Arts Plastiques / Académie de Normandie

DOCUMENTER OU AUGMENTER LE RÉEL : PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION

Virginie Michel — 2026-04-10T08:08:01Z

Dans quelle mesure s'appuyer sur un festival de films documentaires de création permet-il aux enseignants d'aborder et travailler avec les élèves la question "documenter ou augmenter le réel" ?

PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION
LYCÉES LITTRÉ D'AVRANCHES, MILLET DE CHERBOURG, CORNAT DE VALOGNES ET LEBRUN DE COUTANCES
CINÉMA DE VILLEDIEU – LUNDI 23.03.2026

150 élèves suivant l'enseignement de spécialité arts plastiques en première et terminale se sont retrouvés pour une journée de projection et d'analyses de films documentaires de création au cinéma de Villedieu.
Cette action pédagogique fait écho au programme du baccalauréat :

>>> documenter ou augmenter le réel.

La programmation a été conçue en collaboration entre Benjamin Serero, les enseignants et le cinéma de Villedieu. La préparation des interventions des élèves a été assurée par Marie-Dominique Ledanois, Maud Brosse, Lucie Chausson et Ronan Descottes.

La séance a été modérée par Benjamin Serero, réalisateur et producteur. Formé à La Fémis, il a d'abord travaillé en tant qu'assistant sur des longs métrages notamment avec Mariana Otero et Nicolas Philibert. Depuis 2002, il produit et réalise des courts-métrages de fiction et des documentaires.
Quelques élèves ont préparé des interventions permettant de questionner cette forme cinématographique. Cela a permis des débats pertinents, sensibles et très enrichissants sur les thèmes abordés comme sur les formes plastiques, artistiques et cinématographiques employées.
La représentation du réel à travers sa mise en scène a été au cœur de ces questionnements.

Découpage de la captation de la journée


00h 00min 04s : Introduction de la journée par Ronan DESCOTTES 00h 01 min 16 s : Introduction par Benjamin SERERO	00h 06 min 16 s : Je suis votre voisin (1990) de Karine de Villers et Thomas de Thiers 00h 51min 58 s : Vers la tendresse d'Alice DIOP (2016)	1h 04min 07s : Le COD et le coquelicot (2013) de Cécile ROUSSET et Jeanne PATURLE 1h 16min 00s : Ne croyez surtout pas que je hurle (2018) de Franck BEAUVAIS	1h 35min 15s : La Sole entre l'eau et le sable (2012) de Angèle CHIODO 1h 57min 48s : Espace d'Eléanor GILBERT (2014) 2h 57min 48s : Conclusion

Le COD et le coquelicot (2013) de Cécile Rousset et Jeanne Paturle (24 min)

Présentation par Manon, Manon et Manon du lycée Millet de Cherbourg
Synopsis par Noémie : Le COD et le coquelicot est un film documentaire de 24 minutes qui nous raconte l'histoire d'une école primaire en banlieue parisienne à travers les voix de cinq professeurs. Celles-ci donnent une ambiance de « podcast » à ce court métrage. De nombreuses techniques utilisées pour faire le film peuvent sembler étonnantes pour le spectateur : du dessin, de la peinture, du papier découpé constituent la majorité des images auxquelles se mêlent des photos de la réalité. Les différentes histoires des professeurs abordent les sujets de la violence scolaire, les conditions de travail dans lesquelles ils se retrouvent mais aussi leurs interprétations de ce que pensent et ressentent leurs élèves. Les bons et les mauvais moments d'une année scolaire sont montrés et malgré tout il ne faut pas perdre espoir comme nous le montre la fin du documentaire.

Analyse par Louna et Abygaël du lycée Millet de Cherbourg

Le documentaire imite le scrapbooking, dénonce la difficulté des enseignants à s'adapter au monde contemporain de leurs élèves. Entre racaille et programme scolaire défaillants, une métaphore est mise en avant dans ce documentaire :

Pourquoi apprendre le principe du C.O.D. à un enfant alors qu'il ne connait pas un simple coquelicot ?

Le documentaire documente de façon ludique les enjeux et les difficultés des élèves et des enseignants face à un programme complètement illusoire mis en place par un gouvernement non renseigné.
Ce film documentaire prend place dans une école primaire dans un quartier réputé comme étant difficile de Paris. On y suit le point de vue de cinq enseignants qui prennent pour pari de réussir à éduquer et aider les élèves sans abandonner comme les précédents. Ainsi, on découvre une vision bien plus intime et complexe de la vie d'un enseignant face à des élèves turbulents et en difficulté, en plus de leur détermination à tenir bon et à avoir de l'espoir face aux défis du quotidien.

Clean with me after dark (2019) de Gabrielle Stemmer (21 min)
Synopsis

Ce documentaire questionne la place des femmes dans la société contemporaine, notamment dans certaines banlieues pavillonnaires américaines, une norme sociale imposée. Il montre des vidéos publiées sur des réseaux sociaux par des femmes qui se filment faisant le ménage. Cette accumulation nous amène peu à peu à découvrir une réalité plus intérieure, nous révélant leurs difficultés à supporter leurs conditions de femmes au foyer, irréprochables et parfaites.

