Arts Plastiques / Académie de Normandie

CLAVERIE Isabelle, S'ouvrir à l'Autre en arts plastiques : un levier pour le développement des compétences psychosociales, 2026

Mael Judic — 2026-06-02T12:01:14Z

Extrait du livre du chapitre 2 du livre d'Isabelle Claverie, intitulé S'ouvrir à l'Autre en arts plastiques : un levier pour le développement des compétences psychosociales, sortie en 2026 aux éditions Delatour

Quelques mots sur l'autrice

Isabelle Claverie est maîtresse de conférences à Aix-Marseille Université au sein de l'UR ADEF. Ses travaux de recherche portent sur la didactique des arts plastiques, les processus de création, la pratique réflexive et les conditions d'apprentissage en contexte artistique. Elle s'intéresse particulièrement aux liens entre pratique artistique, construction de soi, interactions sociales et développement des compétences des élèves. Ses recherches explorent notamment la place de l'altérité, de la praxis et des compétences psychosociales dans l'enseignement des arts plastiques.

Résumé

Cet article interroge les liens entre l'enseignement des arts plastiques et le développement des compétences psychosociales (CPS) des élèves. À partir d'une analyse historique et institutionnelle de la discipline, puis d'une enquête menée auprès d'élèves de collège, l'autrice montre comment la pratique artistique favorise le développement des compétences cognitives, émotionnelles et sociales.

Trois axes structurent la réflexion :

Comprendre la place de l'altérité dans la construction historique et didactique de l'enseignement des arts plastiques ;
Identifier les correspondances entre les compétences disciplinaires et les compétences psychosociales ;
Analyser, à partir du vécu des élèves, la manière dont la pratique artistique contribue à la confiance en soi, à la coopération et à la réflexivité.

Pour en savoir plus ....

Isabelle Claverie – Maîtresse de conférences à Aix-Marseille Université

Extrait

L'enseignement des arts plastiques dans le système éducatif français (Ministère de l'Éducation nationale [MEN], 2020a, 2020b) engage les élèves à pratiquer, à être attentifs à leurs propres gestes et aux gestes d'autrui, artistes ou pairs, dans des situations d'effectuation variées opérant des passerelles entre une émergence immédiate et personnelle du faire et la construction réflexive et collective du savoir. La confrontation à la pluralité des réponses plastiques du groupe-classe amène chaque élève à vivre une expérience de soi tout au long d'un processus créatif ponctué par une série d'interrogations. Les différents questionnements découlant de l'attention portée à soi et aux autres dans le temps de la pratique relèvent alors d'un double mouvement : un mouvement de l'esprit et un mouvement de l'affectivité « dans la mesure où quelqu'un se pose un problème et il en assure l'incertitude pendant au moins un certain temps » (Michaux, 1990, p. 1). Les circulations établies entre l'élève et le groupe-classe au fil du processus d'apprentissage ainsi que le rôle moteur attribué à l'effectuation et au discursif au fil de la conduite de l'étude transforme le milieu-classe en un « un milieu-ressource qui fournit aux élèves des outils pour construire des réponses collectives, par rapport auxquelles chaque élève est tenu de se situer » (Amigues, 2005, p. 112).

CREER un chatbot pour la classe

Gabrielle SIMON — 2026-05-31T14:50:51Z

En quoi la démarche de création d'un chatbot peut-elle devenir un levier pour les apprentissages ?

ASK MONA est un agent conversationnel développé par une start-up française.
Les acteurs culturels peuvent créer un partenariat avec cette entreprise afin d'élargir leur offre de médiation.

Vous pouvez regarder le documentaire joint qui présente les raisons pour lesquelles la Fondation Louis vuitton a choisi d'adhérer à cette IA générative.

Plus localement, l'historial Jeanne d'Arc à Rouen a choisi d'adhérer à ce programme alors que le Musée des Beaux Arts de Rouen a lui, décliné cette proposition.
Les élèves sont parfois dans l'incompréhension ou l'envie d'en savoir plus sur une œuvre. Parmi les outils à disposition dans la classe permettant de développer l'autonomie de l'élève, un enseignant pourrait faire un choix similaire.

Peut-on imaginer un élève se tourner vers un agent conversationnel ? Cela peut-il être un complément intéressant aux documentations de classe ?

Comment générer, en classe, un chatbot encadré ?

Avec un Chatbot pédagogique encadré, l'enseignant peut fournir à l'agent conversationnel :

• Le contenu (fiable et référencé)
• Le cadre de l'échange (longueur des réponses, niveau de langage...)
• Une direction à donner à l'échange (ramenant la conversation aux notions essentielles liées à l'oeuvre)

Avec un petit temps de formation, un enseignant peut rapidement créer son premier chatbot sur des applications avec ou sans compte. Si des applications de chatbot proposent des solutions payantes, avec quelques astuces un enseignant peut exploiter honorablement les solutions gratuites.

La prise en main de ces Chatbot est assez intuitive et permettrait en outre aux élèves de comprendre comment une IA générative est cadrée ainsi que les stratégies de réponses choisies par le fournisseur.

Il est important de construire le cadrage des réponses du Chatbot :

CHOISIR combien de signes contiendra la réponse,
DÉTERMINER si la réponse se termine en relançant par une question,
PREVOIR une absence de réponse dans le cas où aucune proposition n'est

La conception d'un chatbot favorise chez l'utilisateur une utilisation plus critique et autonome des IA génératives.

Un chatbot ne saurait se substituer à un échange avec un enseignant, et une vigilance éthique demeure indispensable. Néanmoins, cette nouvelle modalité peut également enrichir et élargir les interactions.

