particulier dans sa Collection de proverbes de 1974, brodés à la main se faisait la chronique de la misogynie ordinaire.

Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010). Son œuvre est fondée sur des éléments autobiographiques : le père y tient le rôle du tyran adultère, qui considère les femmes comme des êtres voués à l'obéissance. La série "Eugénie Grandet" proprement dite se compose de seize petites broderies. La technique évoque évidemment la femme confinée à des travaux d'aiguille, pour passer le temps ou le perdre.
En 2002, Louise Bourgeois utilise des vêtements remontant aux années 1920 pour en faire un livre textile intitulé Ode à l'oubli. Elle construit la reliure et les pages avec les mouchoirs en tissu datant de son mariage de 1938.

Ghada Amer

Ghada Amer (1963) : Les préoccupations qui l'animent : le travail des femmes, l'égalité des sexes et la relation entre l'Orient et l'Occident.
Une de ses premières œuvres intitulée Cinq femmes au travail (1991) es un ensemble de tableaux soigneusement bordés, chacun représentant une femme effectuant une tâche domestique.
Son installation Private room (1998) est constituée d ‘une série de housses à vêtements bordés de textes coraniques détaillant les interdits des femmes.

Judy Chicago

Judy Chicago, The Dinner Party est une installation artistique réalisée par l'artiste féministe américaine de 1974 à 1979. Elle se présente sous la forme d'une histoire symbolisée des femmes. Cette installation se compose de 39 tables à manger dressées, jointes les unes aux autres et disposées en triangle (symbole du sexe féminin) de 15m de côté, chaque table représentant une figure historique féminine. Pour cela, elle utilise des techniques qui sont considérées comme traditionnellement féminines (comme la broderie). Chaque place de la table comporte un chemin de table brodé du nom d'une femme célèbre ainsi que des images ou des symboles qui lui sont liées.

Shannon Downey

Shannon Downey est une activiste féministe américaine. Sa pièce « Boys Will Be Boys », une œuvre réalisée en point de croix a été créée en réponse à Donald Trump : « Les garçons seront des garçons tenus responsables de leurs putains d'actes », est alors devenue virale.

Rebecca Hardis

Rebecca Harris (1977) est une artiste britannique. Étudiante obèse, elle décide de se faire opérer de l'estomac afin de stopper sa prise de poids. La série « Obscure Objets of Obesity » : La peau et le corps, à la fois dégonflés et fragmentés, sont pensés comme la mémoire d'une identité et d'un vécu. Rebecca Harris modèle son corps par la broderie. Les broderies sur photographies sont pour l'artiste une manière de prendre le contrôle de son corps, de le manipuler, de le changer, de le modifier, de contrer son obésité.

Pour l'œuvre Untilted (body modification), Rebecca Harris a pris en photographie son corps en se focalisant sur son ventre, de la taille à mi-cuisses. L'artiste se lance dans une manipulation qu'elle ne peut effectuer sur son corps physique. En effet, à l'aide de fil rouge, elle le raye, le barre, le rature, elle pique dans la chair, tend des fils comme pour le resserrer.

Sarah Naqvi

En Inde, Sarah Naqvi crée des broderies représentant les menstruations

La collection L'impression voyage !

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:00Z

COLLECTIONNER, DIFFUSER, RECEVOIR des œuvres au sein d'un établissement pour APPRÉHENDER et DISCUTER la création.