Analyse par Naelle et Alice du lycée Littré d'Avranches

Le rythme du film accompagne le passage du bonheur apparent aux difficultés supportées : On voit ces femmes s'agiter, nettoyer, ranger, brosser, aspirer, sur fond de musiques joyeuses…. Tous ces gestes qui se répètent montrent la routine de ce quotidien sans fin, les mêmes tâches, cet enfermement, les situations similaires : les images sont accélérées, se juxtaposent aux sons ou apparaissent en mosaïque. Au bout de 5 mn : la musique se coupe. Le silence se fait quand le soustitrage nous dit que les enfants dorment. Peu à peu, on ne les voit plus qu'au travers de leurs mains, de dos, gros plans, de détails. Le bruit devient réel…celui du seul aspirateur. Les mots de la décoration (la vie est belle, merci pour tout, amour, espoir, rêve…) sont ironiquement à l'opposé de ce qu'elles vivent et nous amènent à la description de leur mal être : « Reste calme et nettoie ! » s'inscrit sur le tee-shirt de Jessica. Elle nous fait part de ses angoisses et de son anxiété, partagés par tant d'autres. Le spectateur suit la réalisatrice comme dans une enquête permise grâce aux données d'internet. De l'apparence
extérieure, du paraitre, on passe à la réalité de tourments plus intimes.
Inversement : on passe de l'intérieur de la maison vers l'extérieur. Le spectateur les imagine derrière les murs de ces maisons cossues. Avec pudeur, la réalisatrice ne les montre plus quand elles pleurent. Les enfants eux apparaissent comme raisons de vivre mais aussi comme des contraintes. La dernière image au générique affirme que la relève semble pourtant assurée. La présence de l'homme est sous-jacente : Il travaille, apparait dans un reflet, capturé et conservé discrètement sur le bureau de l'ordinateur. Son absence est décrite dans le texte des chansons au début du film. Sa présence discrète matérialise son indifférence face à des situations douloureuses qu'il ne semble pas considérer.

L'effet de construction du film en direct ne cache-t-il en réalité pas de nombreuses recherches ?
Les réseaux sociaux ne renforcent-ils pas ces stéréotypes ? (…accentué depuis Trump : essor sur les réseaux sociaux des "trad wives")
L'auteure ne souhaite-t-elle pas nous renvoyer à la façon dont nous-mêmes consommons internet ? = Navigation, clics, recherches, intrusions, temps sacrifié à l'existence d'anonymes qui nous renvoie à la nôtre, mise en scène permanente de soi sur les réseaux sociaux, question du paraître.

Analyse par Charlotte et Lokoma du lycée Lebrun de Coutances

Un autoportrait filmique Un homme qui vit dans un village du Jura relate une rupture amoureuse douloureuse qui l'amène à la dépression. Son film est composé de plans empruntés à de nombreux autres films qu'il visionne de façon boulimique durant cette période. Cela ressemble à un autoportrait sans montrer son apparence. La forme plastique du film, en effet, ne révèle pas le visage du réalisateur. Ce dernier parle de lui sans se montrer et pourtant les plans font allusion à ce qu'il a vécu. C'est une œuvre paradoxale faite à partir d'images qui ne lui appartiennent pas. Le réalisateur utilise sa propre voix en Voix Off pour relater son histoire, ses souvenirs et ses intentions. Cette parole est une forme d'autoportrait oral et littéraire mais elle est désincarnée car la voix est monotone et presque mécanique. L'émotion passe donc par les images et les plans choisis (images d'archives, paysages, objets, personnages en action…) qui reflètent sa subjectivité et ses émotions. Elles ne sont pas neutres mais chargées de sens personnel. Le montage, c'est-à-dire le choix d'enchaînements des scènes retenues, crée un récit, presque comme un journal personnel ou une chronique intime.Cette œuvre relève du cinéma expérimental, pratique artistique relevant à la fois des Arts plastiques et du cinéma d‘art et d'essai. Ici, c'est la technique du found footage (montage d'images récupérées / trouvées à partir de 400 films, Franck Beauvais parle de « Cinéfolie ») qui est utilisée. Cette technique est souvent exploitée pour questionner la mémoire, la subjectivité et la reconstruction du réel. Le cinéma devient un matériau associé au texte.

On peut repérer 3 types de rapport texte/image :

1 - Rapport de redondance : l‘image montre ce que le texte dit ;
2 - Rapport de disjonction : l‘image s'écarte de ce que le texte dit, ce qui amène le spectateur à une certaine confusion ;
3 - Rapport de collaboration : l‘image complète ce que le texte dit, ce qui amène le spectateur à interpréter pour construire du sens.

Ne croyez surtout pas que je hurle (2018) de Franck Beauvais (75 mn, extrait du début jusqu'à 7 mn 20)

Les extraits de Films sont tous très différents les uns des autres. Cette diversité reflète bien la fragmentation et le chaos de son état mental. Elle symbolise aussi la multiplicité des émotions ou des souvenirs.
La voix off adopte un ton monocorde, elle ne laisse paraître aucune émotion et rend le récit triste. Le récit en Voix Off a été écrit avant, séparément du montage. Le montage a comme point de départ le texte enregistré et les plans sont positionnés tel un puzzle. C'est un montage par jeu métaphorique, d'association d'idées, d'homophonie, de jeu de contraires, ironique, de dérèglement sémantique, de correspondances formelles et chromatiques. C'est donc l'image qui rend cette œuvre expressive et ce sont les extraits choisis et leur montage qui humanisent le propos.
Pour conclure, on peut dire qu'il utilise la réalité des films pour en faire la réalité de sa vie. L'esthétique du collage fait apparaître une fragmentation qui peut évoquer son chaos ou son désordre intérieur.
Le réel est donc reconstruit par le dispositif de montage d'images et de réinterprétation, pourtant ce film a une dimension documentaire. Il documente sa vie et l'expérience de la dépression. Il implique le spectateur de plusieurs manières, émotionnellement par les images et intellectuellement en interprétant la relation texte image.