En contexte scolaire, elle permet notamment de développer l'autonomie dans les recherches, d'initier les élèves au fonctionnement de ces outils (leurs apports comme leurs limites) et d'adapter les ressources aux besoins de chacun.

Quelques propositions d'outils et de ressources

MIZOU et DIDAKBOT qui ont été expérimentés lors de la formation numérique qui s'est déroulée au musée des Beaux Arts de Rouen puis au Portique du Havre.


https://www.askmona.ai/fr" class="spip_out spip_doc_lien">
>>> Lien vers https://www.askmona.ai/fr" class="spip_out" rel="external">ASKMONA	>>> Lien vers ASKJeanned'arc	>>> Lien vers NOVAPEDA et DIDAKBOT	>>> Lien vers MIZOU et le digipad explicatif

Référence de l'image de l'article : Rare Metals 2 by Hanna Barakat & Archival Images of AI + AIxDESIGN

Gabrielle Simon
IAN

Oeuvres d'artistes femmes attibuées à des hommes

Virginie Michel — 2026-05-27T19:14:29Z

En quoi la connaissance d'une mécanique d'attribution d'œuvres de femmes à des hommes redessine-t-elle notre approche de l'histoire des arts avec les élèves ?

Il y a eu de nombreux cas, tout au long de l'histoire de l'art, où des œuvres d'art réalisées par des femmes ont été attribuées à des hommes - volontairement ou par méconnaissance. Ce phénomène s'explique par les préjugés de genre, les structures patriarcales des institutions artistiques, ou encore la volonté de certaines artistes de se faire accepter dans un milieu exclusivement masculin.

Il convient toutefois de distinguer plusieurs formes d'effacement : l'attribution erronée à un homme, la signature par le maître d'atelier, l'usage d'un pseudonyme masculin, l'anonymisation dans les archives, la minoration critique après la mort de l'artiste, ou encore l'exclusion pure et simple des grands récits de l'histoire de l'art. Si ces mécanismes ne produisent pas exactement les mêmes effets, ils participent tous à une même invisibilisation de la création féminine.

Ce dossier s'inscrit dans une approche à la fois :

• Historique,
• Critique,
• Transversale,
• Interdisciplinaire Histoire des arts et arts plastiques,
• En lien avec l'égalité filles-garçons et l'éducation à l'esprit critique

Il s'articule naturellement au parcours Histoire des arts autour de quatre grandes thématiques :

• L'artiste et les techniques, technologies et sciences ;
• L'art comme matériau et véhicule d'un imaginaire collectif ;
• L'œuvre et ses contextes, ses finalités ;
• L'artiste et les œuvres dans la société.

A partir de l'oeuvre de Tabuchi....

Virginie Michel — 2026-05-09T08:16:45Z

En écho au travail d'Eric Tabuchi, les élèves du dispositif ULIS créent une collection de photos des collèges de la Manche.

Dans le cadre de la collection l'IMPRESSION du collège Challemel Lacour, les élèves du dispositif ULIS ont fait le choix il y a trois ans d'avoir au sein de leur classe quatre œuvres du photographe Eric Tabuchi.
L'artiste répertorie, collectionne les stations services abandonnées dans notre pays.
Ces œuvres ont été le point de départ pour mener d'autres apprentissages pour les élèves du dispositif qui s'est fait en plusieurs étapes.



Eric TABUCHI Another Twenty-Six Abandonned Gasoline Stations (07 - S2) 2016 Tirage numérique sur papier offset 250g 30 x 30 cm	Eric TABUCHI Another Twenty-Six Abandonned Gasoline Stations (12 - S2) 2016 Tirage numérique sur papier offset 250g 30 x 30 cm	Eric TABUCHI Another Twenty-Six Abandonned Gasoline Stations (19 - S2) 2016 Tirage numérique sur papier offset 250g 30 x 30 cm	Eric TABUCHI Another Twenty-Six Abandonned Gasoline Stations (14 - S2) 2016 Tirage numérique sur papier offset 250g 30 x 30 cm

Lors de la venue d'Emmanuel Ethis, délégué interministériel à L'Éducation Artistique et Culturelle, Hugo présente le projet réalisé par sa classe aux côtés de son enseignante, Delphine HIRSCHAUER, lors de l'inauguration de la première valise de la Collection L'Impression voyage destinée à parcourir les établissements de la Manche dans un premier temps.

Étape 1 : Observation des images.

Il leur a fallu travailler la description à l'oral, rentrer dans les détails, enrichir son vocabulaire en interrogeant la photographie.

Étape 2 : Production d'écrits

Un travail de production d'écrits a donné lieu à une observation très précise des images.

Où a été prise la photo ?
Qu'est ce qui a été photographié ?
De près ? Au loin ?
Pourquoi le photographe a t il décidé de faire ces clichés ?
Quels sont les points en commun ?


Les élèves ont dû élaborer des hypothèses et les rédiger. Voici une station service abandonnée. Son toit est noir, des moisissures blanches dégoulinent qui montre que cette station service est vieille. Le toit est percé à certains endroits. Tout autour, je vois des plantes qui ont poussé. Des tags blanc, rose et noir ont été inscrits sur les poteaux. Sur la gauche de la photo, on peut apercevoir un bout de maison abandonnée couverte de tags. De vieux lampadaires sont encore présents. Le goudron petit à petit a été recouvert d'herbes folles et de mousses orangées.

Étape 3 : Travail de recherche à partir d'outils numériques.