Dans ce cadre, les élèves expérimentent diverses formes de présentation et de médiation. Celles-ci peuvent mobiliser des espaces et des moyens physiques ou numériques, les associer. Ils en découvrent les ressorts et les enjeux à la fois techniques, plastiques et sémantiques. Ce faisant, les apprentissages conduits situent la pratique plastique dans une chaîne complète de l'intention à la monstration, permettant de comprendre qu'en art on ne produit pas que pour soi, mais aussi en relation à certaines finalités. Il s'agit aussi d'appréhender que la création se réalise pleinement en étant vue, partagée, discutée.
Les pratiques d'accrochage induites, d'accompagnement oral et textuel d'un public sont particulièrement propices au développement de compétences psychosociales, notamment identifier ses émotions, prendre des décisions, communiquer de façon constructive et, le cas échéant, comprendre et gérer son stress.
La démarche d'exposition peut prendre diverses formes, selon les contextes, allant d'un niveau de positionnement réfléchi dans la salle de classe jusqu'à l'accrochage raisonné ou à une scénographie formalisée dans un autre lieu, interne ou externe à l'établissement. Dans ce cas, la présentation réalisée peut être ouverte à un plus large public que celui des élèves. Sous forme d'un projet ou concrètement mise en œuvre, l'exposition concerne régulièrement les productions plastiques produites en classe. Autant que possible, elle peut également s'appuyer sur des œuvres d'artistes, dans le cadre de partenariats construits avec ces derniers ou des institutions culturelles

Extrait des projets de programme du cycle 4, p.14

Présentation du dispositif

La collection d'œuvres d'art du collège Challemel-Lacour à AVRANCHES s'intitule "L'impression". Elle regroupe, aujourd'hui, une centaine d'œuvres. Née à l'automne 2020, cette collection est en partie exposée dans différents espaces du collège (salles de cours, infirmerie, salle d'études, CDI, self, etc.).
Elle s'est constituée progressivement en laissant aux élèves le maximum de latitude pour sélectionner les œuvres et se constituer pas à pas en comité de sélection. Elle est financée sur les moyens propres de l'établissement qui affirme un choix fort d'ouverture culturelle en maintenant cette politique d'acquisition régulière.

Le collège Challemel-Lacour à Avranches, l'académie de Normandie et la DSDEN de la Manche proposent de faire profiter d'autres établissements et écoles des œuvres collectées (96 au total), par le prêt de mini expositions itinérantes dans la Manche. Quatre expositions sont conçues à destination du premier degré et quatre autres à destination du second degré. Cette action s'inscrit dans le parcours d'éducation artistique et culturelle de l'élève et contribue à la réussite de l'objectif 100% EAC.
Chaque mini exposition est protégée et contenue dans une valise, accompagnée d'une documentation pédagogique, de conseils et de gants pour la manipulation des œuvres. Elle est aisément transportable en voiture. Les expositions sont itinérantes, circulent d'un établissement à l'autre selon un planning établi à l'année.

Objectifs pédagogiques

• Susciter la rencontre des élèves et de la communauté éducative avec l'art contemporain,
• Placer les élèves en tant qu'acteurs responsables en leur permettant de développer leur esprit critique dans une démarche réflexive,
• Favoriser le parcours d'éducation artistique et culturelle des élèves par la découverte d'artistes et d'œuvres et par la pratique artistique,
• Permettre aux enseignants de s'appuyer sur un projet artistique pour renforcer chez les élèves le développement de compétences fondamentales (le dire, l'écrire, la démarche d'investigation notamment) au travers d'une démarche artistique,
• Développer la construction du Parcours d'EAC sur un territoire en favorisant la liaison inter- degrés.

Informations liées au dispositif

Modalités de participation

Public concerné : établissements du premier et du second degré.
Chaque établissement inscrit reçoit une ou deux expositions par année scolaire, en fonction du nombre de demandes. La durée de prêt s'établit environ sur 1 mois et demi, de vacances à vacances, selon le calendrier de prêt organisé par ......... pour le 1er degré et par .......... pour le second degré.

Calendrier prévisionnel

• Avril 2026 : diffusion de l'appel à projet et dépôt des candidatures via ADAGE.
Choix des expos via Adage au moment de la candidature ?
• Mi juillet 2026 (ou début sept ?) : les établissements prennent connaissance de l'avis de la commission dans Adage. Les référents du dispositif reçoivent le planning annuel des prêts et la liste des établissements et contacts inhérents au bon fonctionnement de l'itinérance des expositions.
• Septembre 2026 à fin juin 2027 : itinérance des « boîtes » expositions en établissements.