La Sole entre l'eau et le sable (2012) de Angèle Chiodo (15 min)

Synopsis : Filmer le temps qui passe, traiter l'évolution et parler de sa grand-mère de manière indirecte, voilà ce qui est à la base du documentaire animé et décalé d'Angèle Chiodo. Le tout était d'entremêler ces sujets de manière ludique, à travers des jeux de lumières et d'animation, et un travail de la musique précis et assumé (le concerto en « sole » de Ravel). Angèle Chiodo réussit avec La Sole, entre l'eau et le sable à traiter de manière égale son amour de la biologie et une tendre émotion pour sa grand-mère.

Analyse par Jeanne, Mallaurie et Kylian du lycée Cornat de Valognes

Ce court métrage est un film documentaire sur la sole, un animal marin que la réalisatrice décrit tout le long du film grâce à une voix off. Cette voix off est accompagnée de vidéos et stop motion visant à mettre la sole au-devant de la scène ; une manière très surprenante, qui nous montrera qu'il y a un double sens dans le film. Celui-ci est découpé en quatre parties qui suivent les saisons d'une année. L'action se passe dans un intérieur très chargé, qui semble être un appartement.

Pour introduire et montrer la sole, la réalisatrice utilise des images réelles filmées avec sa caméra ainsi que la technique du stop motion qui consiste à prendre plusieurs images d'objets se déplaçant afin de créer une animation. Pour cela elle a utilisé notamment le logiciel After Effects. D'autres techniques sont présentes également, on peut observer diverses créations fait main, des objets provenant du lieu, objets du quotidien ou
non. Certains sont transformés pour ressembler à la sole. Elle travaille avec des matériaux originaux qu'on a moins l'habitude de voir mais que l'on va retrouver tout au long du film, telle que la gélatine, ainsi que différents tissus pour réaliser les costumes de la sole. La voix off est omniprésente et donne un aspect documentaire scientifique au film, mais parfois aussi parodique. Cela nous permet de comprendre ce que l'on regarde et d'avoir des informations réelles sur la sole, mais on entend également la grand-mère et la réalisatrice parler seules ou entre elles ce qui renforce le côté comique.
Ce film est le projet de fin d'étude d'Angèle Chiodo, ancienne étudiante de l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs. Le film explore le lien familial entre deux générations. Nous avons communiqué avec la
réalisatrice lors d'une visio-conférence, et celle-ci nous a dit qu'elle a utilisé le prétexte d'un animal marin ; la sole, pour parler de sa grandmère. Elle s'est également inspirée des films de Jean Painlevé, entre autres, pour écrire la voix off. Le sujet assez intime de la famille a permis d'être traité de manière détournée sans en parler frontalement. Ainsi ce film est un documentaire décalé sur les étapes de la vie d'une sole dans son milieu aquatique, mais montre en parallèle la fin de la vie de sa grand-mère dans son appartement. La sole permet également de faire un lien métaphorique avec l'isolement des personnes âgées qui peuvent faire face à un handicap. De plus la réalisatrice nous interpelle sur le fait de renouer le lien avec nos aînés.

Remerciements :

aux élèves intervenants
à Benjamin Serero
à l'équipe du Cinéma de Villedieu (Christophe, Gérard)
à Matthieu Georges qui a filmé la journée


DOC DOC DOC entrez ! Edition 2026 : Festival du cinéma documentaire de Villedieu-les-Poêles du 7 au 12 avril 2026 https://www.villedieu-cinema.fr/#/ https://www.villedieu-cinema.fr/?view=article&id=236:doc26&catid=2#/

Maud Brosse, Lucie Chausson, Ronan Descottes et Marie-Dominique Ledanois

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Mael Judic — 2026-03-07T16:13:10Z

Dans quelle mesure une production peut-elle articuler les notions de fragment et d'unité pour construire une représentation cohérente et signifiante du paysage ?

Cette séquence, conçue pour les élèves de 1ère Spécialité Arts Plastiques, s'inscrit dans la partie du programme : « Les enjeux de la représentation, de ses langages et de ses moyens plastiques ». Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain, par l'affirmation de différents degrés de distance au référent.

Organisation de la séquence

La première séance (2 heures) est dédiée à la présentation du projet et à une immersion directe dans le champ artistique contemporain. Les élèves participent à un atelier de pratique plastique avec l'artiste Tom Nadam, qui expose dans la galerie de l'établissement, dans le cadre du dispositif De Visu. Cette rencontre permet d'ancrer la réflexion théorique dans une expérience concrète de la création.