En utilisant le principe de la collection photographique, les élèves ont eu pour objectif de collecter la photo de la porte d'entrée des collèges de la Manche de leur choix.
Ce travail leur a permis de travailler différentes compétences comme la mémoire, la copie, de sélectionner la bonne information trouvée sur internet ( ne pas se tromper de région ou de département, prendre conscience que l'information collectée soit en adéquation avec sa recherche. )
Pour les élèves du dispositif, les notions liées au découpage administratif de font pas toujours sens. Ce projet les a exercés à savoir distinguer les notions de ville, département, région pays et continent.




		. Collection réalisée par les élèves du dispositif ULIS du collège Challemel Lacour à AVRANCHES

Étape 4 : ouverture culturelle à d'autres artistes

Les élèves ont également eu l'occasion de découvrir d'autres artistes comme Edward Hopper en observant une partie de son œuvre ou encore le travail d'Ed Ruscha.

Delphine HIRSCHAUER, Enseignante spécialisée

EXPOSER la pratique, PARTAGER le sensible au sein d'un établissement scolaire

Virginie Michel — 2026-05-08T18:42:18Z

L.A. Galerie, Lycée Anguier Place Gaston Leroux, Eu

Comment travailler la compétence EXPOSER sur le temps long du lycée ?
Retour d'expérience de Thibault Le Forestier, enseignant d'arts plastiques en Lycée

Exposer, recevoir, relier

Les élèves de terminale spécialité arts plastiques du lycée sont amenés à exposer une de leurs réalisations dans le cadre d'une exposition collective. L'exposition a souvent pour thème, en terminale, un des grands thèmes étudiés en lien avec le corpus : « Art & engagement », « Documenter ou augmenter le réel », « Nature à l'œuvre… ». De fait, ils opèrent un choix parmi leurs différentes réalisations.

Certains élèves prennent en charge la scénographie de l'exposition, tirant parti des expériences d'expositions qu'ils ont pu voir en deux ans et demi (15 expositions). Ils travaillent avec une maquette de la galerie ; leurs camarades réalisent des représentations à l'échelle de la maquette de leurs productions.

Le travail consiste à construire un scénario dans l'espace de la galerie, en tenant compte des différentes typologies des réalisations (signification, problématique, formats, couleurs…).

Dans le cadre de cette exposition, chaque élève se positionne comme un artiste et a pour travail d'écrire une biographie et une note d'intention sur sa réalisation présentée, ainsi que de prendre une photographie de qualité de celle-ci. Ces éléments permettent de concevoir un document imprimé, mis à disposition dans la galerie : le dossier de présentation.

Chaque élève est chargé, au moment de l'accrochage, d'installer sa réalisation en ayant réfléchi au préalable au matériel nécessaire (encadrement, fixation sur cimaises, par aimants, avec des clous, sur socle…).

Tous les élèves de spécialité première et terminale sont chargés d'ouvrir, d'allumer et de fermer, à tour de rôle, le lieu, et de prendre en charge des permanences d'ouverture de la galerie (entre deux et quatre heures par exposition). Au préalable, chaque élève présente son travail au groupe afin que chacun puisse assurer des présentations aux visiteurs individuels, aux groupes classe avec les enseignants, ainsi qu'aux visiteurs extérieurs. Lors du vernissage, les élèves de terminale sont à même de présenter leur réalisation.

Étant donné que les élèves de spécialité s'occupent des permanences des expositions d'artistes professionnels, ils sont habitués à ce protocole. Les élèves de première font de même lors de leur exposition. Les élèves de seconde observent et comprennent progressivement les tenants et aboutissants lors des rencontres avec les artistes exposants.

Il y a une progressivité des apprentissages qui commence lors de la présentation orale de toutes leurs réalisations au groupe classe, en s'aidant de leur note d'intention, au départ construite selon un plan spécifique.

Toutes les sections sont amenées à se questionner sur l'exposition de leurs réalisations lors des portes ouvertes du lycée, où la présentation de leurs travaux s'effectue dans sept espaces de classe, auxquels s'ajoutent de nombreux murs de l'établissement.

L'exposition est la pierre angulaire du travail de création.

RECEVOIR

Observer attentivement une création (la sienne ou celle des autres).

Chaque situation de présentation de leur réalisation, lors des oraux comme lors des expositions, se nourrit des multiples situations où les élèves sont amenés à observer des œuvres : lors des visites d'exposition dans des lieux de présentation (musées, centres d'art, à L.A. Galerie du lycée). Cette observation peut donner lieu à des exercices de représentation graphique des œuvres dans leur espace de présentation (dans la galerie comme dans des institutions), ainsi qu'à de nombreux exercices de prise de parole orale, avec ou sans préparation préalable.

Exprimer ce que l'on voit, comprend, ressent

De la même manière, l'expression est écrite et/ou orale et associe une expression du ressenti ainsi qu'une compréhension de l'œuvre construite par des recherches sur l'artiste et/ou l'œuvre. Cela est d'autant plus favorisé par l'opportunité offerte par le temps long de l'exposition dans la galerie. L'élève peut revenir sur l'œuvre et, grâce aux documents mis à disposition, affiner son argumentation. Chaque classe rencontre l'artiste, pose des questions et doit lire et étudier l'entretien réalisé avec celui-ci, disponible en version imprimée et/ou sur le site de L.A. Galerie.

La rencontre avec chaque artiste donne lieu à la réalisation d'un dossier numérique évalué, portant sur l'exposition et répondant à un ensemble de questions spécifiques à chaque démarche. Chaque exposition donne également lieu à des prises de parole des élèves devant les œuvres pendant sa durée.