Engagement des établissements et de l'équipe éducative

Chaque établissement scolaire prend en charge le transport des œuvres d'un établissement à l'autre. Il s'engage à veiller à leur sécurité, à les manipuler avec soin et à les assurer. Un document « valeurs d'assurance des œuvres » transmis en amont de la circulation des expositions permet d'assurer clou à clou les œuvres pour la durée de l'exposition, de leur prise en charge incluant le transport jusqu'à leur passation ou restitution.
Un constat d'état s'opère tout au long de l'itinérance des oeuvres, signé par le chef d'établissement à l'arrivée et au départ des œuvres.
Une convention annuelle (année scolaire) est établie entre l'établissement prêteur et l'établissement emprunteur.

Dans le cadre d'ateliers de pratique avec les élèves, les besoins en matériel sont assurés par l'établissement, 1er et 2nd degré.

Valorisation, demande de retour d'expérience, bilan

Les référents du dispositif pour l'académie de Normandie

(en cours de nomination), professeur référent du dispositif L'Impression voyage au collège Challemel-Lacour d'Avranches ;
Virginie Michel, IA-IPR d'Arts plastiques ;
Sylvie Gauthier-Lapouge, IA-IPR d'Arts plastiques ;
Valérie Laisney, CPD Arts visuels et action culturelle, DSDEN de La Manche ;
Sylvie Cao-Van, référente DAAC.

Présentation des 4 expositions itinérantes



VALISE 1 L'artiste et les œuvres dans la société disponible à l'emprunt octobre 2026	VALISE 2 L'art comme matériau et véhicule d'un imaginaire collectif en cours de réalisation	VALISE 3 L'œuvre et ses contextes, ses finalités en cours de réalisation	VALISE 4 L'artiste et les techniques, technologies et sciences en cours de réalisation

Articulation avec les enjeux d'enseignement



	EXPOSER une ou plusieurs œuvres dans un espace ouvert au public (penser et travailler des données spatiales, symboliques, collectives) Sur l'ensemble des niveaux du collège, deux grands attendus sont travaillés, dans une perspective de développement, d'enrichissement et d'approfondissement : − Exposer des productions plasticiennes pour un public. − S'approprier et utiliser des modalités et des dispositifs d'exposition. >>> Mettre en œuvre une exposition comme un dispositif à scénariser, dans un espace réel ou au moyen d'une maquette.
	ACCOMPAGNER la réception d'une œuvre par un public (dire et partager la pratique, le sensible) Sur l'ensemble des niveaux du collège, un grand attendu est travaillé : − Comprendre et construire la relation entre la production plastique et le spectateur. >>> Prendre en compte les sensations du spectateur dans son rapport à l'œuvre ou à l'espace de monstration
	PARTAGER des œuvres à l'ère du numérique (diffusion, réception, contribution) Sur l'ensemble des niveaux du collège, un grand attendu est travaillé : − Utiliser des environnements et outils numériques pour documenter, partager une création plastique. >>> Constituer une exposition numérique à partir d'un corpus d'œuvres >>> Utiliser le numérique pour créer des liens entre des productions et un public.

De l'INTERPRETATION du réel à la REPRESENTATION d'un imaginaire

Virginie Michel — 2026-02-01T18:09:27Z

Comment la perception et l'interprétation du réel peuvent-elles enclencher un univers imaginaire ?

Cette séquence a été réalisée par les élèves de Seconde option arts plastiques du lycée Thomas Corneille à Barentin.

" REPRÉSENTER , c'est fondamentalement engager un processus et mettre en œuvre des moyens pour donner à voir, principalement par une image fixe et animée (dessin, peinture, photographie, vidéo, etc .), mais aussi par un volume (sculpture, installation, etc.), des éléments qui relèvent de la réalité ou de la fiction, du monde proche et lointain ou de l'imaginaire. Pour l'enfant et l'adolescent, les activités de représentation avec des moyens plastiques forment, plus ou moins spontanément, des étapes fondatrices de son développement sensible et réflexif, individuel et au sein d'un collectif."