Entre la première et la deuxième séance, un travail personnel est demandé aux élèves pour enrichir leur culture artistique. Ils visionnent la vidéo de présentation de l'exposition « Paysage, Fenêtre sur la nature », tenue au Musée du Louvre-Lens entre mars et juillet 2025. Ce visionnage doit être accompagné d'un travail de prise de notes, visant à alimenter leur réflexion avant la mise en pratique.

La deuxième séance (2 heures) reprend la réflexion autour de « Fragments et unité dans un paysage ». Elle commence par une réflexion et une analyse collective de la problématique. Les termes clés sont définis à l'oral : le fragment (morceau, partie), l'unité (homogénéité, cohérence, assemblage), le paysage (ce que l'on voit, point de vue, cadrage, nature) et l'hétérotopie (lieu autre, imaginaire, cosmos, utopie). À l'issue de cette analyse, le travail plastique se poursuit.

Évaluation et aticulation avec les programmes

L'évaluation de cette séquence porte sur la capacité des élèves à expérimenter, produire et créer, ainsi qu'à mettre en œuvre un projet artistique. Elle inclut également la capacité à exposer l'œuvre, la démarche et la pratique :

Créer un paysage à partir de fragments (photographies, collages, objets, matériaux divers) pour créer une image globale cohérente ;
Proposer une analyse critique de sa production : les élèves doivent exposer leur démarche de création, les choix esthétiques et conceptuels qui ont guidé leur projet, ainsi que les difficultés rencontrées et les solutions trouvées ;
Contribuer au dispositif scénographique.

Les élèves travaillent à partir d'images de paysages brûlés ou désolés - thème central de son œuvre. Sur des supports papier de différents formats, chacun doit extraire un fragment de l'image (recadrage, agrandissement) puis retravailler textures et couleurs avec différents médiums.

L'exercice ne se limite pas à une simple copie : il propose une confrontation concrète entre photographie et matière picturale, entre échelle choisie et lisibilité du détail, invitant à réfléchir au geste, à la surface et à l'interprétation chromatique.

Une visite préalable du site de l'artiste et de son exposition a préparé le travail en atelier, et Tom Nadam a présenté sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de ses compositions, afin que les élèves saisissent le lien entre fragmentation et assemblage.

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

• Comment faire unité à partir du fragment ?
• Comment créer une cohérence plastique au sein d'un ensemble hétérogène ?
• Quelles caractéristiques visuelles permettent de définir le genre du paysage ?

Ainsi, cette séquence permet de lier la pratique plastique à une réflexion critique sur la construction de l'espace et sa représentation contemporaine.

Quelques informations sur l'artiste intervenant

"Diplômé des beaux-arts de Caen en 2018, aujourd'hui, Tom Nadam vit et travaille à Rennes.

Animées par un sentiment de faux calme, ses peintures révèlent des moments de flottement, des environnements bouleversés et des figures en déclin. Cette atmosphère si particulière naît d'un danger tapis dans l'ombre, d'une sensation d'instabilité ou d'une menace passée. Pour favoriser ces jeux de tension, Tom joue du contraste et de l'ambiguïté des motifs qu'il utilise. Il puise son inspiration dans des excursions marquantes. Islande, Etna et Champs Phlégréens plantent le décor de ses meutes imprévisibles. Le chien est la première figure qui alimente une dualité dans son travail. Entre monde des morts et monde du vivant, fidèle compagnon et bâtard errant, dominé comme dominant, il traduit une tension constante. Sans morsure, ni blessure, ni sang, une certaine animosité se dégage pourtant des compositions. Plus récemment, les violents feux de forêts survenus en 2022 ont profondément affecté sa pratique. Tom représente alors une nature grondante, sauvage, révoltée et démesurée. En s'immergeant dans les Monts d'Arrée, à Lussas et dans la plaine des Maures, il récolte les vestiges de ces terres arides qui lui évoquent des formes familières. Ainsi, dans un climat quasi désertique, apparaissent tels des mirages : roches, objets trouvés, crânes, meutes diaphanes ou autres silhouettes étranges. Tom dresse leur portrait, qui, dans un état de fulgurance, semblent aussi précieux que fragiles. À travers les épaisses fumées, ces éléments se dévoilent comme les rescapés de ces drames, incarnant un semblant d'espoir."

Intervention de l'artiste Tom NADAM

À partir d'images de paysages en feu ou désolés après son passage (thème de son travail), et des supports en papier prédécoupés (20 X 20, 40 X 20 et 40 X 40 cm) les élèves devaient reproduire à l'échelle une partie de l'image (recadrage, agrandissement) et surtout retravailler les textures et les couleurs en découvrant la peinture acrylique. Une visite du site de l'artiste et de l'exposition avait été faite en amont. Tom Nadam a aussi expliqué sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de son travail.

La taille des supports permet une installation rapide et facilité des travaux d'élèves dans la galerie pour un accrochage lors du vernissage à suivre (panoramique, mosaïque, pixels ?...). Un temps d'une demie heure a été alloué avant le vernissage de l'artiste dans la galerie pour que les élèves investissent en commun le mur dédié avec leur travail. L'accrochage a donc été fait en classe entière, en autonomie, mais avec la présence de l'artiste et des enseignants pour justifier les divers choix (hauteur, choix des motifs, couleurs, composition, brillance, unité, "trous de respiration"...).