L'exposition est aussi l'occasion de réaliser des planches de présentation graphiques intégrant des dessins en couleur, avec des points de vue variés, un plan masse et une mise en page dans des formats demi-raisin.

Développer un regard critique et sensible

Une attention particulière est portée à la pluralité des médiums artistiques (dessin, peinture, photographie, vidéo, film d'animation, installation…) dans la programmation annuelle. Le fait d'encourager les artistes à proposer des scénographies spécifiques dans l'espace de L.A. Galerie permet une grande diversité. Ainsi, l'élève se construit un regard critique et sensible, capable de nourrir ses productions écrites en vue de l'épreuve écrite du baccalauréat (constitution d'un champ référentiel).

Cette expérience, acquise pendant trois ans, associée aux travaux de représentation graphique des œuvres dans l'espace d'exposition, permet d'aborder solidement l'épreuve de la note d'intention pour un projet d'exposition. Ces expériences sont enrichies par de multiples visites de musées et de centres d'art.

L.A. Galerie est un outil d'autant plus pertinent et indispensable dans un établissement situé dans un territoire éloigné des métropoles, où les déplacements sont de plus en plus difficiles à financer.

RELIER
Comparer des œuvres entre elles

Grâce à la multiplicité des démarches et des médiums d'expression utilisés par les artistes, les élèves sont particulièrement bien préparés à comparer les œuvres entre elles. Un élève de terminale ayant suivi tout le cursus, de la seconde à la terminale, aura vu et étudié environ 15 expositions.

Ils apprennent à comparer les œuvres présentées entre elles, à les mettre en tension avec celles étudiées en cours et à les mobiliser dans leurs travaux écrits (analyse d'œuvre, analyse méthodique, commentaire critique, note d'intention) et oraux (constitution du champ référentiel).

Relier une production à un artiste, une époque ou un courant artistique.

En écoutant et en interrogeant les artistes exposés, et en lisant les entretiens réalisés, les élèves découvrent que chaque artiste a été influencé par des enseignants, des mouvements artistiques majeurs et d'autres artistes ayant nourri leur réflexion et leur pratique.

Faire des liens avec d'autres disciplines (histoire, littérature, etc.).

Dans les entretiens, il est systématiquement demandé aux artistes d'évoquer leur champ culturel (littérature, sciences humaines, cinéma, musique), montrant ainsi aux élèves la possibilité de créer des liens avec d'autres disciplines. Ces liens sont favorisés dans les écrits des élèves, mais aussi lors des visites d'expositions avec les enseignants d'autres disciplines, qui établissent des ponts entre leurs problématiques et les œuvres présentées.

Le Forestier de Quillien Thibault

L'art et les mots : INTERVENIR sur une image, DEPLACER les intentions initiales

Mael Judic — 2026-05-08T08:32:20Z

En quoi la valeur expressive d'un geste artistique sur une image peut-elle engager une réflexion sociétale avec les élèves ?

Dans le cadre du festival Inspire organisé par la communauté de communes, l'artiste Marie Margaux Bonamy est intervenu 3h à la fois au collège Les Hauts du Saffimbec de Pavilly pour un groupe de 3e et au lycée Thomas Corneille de Barentin avec une classe de seconde. L'ensemble des productions ont été exposées, ce qui a permis de faire un lien interdegré.

Organisation de la séquence :

Avant la pratique

Visite du musée des Beaux-arts de Rouen autour de la thématique : Les stéréotypes féminins et masculins dans la représentation idéalisée du corps
Visite du musée d'Orsay, Paris
Échange avec l'artiste sur mes attentes pédagogiques en lien avec le programme des arts plastiques à la fois du collège et du lycée. Ensemble, nous sélectionnons des œuvres qui nous paraissent pertinentes par rapport à nos objectifs.

Pour le collège, cycle 4

La représentation ; images, réalité et fiction
Questionnement : La création, la matérialité, le statut, la signification des images : l'appréhension et la compréhension de la diversité des images ; leurs propriétés plastiques, iconiques, sémantiques, symboliques ; les différences d'intention entre expression artistique et communication visuelle, entre œuvre et image d'œuvre.

HIDA : établir des liens et des distinctions entre des œuvres diverses, de même époque ou d'époques différentes, d'aire culturelle commune ou différentes :

Utiliser un lexique simple mais adapté au domaine artistique concerné, à sa forme et son matériau, pour aboutir à la description d'une œuvre dans sa globalité
Associer une œuvre à une époque en fonction d'éléments de langage artistique
Amorcer un discours critique

Pratique plastique

Présentation de l'artiste Marie Margaux Bonamy, une ancienne élève du collège et son parcours scolaire. Il me semblait important que les élèves puissent échanger avec elle et comprendre qu'il est possible de suivre une voie artistique quel que soit leur lieu d'habitation (milieu semi-rural avec un accès à la culture qui peut être difficile).

Qui est Marie Margaux Bonamy ? Diplômée de l'École Supérieur d'Art et de Design Le Havre-Rouen, elle participe à la création de l'association Polymorphe, engagée dans la rencontre des cultures et des formes artistiques. Elle aime travailler sur ce qui fait le lien entre les individus. Ses travaux sont engagés car ils remettent en cause le statu quo de nos sociétés.

• Question posée aux élèves : qu'est-ce qu'un stéréotype sexiste ?

Présentation par l'artiste de sa série Déflorer

Déflorer questionne l'image de la fleur dans sa pluralité. Symbole à la fois d'amour, de mort et de sacrifice. Chacune des cartes décrit l'un des féminicides recensé en 2021. Elles énoncent succinctement les faits, tels qu'ils seraient formulés par les victimes.