Extrait de Projet de programmes d'arts plastiques et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025


	*"A partir d'un paysage que vous avez vu, introduisez un élément surnaturel qui modifie cet espace en un paysage fantastique"*

Organisation de la séquence

Séance 1 : 3 heures

Présentation du projet
Croquis des premières idées.

Durant cette phase, je suis présente pour suivre l'évolution de leurs ébauches de manière individuelle. Je profite de ce moment pour sonder leurs intentions et comprendre leur démarche.
Les références artistiques choisies en amont sont présentées aux élèves mais en articulation directe avec les observations et échanges issus de la verbalisation.

Séance 2 et 3 : 6 heures en présence de l'artiste.

Présentation de la démarche artistique de l'artiste Zélie DOFFEMONT

A l'issue de cette présentation, chaque élève nous présente son crayonné. C'est l'occasion d'échanger, de permettre des modifications avant l'étape finale. Un point technique avec l'utilisation des stylos micron est réalisé avant la poursuite du travail graphique.

Articulation avec les programmes

• La ressemblance et ses codes : relation au modèle, tirer parti de l'écart avec la réalité
• Le dispositif de représentation
o Enjeux plastiques de la représentation d'une fiction, d'un événement ou d'un lieu réinventé ou-inventé, en fonction d'un imaginaire, d'un parti pris singulier, d'une interprétation personnelle

Quelques informations sur l'artiste intervenante

"Originaire de Picardie, Zélie Doffémont vit et travaille à Rouen depuis 2012.
Imprégnée depuis toujours par la littérature et le cinéma fantastique et gothique, le travail du dessin en noir et blanc fut rapidement une évidence. Aimant surtout créer des ambiances mystérieuses caressants l'étrange, Zélie Doffémont s'attache à exprimer symboliquement le possible déclin de l'humanité, en reformulant sa matière, avec celles présentes dans la nature.
Ainsi, à travers une nuée de petits points à l'encre, elle travaille les formes, joue de la lumière et tente de recréer un tissu vivace, sorte d'évolution, de mutation et/ou de renouvellement de l'espèce.
Chaque dessin pose le décor d'une histoire future, qui reste à dérouler et à s'enrichir de la vision émotionnelle du spectateur.
C'est une invitation pour chacun à se questionner sur l'avenir de l'Homme, une sorte d'utopie graphique."

Références artistiques prévues

• Les Caprices, terme qui signifie « fantaisie », une série de 80 gravures de Francisco de Goya
• Gustave Doré s'impose dans les œuvres en noir et blanc. Il excelle dans l'invention de formes naturelles anthropomorphes et surtout zoomorphes.
• De 1870 à 1895, Odilon Redon crée des dessins aux sujets imaginaires qu'il appelle ses « noirs », car il n'utilisa que la couleur noire (fusain noir et encre noire). Il illustre ainsi de nombreux textes, les siens et ceux d'auteurs qui explorent le fantastique comme Edgar Allan Pœ
• Le surréalisme est un mouvement qui touche tous les domaines artistiques : arts visuels, littérature, musique, cinéma…
Une œuvre surréaliste se compose d'éléments inattendus. Les artistes surréalistes déforment les objets pour créer de nouvelles approches plastiques et iconographiques. Les thèmes sont souvent le rêve, l'imagination, les phénomènes extraordinaires…
• Escher, Relativité, 1953 : L'œuvre représente un monde où les lois normales de la gravité ne s'appliquent pas. Dans ce monde, il y a en fait trois sources de gravité, chacune étant orthogonale aux deux autres.