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Entre la première séance et le deuxième, un travail devait être mené à la maison. Les élèves devaient visionner une vidéo de présentation de l'exposition Paysage : Fenêtre sur la nature. Il s'agit d'une exposition ayant eu lieu au Musée du Louvre Lens du 29 mars au 24 juillet 2025. Il s'agissait aussi pour les élèves de prendre une série de notes écrites.

Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens
Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher

Réflexion et analyse collective de l'incitation

Au début de la deuxième séance, les élèves devaient produire un écrit durant 15 minutes autour des termes de l'incitation.

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Fragment : Morceau / Partie
Unité : Homogénéité / Cohérence / Ensemble / Assemblage / Construction
Paysage : Ce que l'on voit / Point(s) de vue / Cadrage(s) / Nature ?
Hétérotopie (lieux autre) : Imaginaire / Cosmos / Univers / Utopie

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

Cécile Malézieux et Florent Cordier

UNE ARCHITECTURE-PAYSAGE HYBRIDE

Mael Judic — 2026-02-06T14:35:07Z

PROBLÉMATIQUE : Comment Giambologna transforme-t-il la sculpture monumentale en une architecture-paysage hybride, brouillant les frontières entre nature et artifice, intérieur et extérieur, corps et territoire ?

I PRÉSENTATION ET CONTEXTE

A. Données techniques

Sculpture-architecture monumentale : 14 mètres de hauteur
Matériaux hybrides : roche naturelle, brique, stuc, enduits
Traitement de surface : imitation de la boue, algues, stalactites
Dispositif hydraulique : jeux d'eau intégrés
Structure habitable : trois niveaux de chambres communicantes
Localisation : jardins de la Villa di Pratolino (Médicis) à Vaglia, près de Florence

B. Contexte Contexte historique et artistique

Renaissance tardive/Maniérisme :

Italie, fin XVIe siècle (1579-1583)
Règne de François Ier de Médicis (1574-1587)
Culture de la virtuosité et de la merveille
Goût pour les automates, grottes artificielles, jeux d'eaux

Giambologna (Jean Bologne) :

Sculpteur flamand installé en Italie
Artiste officiel des Médicis à Florence
Maître du mouvement et de la figura serpentinata
Œuvres célèbres : L'Enlèvement des Sabines, Mercure volant

C. Commanditaire et fonction

François Ier de Médicis :

Prince érudit, passionné d'alchimie et de sciences
Villa di Pratolino : résidence de villégiature et jardin de merveilles
Démonstration de pouvoir et de raffinement
Le jardin comme théâtre de la nature maîtrisée

II. ANALYSE PLASTIQUE : L'HYBRIDITÉ COMME PRINCIPE

A. Une sculpture-architecture
- Question : comment l'œuvre bouleverse-t-elle les catégories artistiques traditionnelles ?

Dimension sculpturale :

Représentation d'un géant anthropomorphe
Posture : figure accroupie, mélancolique
Main pressant la tête d'un monstre marin (dragon/dauphin)
Eau jaillissant de la gueule d'un monstre

Dimension architecturale :

Structure habitable : trois niveaux internes
Escaliers, chambres, passages
Ouvertures (yeux, bouche) = fenêtres
Fonction : grotte artificielle, (nymphée)

Synthèse :

Sculpture monumentale ET édifice
Corps humain = architecture
Intérieur praticable : expérience immersive

B. Matériaux et mimétisme
- Question : comment les matériaux créent-ils l'illusion d'une nature pétrifiée ?

Stratification des matériaux :

Base : roche naturelle du site (intégration au paysage)
Structure : brique, pierre taillée
Revêtement : stuc, enduits colorés
Ajouts organiques : éponges, coquillages, concrétions

Effets recherchés :

Imitation de la boue, des algues, des mousses
Aspect de pétrification naturelle
Confusion nature/artifice
Érosion simulée : comme si le géant était là depuis toujours
Vieillissement artificiel : l'art imite le temps

Symbolisme des matériaux :

Pierre = éternité, solidité
Boue / algues = nature originelle, émergence
Eau = élément vivant, circulation vitale

C. Le système hydraulique
Question : comment l'eau transforme-t-elle la sculpture en organisme vivant ?

Dispositif technique :

Réseau de canalisations internes
Réservoirs, fontaines
Eau jaillissant de la gueule du monstre
Cascades, bassins environnants

Effets symboliques et sensoriels :

Sculpture animée : respiration, circulation
Métaphore du corps vivant
Son : dimension sonore du jardin
Mouvement : l'eau contre la pierre statique
Prouesse technique = pouvoir du commanditaire

III. ENJEUX ICONOGRAPHIQUES ET SYMBOLIQUES

A. Identité du géant : polysémie
Question : que représente cette figure colossale et pourquoi cette ambiguïté ?

Hypothèse 1 : L'Apennin personnifié

Chaîne de montagnes traversant l'Italie
Allégorie géographique : le géant = le territoire
Corps-montagne : fusion homme/paysage
Tradition des divinités fluviales et montagnardes

Hypothèse 2 : Jupiter

Dieu romain, maître de l'Olympe
Contrôle des éléments naturels
Monstre marin = pouvoir sur l'eau
Référence au pouvoir médicéen