Présentation des cartes postales d'œuvres d'art. Certaines sont issues de la visite des deux musées.

Changement de statut : l'œuvre unique du musée devient multiple et commercialisée
Analyse d'œuvres / d'images et comparaison d'œuvres différentes sur une même question : Pourquoi avons-nous choisi ces reproductions ?

Pour la seconde

Dessiner pour créer, comprendre, communiquer

Questionnements : Les conceptions contemporaines du dessin : pluralité des modalités et pratiques, filiation et rupture, relations avec d'autres médiums, avec l'écriture…

Enseignement transversal : Égalité filles garçons
Lutter contre les stéréotypes de genre et défendre l'égalité entre les filles et les garçons sont au cœur de l'engagement de l'école. Agir pour le respect des droits de chaque élève est essentiel pour l'accompagner vers la réussite, quel que soit son genre.

Détourner ce support au regard des stéréotypes sexistes avec la technique de la broderie

Avoir un recul critique sur les œuvres / la société afin d'inscrire un message qu'il faudra justifier
Phase de dessin sur calque
Broderie

Productions et propos d'élèves

Auguste Toulmouche, La Fiancée hésitante, 1866.

« J'ai brodé Ai-je le choix ? car on force cette femme à se marier. Les deux femmes à côté d'elle tentent de la rassurer pendant que derrière la 3e femme lui pose une couronne de fleurs. Le regard sombre de la mariée signifie qu'elle est forcée. La couleur verte est une couleur complémentaire par rapport à la robe rouge en bas » Mathis

Suzanne Valadon, Adam et Eve, 1909

« J'ai brodé "Pécheresse" en lien avec le péché originel dans la religion chrétienne. La femme représentée est Eve qui a croqué la pomme et a causé la souffrance et la mort dans la condition humaine. Dans la bible, c'est à cause de la femme qu'ils perdent le paradis et l'immortalité. Or, l'artiste de cette œuvre est une femme qui a peint Adam, sous les traits de son amant de 21 ans moins qu'elle. Encore aujourd'hui les hommes peuvent aimer des femmes plus jeunes alors que les femmes sont traitées de cougar... En plus, elle a dû recouvrir le sexe de l'homme pour exposer alors qu'il y a souvent des femmes nues peintes par des femmes et ça ne pose pas de problème » Cassiopée

Pompeo Batoni, La mort de Marc Antoine, 1708

« J'ai brodé "Panser/ penser" car l'homme a besoin de la femme. Elle le soigne et c'est un jeu de mot avec le mot penser, réfléchir. Le mot E de penser est en train d'exclure panser pour prendre sa place comme si utiliser son cerveau pour réfléchir était le plus important ». Alycia

Tamara Lempicka, Autoportrait à la Bugatti verte, 1929

"J'ai brodé le message "Lead your own way" / "Choisir ton propre chemin" faisant référence à la conductrice et artiste. Elle va à l'encontre des stéréotypes de genre féminin où la femme est cantonnée aux rôles domestiques et à la douceur. J'ai utilisé un point de fuite pour écrire "Lead" afin d'accentuer cette idée de liberté. J'ai choisi la couleur rouge, car elle crée un contraste complémentaire avec la couleur de la voiture et rappelle les lèvres de la conductrice. » Owen

Virginia de Vezzi, Judith avec la tête d'Holopherne, 1597

« J'ai brodé "Dipingere è combattere". C'est écrit en italien par rapport à la nationalité de l'artiste. En français, cela veut dire "Peindre c'est combattre" car la femme tient une épée avec la tête décapitée d'Holophèrne et pour être une femme artiste à cette époque, il faut lutter contre les préjugés sexistes des hommes qui dominent le monde l'art. Le bleu reprend sa robe et le rouge fait le tour de l'épée et rappelle le sang coulé. » Lilou

Vincent Van Gogh, Vieil homme qui pleure, 1890

« J'ai brodé "tristesse / faiblesse" en bleu pour rappeler le vêtement du personnage et "≠" en rouge pour faire ressortir le signe. L'idée était de montrer que pleurer ne veut pas dire être faible, mais juste être humain et montrer ses sentiments » Mayline

Claude Cahun, Autoportrait, 1919.

"J'ai brodé "Entre les genres, je me trouve" car dans son œuvre, Claude Cahun joue avec les apparences et mélange les codes masculins et féminins. Elle montre ainsi une identité qui n'est pas fixe. J'ai utilisé le rose et le bleu, car ce sont des couleurs associés aux stéréotypes. Leur association permet de montrer un mélange des genres et de remettre en question ces codes. Ma démarche illustre une identité située entre les genres comme celle de Claude Cahun ». Sarah

Berthe Morisot, Le berceau, 1872

"J'ai brodé "L'instinct maternel n'est pas naturel" pour répondre aux croyances de notre société selon laquelle l'instinct maternel est inné et évident pour la mère. J'ai choisi le rose, car il rappelle le cliché de couleur associé aux femmes. Le vert, quant à lui, rappelle la flore du concept nature. Les mots sont disposés de manière à relier le regard de la mère au visage du bébé présent dans la composition de l'œuvre. » Melia

Installation des productions

Au collège
Référence au programme du collège : L'œuvre, l'espace, l'auteur, le spectateur
Questionnement : La présentation

Au collège avec les productions des élèves de 3e

Au lycée
Référence au programme de seconde : Exposer l'œuvre, la démarche, la pratique

Au lycée, dans la galerie ouverte avec les productions des élèves de collège et du lycée

Ce travail a été l'occasion d'étudier des œuvres d'art contemporain engagées utilisant la technique de la broderie.