Les références présentées lors de la deuxième heure permettent de rebondir très rapidement sur leurs premières idées. Pour chaque œuvre présentée, les élèves devaient décrire ce qu'il voyait, ce qu'il pensait de la technique et expliquer en quoi ces œuvres ont un lien avec le fantastique.

Afin d'étayer leurs propos, j'ai apporté quelques précisions en choisissant 3 axes chronologiques :

les œuvres avant le surréalisme,
le surréalisme,
les œuvres plus contemporaines.

Des extraits cinématographiques m'ont permis de les interroger sur les moyens plastiques utilisés pour susciter la peur (ombre et lumière, déformation, son, montage, typographie).

Quelques romans graphiques étaient à disposition des élèves tels que :

Moebius, Azarch
Marc-Antoine Mathieu, Le Début de la Fin.
Schuiten et Peeters, Le retour du capitaine Némo (cités obscures)
Emil Ferris, moi ce que j'aime c'est les monstres

Parmi les pistes exploitées par les élèves, nous retenons les suivantes :

atmosphère surnaturelle avec jeu d'ombres et de lumière,
brume,
mélange jour et nuit,
intrusion fabuleuse,
rendre liquide un élément solide,
trajectoire des reflets…

Cette étape au crayon leur a permis de transcrire sur le papier leur idée et de développer des compétences d'expérimentation et de création.

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Intervention de l'artiste Zélie DOFFEMONT

Dans ce cadre du Pass Culture, Zélie Doffémont est intervenue auprès des élèves pour évoquer son travail sur le fantastique. Chaque élève lui a présenté son projet, justifié sa démarche avant de réaliser l'étape finale.
L'artiste leur a transmis sa technique d'ombre et de lumière. Quelques élèves ont ressenti le besoin de modifier ou d'accentuer certains éléments de leur réalisation.

Quelques aperçus du début de la deuxième phase du travail

L'intervention d'un artiste induit un équilibre entre les objectifs d'apprentissage visés par l'enseignant et l'ouverture à une pratique artistique singulière : comment déterminer le rôle de chacun ?

Inviter un artiste au sein d'une classe d'arts plastiques engage nécessairement un jeu d'équilibre subtil entre deux dynamiques : d'une part, les objectifs d'apprentissage définis par l'enseignant, et d'autre part, l'ouverture à une démarche artistique singulière, incarnée par l'artiste invité. Cet équilibre, loin d'être spontané, se construit en amont, puis se déploie dans la rencontre entre les élèves, l'enseignant et l'artiste.
L'intervention de Zélie Doffémont illustre parfaitement cette complémentarité. Nous avions déjà collaboré au collège, autour d'un travail sur la danse macabre : sa présentation de sa technique avait alors fortement captivé les élèves. Forte de cette expérience, je lui ai proposé une nouvelle intervention, cette fois au lycée. Connaissant son univers plastique, la notion de fantastique m'a semblé un terrain fécond pour articuler sa démarche à des attendus précis du programme.

Avant sa venue, nous avons clarifié nos rôles. Je lui ai présenté le projet et les références artistiques que j'envisageais de montrer ; elle y a ajouté le travail d'Escher, permettant d'ouvrir davantage le champ des possibles. Ensemble, nous avons défini les contraintes plastiques à imposer aux élèves (format A5, papier épais) et elle a demandé la réalisation d'un crayonné préparatoire afin que les élèves anticipent ombres et lumières, condition essentielle pour exploiter ensuite le stylo micron.

Cette préparation partagée illustre ce que Laurence Espinassy nomme " l'incitation comme un outil propre à l'enseignement des arts plastiques" , pensé pour déclencher l'activité des élèves tout en ouvrant la possibilité d'une véritable rencontre avec les œuvres et les démarches artistiques. Dans ce cadre, l'artiste comme l'enseignant occupent chacun une place spécifique : l'ARTISTE apporte une pratique située, une sensibilité, une manière de faire ; l'ENSEIGNANT garantit la cohérence pédagogique, la progression des apprentissages et la diversité des possibles plastiques.
Le jour de l'intervention, la présence à deux voix a permis d'enrichir le dialogue avec les élèves. Chacun présentait sa vision, son approche : Zélie expliquait comment installer une ambiance sombre, notamment par le placement préalable des noirs et les effets de texture. De mon côté, j'accompagnais les élèves sur les questions de profondeur et de perspective. Toutes les deux, nous montrions comment réaliser des dégradés au stylo.