Hypothèse 3 : Figure allégorique complexe

Mélancolie : posture accroupie, tête baissée
Géant prisonnier de la nature
L'homme face aux forces naturelles

Ambiguïté voulue :

Maniérisme : goût pour l'énigme
Œuvre ouverte à l'interprétation
Érudition du spectateur sollicitée

B. La figure du géant
Question : que signifie le gigantisme à la Renaissance ?

Tradition antique :

Titans, Géants (Gigantomachie)
Figures primordiales, nées de la Terre
Puissance brute vs civilisation

Renaissance et pouvoir :

Monumentalité = magnificence princière
Références : Colosse de Rhodes, Statue de Jupiter Olympien
Émulation avec l'Antiquité

Symbolisme ambivalent :

Géant dominé (accroupi, mélancolique) ≠ triomphant
Nature maîtrisée mais respectée
Harmonie homme/nature (idéal humaniste)

C. Le monstre marin
Question : que symbolise la créature dominée ?

Dragon/serpent de mer : forces chaotiques
Contrôle de l'eau : maîtrise des éléments
Référence à Hercule et l'Hydre ?
Eau jaillissante = transformation du chaos en ordre
Pouvoir civilisateur

IV. L'ŒUVRE DANS LE JARDIN : DISPOSITIF SPATIAL

A. Le jardin maniériste comme théâtre
Question : comment l'œuvre s'inscrit-elle dans une mise en scène globale ?

Villa di Pratolino :

Jardin spectaculaire conçu par Bernardo Buontalenti
Multiples automates, grottes, fontaines
Parcours initiatique et surprenant
Merveilles technologiques et artistiques

Fonction du Colosse :

Point focal du jardin
Émergence spectaculaire près d'un bassin
Dialogue avec le paysage naturel (collines toscanes)
Climax du parcours

B. Expérience du visiteur
Question : quelle expérience l'œuvre propose-t-elle au spectateur ?

C. Intérieur/Extérieur
Question : comment l'œuvre questionne-t-elle les limites entre dedans et dehors ?

Corps = architecture habitable
Yeux = fenêtres (voir et être vu)
Bouche = porte ?
Porosité : eau circule, air passe
Métaphore du corps-monde
Anticipation du baroque : théâtralité, immersion

V. IENJEUX TECHNIQUES ET SCIENTIFIQUES

A. Prouesse d'ingénierie
Question : comment la technique sert-elle le projet artistique ?

Défis structurels :

Statique : équilibre d'une masse énorme
Intégration de vides (chambres) dans la masse
Résistance aux intempéries
Fondations dans un terrain humide

Hydraulique :

Système de pompes et aqueducs
Pression de l'eau régulée
Entretien complexe

Collaboration :

Giambologna (conception sculpturale)
Buontalenti (ingénierie, jardins)
Artisans spécialisés

B. Science et alchimie
Question : comment l'œuvre reflète-t-elle les préoccupations scientifiques de l'époque ?

François Ier de Médicis :

Passionné d'alchimie : transformation de la matière
Grottes = laboratoires symboliques
Maîtrise des quatre éléments (terre, eau, air, feu)

Symbolisme alchimique :

Pierre brute → pierre travaillée
Nature → artifice → nouvelle nature
Le Colosse comme œuvre de transmutation : fusion de la matière brute et de l'artifice pour créer une entité animée, mi-homme, mi-montagne

C. Savoirs naturalistes et expérimentation cosmologique
Question : en quoi le Colosse est-il le reflet d'une vision scientifique et cosmologique de la Renaissance tardive ?

- Connaissance naturaliste et cosmologie : 
• Représentation allégorique de la montagne (l'Apennin) comme géant tellurique et anthropomorphe
• Intégration de phénomènes naturels (eau, condensation, température) dans le corps même de la sculpture 
• Référence aux théories hermétiques et néoplatoniciennes : le Colosse comme microcosme reflétant l'ordre du macrocosme

- Innovation expérimentale :
• Utilisation de matériaux composites (pierre, brique, stuc, plomb, bois) pour imiter la peau, les muscles, les organes 
• Systèmes thermiques (foyers, cheminées) générant fumée ou chaleur, renforçant l'illusion de vie
• Fusion entre art, science et magie : l'œuvre comme démonstration de la puissance créatrice du prince, héritière de Prométhée ou de Vulcain

CONCLUSION

Le Colosse de l'Appennin de GIAMBOLOGNA ne se contente pas d'être une sculpture monumentale : il incarne une révolution formelle et conceptuelle à la fin de la Renaissance. En fondant architecture, sculpture, paysage, hydraulique et symbolisme en un seul organisme, l'œuvre brouille les frontières entre nature et artifice, entre corps et territoire, entre intérieur et extérieur. Le géant n'est ni statue ni simple bâtiment : il est un espace habité, un corps-paysage, un théâtre sensoriel où le spectateur devient acteur, invité à pénétrer, explorer, ressentir. Cette hybridité, portée par une maîtrise technique et une pensée symbolique, traduit à la fois l'idéal humaniste de l'harmonie entre l'homme et la nature et la volonté de prestige du pouvoir médicéen…

Mais au-delà de son contexte historique, le Colosse de l'Appennin préfigure des préoccupations centrales de l'art contemporain. Son caractère immersif et multisensoriel anticipe les installations environnementales d'artistes comme Olafur ELIASSON ou Anish KAPOOR, qui conçoivent des œuvres à traverser, habiter, ressentir physiquement. Sa fusion du corps et du territoire résonne avec les pratiques de land art (Robert Smithson, Nancy Holt) ou avec les sculptures-paysages de Giuseppe PENONE, qui inscrivent le corps humain dans les rythmes de la nature. De même, son jeu sur l'illusion et la matérialité — cette nature artificiellement vieillie, ce rocher qui n'en est pas un — dialogue avec les interrogations contemporaines sur l'authenticité, l'écologie et la reconstruction du vivant, comme chez Pamela ROSENKRANZ ou Tomás SARACENO.