Annette Messager

Annette Messager (1943) est l'une des premières et plus ferventes militantes de la cause. Elle crée des broderies féministes dans les années 1970 et en particulier dans sa Collection de proverbes de 1974, brodés à la main se faisait la chronique de la misogynie ordinaire.

Louise Bourgeois

Louise Bourgeois (1911-2010). Son œuvre est fondée sur des éléments autobiographiques : le père y tient le rôle du tyran adultère, qui considère les femmes comme des êtres voués à l'obéissance. La série "Eugénie Grandet" proprement dite se compose de seize petites broderies. La technique évoque évidemment la femme confinée à des travaux d'aiguille, pour passer le temps ou le perdre.
En 2002, Louise Bourgeois utilise des vêtements remontant aux années 1920 pour en faire un livre textile intitulé Ode à l'oubli. Elle construit la reliure et les pages avec les mouchoirs en tissu datant de son mariage de 1938.

Ghada Amer

Ghada Amer (1963) : Les préoccupations qui l'animent : le travail des femmes, l'égalité des sexes et la relation entre l'Orient et l'Occident.
Une de ses premières œuvres intitulée Cinq femmes au travail (1991) es un ensemble de tableaux soigneusement bordés, chacun représentant une femme effectuant une tâche domestique.
Son installation Private room (1998) est constituée d ‘une série de housses à vêtements bordés de textes coraniques détaillant les interdits des femmes.

Judy Chicago

Judy Chicago, The Dinner Party est une installation artistique réalisée par l'artiste féministe américaine de 1974 à 1979. Elle se présente sous la forme d'une histoire symbolisée des femmes. Cette installation se compose de 39 tables à manger dressées, jointes les unes aux autres et disposées en triangle (symbole du sexe féminin) de 15m de côté, chaque table représentant une figure historique féminine. Pour cela, elle utilise des techniques qui sont considérées comme traditionnellement féminines (comme la broderie). Chaque place de la table comporte un chemin de table brodé du nom d'une femme célèbre ainsi que des images ou des symboles qui lui sont liées.

Shannon Downey

Shannon Downey est une activiste féministe américaine. Sa pièce « Boys Will Be Boys », une œuvre réalisée en point de croix a été créée en réponse à Donald Trump : « Les garçons seront des garçons tenus responsables de leurs putains d'actes », est alors devenue virale.

Rebecca Hardis

Rebecca Harris (1977) est une artiste britannique. Étudiante obèse, elle décide de se faire opérer de l'estomac afin de stopper sa prise de poids. La série « Obscure Objets of Obesity » : La peau et le corps, à la fois dégonflés et fragmentés, sont pensés comme la mémoire d'une identité et d'un vécu. Rebecca Harris modèle son corps par la broderie. Les broderies sur photographies sont pour l'artiste une manière de prendre le contrôle de son corps, de le manipuler, de le changer, de le modifier, de contrer son obésité.

Pour l'œuvre Untilted (body modification), Rebecca Harris a pris en photographie son corps en se focalisant sur son ventre, de la taille à mi-cuisses. L'artiste se lance dans une manipulation qu'elle ne peut effectuer sur son corps physique. En effet, à l'aide de fil rouge, elle le raye, le barre, le rature, elle pique dans la chair, tend des fils comme pour le resserrer.

Sarah Naqvi

En Inde, Sarah Naqvi crée des broderies représentant les menstruations

ESPINASSY Laurence, Enseigner les arts plastiques. Dimensions ergonomiques et didactiques du métier, 2026

Virginie Michel — 2026-05-03T15:36:44Z

Quelques mots sur l'autrice ...

Laurence ESPINASSY

Professeure des Universités, exerçant à l'Inspé (Institut national supérieur du professorat et de l'éducation) d'Aix-Marseille Université. Ses recherches s'inscrivent dans les contours d'un programme « Ergo-Didactique », dont elle est coresponsable (Programme ODE – Laboratoire ADEF – UR 4671) et contribuent au développement du programme relatif aux enseignements artistiques (GCAF). Ses recherches se développent à partir de la mise au jour d'organisateurs génériques de l'activité enseignante en étudiant initialement la discipline scolaire des arts plastiques.

Présentation de l'ouvrage

Que signifie « enseigner les arts plastiques » en France ? Comment s'organise l'activité des professeurs de cette discipline ? Comment les pratiques de classe contribuent-elles à l'autonomisation des élèves ?

En croisant analyse ergonomique du travail et perspective didactique, l'ouvrage éclaire, les contraintes institutionnelles, les choix pédagogiques et les potentialités d'un apprentissage émancipateur. Le métier d'enseignant y est replacé au cœur d'une histoire professionnelle, de politiques éducatives et dans une économie de pratiques proposant une lecture des caractères visibles et invisibles de l'activité enseignante. Cette contribution réinscrit les arts plastiques dans les enjeux politiques, démocratiques et sociaux de l'éducation française, où les élèves deviennent acteurs de leur relation au monde, au langage et à soi.

Laurence Espinassy

Pour en savoir plus...


Tables des matières	Avant-propos	Introduction	Illustrations

https://pur-editions.fr/product/10592/enseigner-les-arts-plastiques

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°4

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:50Z

Dans quelles mesures les artistes éclairent-ils la perception de notre quotidien, de notre histoire, de notre rapport au monde ?