Ainsi, l'équilibre se joue dans un partenariat où les rôles ne s'opposent pas mais se complètent. L'artiste transmet des gestes techniques, une manière d'habiter le médium ; l'enseignant assure le cadre, les liens avec les attendus institutionnels, l'élargissement culturel. Ensemble, ils créent un milieu propice à l'expérience plastique — personnelle et collective — où la découverte singulière nourrit les apprentissages, et où les apprentissages permettent de mieux accueillir la singularité.

>> ESPINASSY Laurence, La rencontre avec l'œuvre - Enseigner les arts plastiques au collège, 2009

EXPOSER la pratique, la démarche, le sensible

EXPOSER sa PRATIQUE suppose d'expliquer sa démarche, d'écouter et d'accepter l'avis de ses pairs, mais aussi d'apprendre à regarder la production des autres. Ces contributions sont essentielles à l'éducation de la sensibilité des élèves. Sur ces différents plans, la pratique régulière de l'exposition représente une situation pédagogique particulièrement fructueuse. Inscrite das une dynamique de projet, elle permet d'installer collectivement les élèves dans une expérience complète de création, de l'idée première jusqu'à la monstration de la réalisation aboutie puis sa réception. prenant en compte les modalités perceptives de la production plastique, dans un contexte spécifique, l'exposition propose une expérience commune et socialisée au public, reliant différentes personnes et sensibilités autour du partage de cette expérience sensible."

Extrait de Projet de programmes et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025

Le travail final a été exposé dans le cadre de la Nuit de la Lecture et des Arts, vendredi 30 janvier 2026 de 19h à 22h au lycée.

Les élèves ont réfléchi à la mise en espace des productions dans la salle. La question de l'éclairage est essentielle pour s'adapter aux productions graphiques.

Ils ont été également médiateurs dans les différentes salles d'expositions pour accueillir un public nombreux.

Autrice : Alexandra PLANQUAIS

REPRESENTER la mémoire : entre superposition et effacement partiel

Virginie Michel — 2025-11-29T12:48:14Z

Comment la représentation plastique de la mémoire peut-elle traduire à la fois la fragilité des traces et la puissance de la reconstruction ?


	RENCONTRE avec l'artiste et son œuvre Les élèves de l'atelier arts plastiques du collège Les Hauts du Saffimbec (PAVILLY) ont rencontré l'artiste Reem Yassouf. Elle a expliqué son parcours entre la Syrie et la France. Sa présence, organisée via le dispositif De Visu, a été l'occasion de prendre le temps de découvrir sa démarche artistique et plus spécifiquement sur sa série “Traverser” réalisée sur le thème de la Mémoire. Les œuvres sont élaborées à partir de couches espacées, de différentes textures et techniques, transparentes ou opaques, sur une base de grillage métallique et de papier transparent. Le tout est disposé sur des toiles blanches. Selon le choix de l'angle de vue choisi, les images vont apparaître et disparaître, s'inscrivant dans la mémoire de chacun. Nos histoires sont formées de petits moments qui viennent du passé et réinvestissent notre présent. La découverte du travail de Reem Yassouf permet, au-delà des gestes plastiques, d'interroger les élèves sur le mécanisme de conservation des souvenirs dans notre mémoire. >> La mémoire, faite de strates et d'effacements, peut-elle être figurée plastiquement comme un palimpseste où l'oubli devient matière ? >> Comment le geste plastique et la matière peuvent-ils donner corps à une mémoire qui se construit autant qu'elle se déforme ? >> La représentation plastique de la mémoire peut-elle rendre sensible le passage du temps et la métamorphose des souvenirs ?