Pistes pédagogiques

Dispositif 1

1. Analyse visuelle comparative :

Projection de détails du Colosse (grottes artificielles, jeux d'eau, posture torsionnée) + comparaisons avec :

L'Enlèvement des Sabines (Giambologna, 1583) pour la figura serpentinata.
Les jardins de la Villa d'Este (Tivoli) ou Boboli (Florence) pour les automates et grottes.

Question : en quoi cette sculpture dépasse-t-elle la simple représentation mythologique pour devenir un "manifeste technologique" ?

Étude de documents :

Extraits des Vies de Vasari (1568) sur Giambologna + lettre de François Ier de Médicis décrivant la villa de Pratolino comme "un lieu de merveilles".
Plan de la villa (reconstitution 3D ou gravure ancienne) pour situer le Colosse dans son environnement

Débat : Le Colosse est-il avant tout un outil de propagande médicéenne ou une œuvre d'art "autonome" ?

2. Production écrite :

Sujet de dissertation : "Le Colosse de l'Apennin : entre célébration du prince et défi artistique, une œuvre emblématique du maniérisme florentin. »
Consignes : mobiliser les notions de meraviglia (émerveillement), d'ingegno (ingéniosité), et le contexte de la cour italienne.
Compétences travaillées :

Analyser une œuvre in situ (architecture + sculpture).
Lier art et pouvoir (propagande médicéenne).
Comprendre le maniérisme comme esthétique de la complexité.

Dispositif 2

"Le corps monumental : entre gigantisme et fragilité, une sculpture habitable"
Question : Comment Giambologna joue-t-il avec les échelles et les matériaux pour créer une œuvre à la fois colossale et intime, entre sculpture et architecture ?

Atelier "corps et échelle" :

Visionnage de vidéos du Colosse (avec sons des jeux d'eau) + maquette ou réalité augmentée pour appréhender les 14 mètres.
Comparaison avec d'autres géants sculptés : Colosse de Rhodes (antique, disparu) via des gravures. David de Michel-Ange (1504) pour le rapport à l'échelle humaine.
Question : pourquoi choisir un géant "assoupi" plutôt qu'un héros en action ?

Étude technique :

Dessins, schémas, peintures de jardins de la Renaissance
Travail en groupes : Imaginer un "parcours du visiteur" à la Renaissance (quels effets recherchés ?).

Production orale (préparation en classe) :

Sujet d'exposé : "Le Colosse de l'Apennin : une sculpture à habiter, entre illusion et réalité. »
Consignes : Présenter 3 arguments (ex : jeu sur les échelles, interaction avec l'eau, symbolique du sommeil) avec supports visuels.

Compétences travaillées :

Comprendre les enjeux techniques d'une œuvre.
Articuler analyse formelle et expérience du spectateur.
Préparer un oral structuré (méthode pour le Grand Oral).

Dispositif 3

"Mythe et politique : Jupiter ou l'Apennin ? Décrypter les ambiguïtés d'une allégorie"
Question : pourquoi Giambologna superpose-t-il les figures de Jupiter et de l'Apennin ? Comment cette ambiguïté sert-elle le projet politique des Médicis ?

1. Enquête iconographique :

Jeu des attributs : liste d'éléments à associer (foudre = Jupiter ; grottes = Apennin ; lion = Florence ; etc.).
Comparaison avec Jupiter du Capitole (antique) et Allégorie de l'Abondance (Giambologna, 1580) pour le lien avec la Toscane.
Carte mentale collective : « Pourquoi un dieu-montagne ? »

2. Contexte politique :

La ville de Florence sous l'ère des Médicis et le rôle des villas comme outils de contrôle territorial.
> https://rdv-histoire.com/programme/art-et-pouvoir-dans-litalie-de-la-renaissance
Débat : le Colosse est-il une célébration de la nature toscane ou une métaphore du pouvoir ducale ?

3. Production :

"Inventez une allégorie du pouvoir pour représenter un pouvoir contemporain (ex : une allégorie pour représenter la puissance de l'IA). »

Supports : collage, croquis, et texte descriptif (format libre).
Mise en commun : présentation des projets + lien avec les stratégies de Giambologna.

Compétences travaillées :

Décrypter les symboles et les niveaux de lecture d'une œuvre.
Lier art et géopolitique.
Développer un esprit critique et créatif.