L'œuvre d'art ne se limite jamais à sa seule matérialité ou à l'intention de son créateur : elle s'inscrit toujours dans des contextes multiples — historiques, sociaux, culturels, spatiaux — qui influencent sa conception, sa réception et ses usages. Les programmes d'arts plastiques des cycles 3 et 4 accordent une attention particulière à cette dimension, invitant les élèves à explorer non seulement la fabrication et la présentation des œuvres, mais aussi les lieux, les circonstances et les finalités qui leur donnent sens. Comprendre une œuvre, c'est ainsi interroger son contexte d'émergence, ses fonctions, ses modes de diffusion et les interactions qu'elle suscite avec le public.

Au cycle 3, les élèves sont amenés à fréquenter des œuvres dans des lieux variés — espaces scolaires, patrimoine local, musées — et à réfléchir à la manière dont la présentation influence la réception. Ils apprennent à situer les œuvres dans l'espace et le temps, à identifier leurs caractéristiques techniques et formelles, et à comprendre comment le contexte historique ou culturel façonne leur organisation et leur signification. L'accent est mis sur la découverte, l'analyse et la verbalisation, afin que chaque élève puisse relier l'œuvre à son environnement et à ses finalités, qu'elles soient esthétiques, utilitaires ou symboliques.

Au cycle 4, la réflexion s'élargit et s'approfondit : les élèves étudient les lieux de création, de réception et de diffusion des œuvres (atelier, musée, espace public), ainsi que les fonctions et usages variés de l'art (embellissement, commémoration, engagement, transmission, etc.). Ils sont invités à associer des œuvres à différentes fonctions, à justifier leurs hypothèses et à comprendre comment l'œuvre peut solliciter les sens, interpeller les esprits ou construire une mémoire collective. L'analyse des contextes permet d'aborder l'œuvre comme un objet vivant, porteur de sens et de finalités qui évoluent selon les circonstances et les publics.

Comprendre une œuvre d'art, c'est aussi comprendre ses contextes et ses usages. Les élèves apprennent, à travers cette thématique à voir l'œuvre comme un objet vivant, dont le sens évolue selon l'époque, le lieu et le public.

Les œuvres contenues dans la valise "l'œuvre et ses contextes, ses finalités"

Certaines des œuvres sont associées à un accompagnement sous forme de diaporama.



Yann LESTRAT Sans titre 2013 Impression offset quadrichromie sur papier Creatormatt 150 g 100 x 70 cm, édition à 500 exemplaires Acquisition 2022 / Inventaire n°8	Marc MEINAU Télévision explosée abandonnée dans une forêt 2018 Photographie réalisée à Monte Amiata (Toscane, Italie) Numérotée 1/25 et signée au verso 20 x 30 cm Acquisition 2021 / Inventaire n°2	Raphaell KERN Piscine 2020 Risographie 2 couleurs sur papier Bulk 90 g 40 x 30 cm, édition signée et datée au verso Acquisition 2023 / Inventaire n°45	Léa BÉNÉTOU Au fur et à mesure 2022 Terre cuite en grès « Brasil » chamoté, plexiglas, impression sur papier, étui en carton 13 x 8 x 2,5 cm, Acquisition 2023 / 6 exemplaires Inventaire n° 65, 66, 67, 68, 69, 70	Marie-Claire MITOUT Rayonnons 2023 Risographie 3 couleurs sur papier Munken White 300 g 21 x 29,7 cm, édition numérotée au dos _/100 et signée par l'artiste Acquisition 2024 / Inventaire n° 79

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

Comment l'art accompagne-t-il les grands événements de la vie privée et publique ?
En quoi les expressions artistiques contemporaines donnent-elles une place nouvelle à l'individu ?
La diffusion numérique et l'IA transforment-ils le statut des artistes ?
Comment la création artistique s'emparent-elle des effets du numérique dans notre quotidien ?
En quoi le quotidien permet-il de tendre vers un discours universel ?
La création artistique est-elle compatible avec les enjeux écologiques ?

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°3

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:38Z

En quoi notre rapport individuel à l'art nous inscrit-il d'emblée dans la dynamique collective d'une société ?

L'art occupe une place singulière dans la formation des jeunes, car il est à la fois matière à explorer et langage universel. En tant que matériau, il offre une infinité de possibilités pour exprimer, transformer et inventer ; en tant que véhicule, il permet de transmettre des récits, des valeurs et des visions du monde qui dépassent l'individu pour s'inscrire dans une mémoire et un imaginaire collectifs. Les programmes d'arts plastiques des cycles 3 et 4 mettent en lumière cette double dimension : ils invitent les élèves à expérimenter, à créer, mais aussi à comprendre comment l'art façonne et reflète les imaginaires partagés d'une société.

Dès le cycle 3, les élèves sont invités à inventer des formes et des univers imaginaires, à travers le dessin, la peinture, la photographie ou encore le numérique, en se détachant de la simple imitation du réel. Ils apprennent à organiser des images pour raconter ou inventer, à détourner des objets à des fins narratives, et à explorer la valeur plastique de l'écrit pour traduire idées, émotions et récits dans une production visuelle. Cette approche favorise la construction de récits collectifs et individuels, où l'imaginaire de chacun s'enrichit au contact de celui des autres, tout en s'ancrant dans des références partagées issues du patrimoine artistique.

Au cycle 4, cette dimension s'approfondit à travers l'étude des « systèmes et rhétoriques d'une narration visuelle » et des « répertoires esthétiques d'une altérité ». Les élèves analysent comment l'art met en scène des créations du monde, élabore des modèles de référence (héros, divinités, souverains), et documente des espaces inconnus ou imaginaires. L'art devient alors un langage commun, capable de représenter et de transmettre des mythes fondateurs, des récits collectifs, mais aussi la pluralité des cultures et des visions du monde. Les pratiques pédagogiques encouragent la comparaison d'œuvres, la distinction des modalités de représentation de l'inconnu, et la réflexion sur la façon dont l'art enregistre et façonne l'imaginaire collectif d'une société.