Évoquer les souvenirs qui sont associés au temps et aux lieux, sollicite la mémoire et l'imagination. Il s'agit de créer une liaison entre les images laissées dans la mémoire et modifiées avec le changement de temps et de de lieu, par le biais d'une représentation artistique.

Cette rencontre rend possible la découverte d'artistes tels que :

Anselm KIEFER

>> Chez lui, la mémoire n'est pas figée : elle est matière vivante, travaillée comme le plomb, le verre ou la terre.

S'EXPRIMER
Les élèves se sont exprimés tour à tour sur ce qu'ils ressentaient face à l'œuvre de Reem Yassouf

Cette expérience, en présence de l'artiste, permet un dialogue filé entre le ressenti du spectateur et la réalité du geste plastique de l'auteur. Reem Yassouf a demandé aux élèves de réfléchir et présenter une mise en espace de sa série. Elle leur a même proposé, à titre exceptionnel, de toucher les matières présentes dans sa production.

EXPOSER

Les élèves ont saisi la difficulté de la demande car, présenter une série, nécessite une prise en compte des conditions de réception articulée à l'espace d'exposition. Si cela est le cas pour toutes les œuvres, les enjeux de composition des différentes unités de la série accentuent la difficulté pour que l'œuvre "fonctionne" dans le lieu.
L'artiste a proposé une disposition au sol que les élèves ont modifié en prenant en compte les avis de chacun. Les élèves ont gardé les traces de cette première rencontre. Ils auront ainsi la possibilité de la présenter à l'oral pour le DNB.

Pour aller plus loin : André SCHERB, Les interactions verbales et non verbales lors de la rencontre avec une œuvre

EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Les élèves ont travaillé sur la notion d'autobiographie mais également celles de mémoire et de souvenir.

L'atelier, en présence de l'artiste, a été l'occasion d'expérimenter la représentation sur des supports peu habituels pour les élèves.

>> Comment représenter son autoportrait au pastel à l'huile et feutre sur de la moustiquaire ? Quels impacts sur la perception ?
>> Comment l'image peut-elle se construire sur une trame faite, naturellement, de vide et de plein ?
>> Comment l'image peut-elle se reconstituer dans l'œil du spectateur malgré les vides et la souplesse de la matière ?
>> En quoi ce choix de matière induit, d'emblée, un rapport à la mémoire faite d'effacement et de déformation ?

Le choix de la matière-support et de la technique nécessite une adaptation des gestes : empâtement, superposition, répétition ....
Si l'image produite est liée au présent des élèves, les effets de matière brouillent la perception de leur autoportrait.

Dans un second temps, la réalisation d'une seconde image associée à un souvenir lointain a été produite sur un miroir. Le choix du noir et blanc participe à l'idée du passé.

Dans la demande, il était attendu une réserve pour permettre de refléter le visage du spectateur qui, s'associerait au souvenir de son auteur.

C'est dans l'association des deux images que s'inscrit la notion de mémoire composée d'une succession de souvenirs plus ou moins éloignés, plus ou moins précis, de bribes.

Chaque élève a présenté son travail à l'ensemble du groupe en revenant sur le souvenir choisi et son lien avec l'autoportrait.

Cette réalisation est en lien avec la thématique transdisciplinaire : Autoportrait / Autobiographie étudiée en arts plastiques et en français.

DONNER à voir des projets artistiques - ORGANISER un vernissage

Le soir, un vernissage a été organisé pour présenter le travail mené et valoriser l'implication de chacun. Toutes les classes de établissement visiteront cette exposition qui articule le travail de l'artiste et l'écho réalisé par les élèves dans le cadre de l'atelier.


		Les élèves du club média de l'établissement ont filmé les étapes de ce projet et réalisé un interview qui sera monté et diffusé sur le journal du collège

Auteur : Alexandra PLANQUAIS