Ainsi, l'art, dans l'enseignement des cycles 3 et 4, est à la fois matériau de création et vecteur de transmission d'un imaginaire partagé. Il permet aux élèves de s'approprier, de transformer et de réinventer des symboles, des récits et des formes, tout en développant leur sens critique et leur ouverture à l'altérité. Par la pratique, l'analyse et la confrontation des œuvres, ils participent activement à la construction d'une culture commune, où l'imaginaire individuel s'inscrit dans une dynamique collective.

Les œuvres contenues dans la valise "l'art comme matériau et véhicule d'un imaginaire collectif"

Certaines des œuvres sont associées à un accompagnement sous forme de diaporama.


				{{}}
Agathe MEUNIER Sans titre Risographie sur papier 29,7 x 42 cm, édition numérotée 101/120 et signée Acquisition 2025 / Inventaire n°93	Christian GFELLER et Anna HELLSGÅRD Sans titre (violet-orange-vert) 20 Sérigraphies Édition numérotée 02/20 et signée 80 x 59 cm Acquisition 2022 / Inventaire n°31	Cécile BICLET & Jagna CIUCHTA Prémonition 2022 Risographie 2 couleurs sur papier Munken White 300 g 21 x 29,7 cm, édition numérotée au dos 99/100 et signée Acquisition 2023 / Inventaire n° 39	Claire DUPLOUY Les palmiers du paradis 2021 Reproduction numérique d'une peinture à l'aquarelle sur papier 300 g recyclé 45 x 32 cm, édition numérotée au recto 13/30 et signée Acquisition 2022 / Inventaire n°19

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

La collection L'impression voyage ! : VALISE n°2

Virginie Michel — 2026-04-12T13:42:25Z

En quoi les progrès scientifiques et techniques transforment-ils la création artistique ?

Les projets de programmes du cycle 3 et 4 inscrivent la pratique artistique dans une approche réflexive où la technique n'est pas seulement un moyen, mais un vecteur de sens. Ils invitent à interroger « les relations entre l'œuvre, la réalité et la fiction », ainsi que « les interactions entre arts, sciences et technologies ». Cette thématique engage une compréhension élargie des processus de création, en lien avec les compétences du socle commun, notamment « la culture artistique » et « les méthodes et outils pour apprendre ».

Au cycle 3, l'accent est mis sur la découverte des procédés et des matériaux, en lien avec la perception sensorielle et la transformation de la matière. Les élèves expérimentent les effets physiques (lumière, couleur, texture) et comprennent que la technique influence la forme et la signification. L'objectif est de développer une autonomie dans le choix des outils et d'initier une réflexion sur la dimension scientifique des phénomènes plastiques (mélanges, transparence, perspective).

Au cycle 4, la démarche devient plus conceptuelle en insistant sur « l'hybridation des pratiques » et « l'usage des technologies numériques ». L'artiste contemporain mobilise des savoirs scientifiques (optique, biomécanique, biologie) et des dispositifs technologiques (vidéo, réalité augmentée, impression 3D) pour créer des œuvres interactives ou immersives. Cette approche questionne la place de l'artiste comme expérimentateur et la notion d'œuvre comme système. Les élèves sont amenés à analyser ces enjeux, à produire des réalisations intégrant des outils numériques et à réfléchir sur l'impact des sciences dans la création (art et data, bio-art, installations interactives).

Ainsi, cette thématique répond à la finalité suivante : former un regard critique et créatif, en articulant pratique et culture, et en inscrivant l'art dans un dialogue avec les savoirs scientifiques et technologiques qui façonnent notre monde.

Les œuvres contenues dans la valise "l'artiste et les techniques, technologies et sciences"

Certaines des œuvres sont associées à un accompagnement sous forme de diaporama.



Héloïse BOSSARD Les Mûres Cyanotype réalisé d'après des papiers découpés 23,9 x 17,9 cm, édition numérotée au recto 5/10 et titrée Acquisition 2021 / Inventaire n° 1	Camille FOSSE Feuille (terracotta) 2017 Linogravure 70 x 50 cm Acquisition 2023 / Inventaire n°6	Marjorie DESMOTTES L'Herboriste 2021 29,7 x 21 cm Cyanoype Acquisition 2022 / Inventaire n° 28	Julie GALLET La Piscine 2023 Risographie 2 couleurs (aqua + rose fluo) sur papier Arena Rough 200 g 30 x 24 cm Édition à 30 exemplaires, édition numérotée au recto 28/30 et signée Acquisition 2024 / Inventaire n° 75	Julien DUPORTÉ Vache pie CMJN #1 2021 Sérigraphie 35,5 x 50 cm Acquisition 2022 / Inventaire n°30

Les questionnements envisageables et articulés à l'enseignement transversal Histoire des arts

Quelles relations entretiennent les outils et les formes ?
Quels sont les usages et les fonctions de la polychromie ?
Comment les savoir-faire techniques sont-ils au service de la compréhension de création ?
Dans quelles mesures les matériaux participent-ils à la dimension symbolique de l'objet artistique ?
En quoi les progrès scientifiques et techniques transforment-ils la création artistique ?
Quels sont les liens entre la création artistique et les avancées techniques ?
Comment la reproductibilités technique contribue-t-elle à la création technique ?
Comment la machine et le numérique deviennent-ils des matériaux artistiques à part entière ?