Bibliographie

Ouvrages sur les jardins maniéristes et la Villa di Pratolino
AZZI VISENTINI, Margherita, La villa à la Renaissance, traduit de l'italien, Paris, Actes Sud, 1996.
BENES, Mirka, "Pratolino : art des jardins et paysage à la cour des Médicis", in Jardins, revue de la Société française d'histoire des jardins, n° 3, 2000.
BRUNON, Hervé et MOSSER, Monique, L'imaginaire des grottes dans les jardins européens, Paris, Hazan, 2014.
MOSSER, Monique et TEYSSOT, Georges (dir.), Histoire des jardins de la Renaissance à nos jours, Paris, Flammarion, 1991 (réédition 2002).

Articles et chapitres spécifiques
ACIDINI LUCHINAT, Cristina, "Les jardins Médicis et leurs sculptures", in Revue de l'Art, n° 85, 1989, p. 37-52.
HEIKAMP, Detlef, "Pratolino nei suoi giorni splendidi", traduit et résumé dans Antologia di Belle Arti, Paris, 1978.
LAZZARO, Claudia, "La Villa Médicis de Pratolino : merveilles hydrauliques et automates", traduit dans Monuments historiques, n° 143, 1986.

Catalogues d'exposition
Musée du Louvre, Primatice, maître de Fontainebleau (catalogue d'exposition), Paris, RMN, 2004 (contexte du maniérisme).
BRESC-BAUTIER, Geneviève (dir.), Germain Pilon et les sculpteurs français de la Renaissance, Paris, RMN, 1993 (contexte de la sculpture Renaissance).
Ouvrages sur la sculpture maniériste
CHASTEL, André, L'art italien, Paris, Flammarion, tome II, 1995 (chapitre sur Giambologna).
BOUDON, Marion, La sculpture maniériste italienne, Paris, PUF, collection "Que sais-je ?", 1998.

Sites institutionnels et musées
Base Joconde (Ministère de la Culture) : https://www.pop.culture.gouv.fr/ (recherche sur Giambologna et ses œuvres dans les collections françaises)
Musée du Louvre - Collections : https://collections.louvre.fr/ (œuvres de Giambologna conservées au Louvre)
INHA (Institut National d'Histoire de l'Art) : https://www.inha.fr/ (ressources bibliographiques et iconographiques)

Sites académiques et de recherche
Persée : https://www.persee.fr/ (articles de revues françaises d'histoire de l'art sur Giambologna et les jardins Renaissance)
Cairn.info : https://www.cairn.info/ (articles récents sur la sculpture maniériste et les jardins italiens)
OpenEdition : https://www.openedition.org/ (recherche : "Giambologna", "jardins maniéristes", "Villa Pratolino")

Sites spécialisés sur les jardins
Société Française d'Histoire des Jardins : http://www.sfhj.fr/ (articles et publications sur les jardins historiques italiens)
Jardins de France : https://www.jardinsdefrance.org/ (dossiers sur les jardins de la Renaissance)

Ressources documentaires
Gallica (BnF) : https://gallica.bnf.fr/ (ouvrages anciens et gravures historiques de la Villa di Pratolino)
Google Arts & Culture – Jean Bologne https://artsandculture.google.com/entity/jean-bologne/m01g8bg

MAMAN, UNE FIGURE MATERNELLE AMBIVALENTE

Mael Judic — 2026-02-03T12:43:26Z

PROBLÉMATIQUE Comment Louise Bourgeois transforme-t-elle une figure maternelle en monument ambivalent, oscillant entre protection et menace, intime et monumental ?

I PRÉSENTATION ET CONTEXTE

A. Données techniques

Sculpture monumentale : près de 9 mètres de hauteur
Matériaux nobles : bronze, marbre, acier inoxydable
Édition limitée (2/6) : entre œuvre unique et série
Installation in situ : dialogue avec l'architecture du Guggenheim

B. Contexte biographique

Création tardive (Bourgeois a 88 ans)
Série des araignées commencée dans les années 1990
Référence à sa mère restauratrice de tapisseries
Travail autobiographique et thérapeutique

C. Contexte artistique

Art contemporain et sculpture monumentale
Héritage du symbolisme et du surréalisme (fantastique, inconscient, symboles)
Art et féminin : revendication de la place des femmes dans l'art et la société
Installations dans l'espace public

II. ANALYSE PLASTIQUE : UN PARADOXE FORMEL

A. Le gigantisme troublant

Question : Comment l'échelle modifie-t-elle notre rapport à l'œuvre ?

Rapport d'échelle inversé : le spectateur devient minuscule, infantilisé
Monumentalité traditionnellement réservée aux héros, figures politiques
Ici : hommage à la mère élevée au rang de monument
Effet d'écrasement vs protection (se glisser sous l'araignée)

B. Matériaux et ambivalence

Question : comment les matériaux créent-ils une tension entre douceur et menace ?

Bronze : pérennité, sculpture classique, patine sombre
Marbre : les œufs dans le sac, fragilité, blancheur, pureté
Acier inoxydable : modernité, froideur
Contraste : solidité de la structure / vulnérabilité des œufs
Texture : aspect organique vs matériau industriel

C. Forme et symbolisme

Question : En quoi l'araignée est-elle une métaphore maternelle complexe ?

Aspects protecteurs :
Pattes formant une cage protectrice
Sac d'œufs (marbre) : fertilité, gestation
Possibilité de s'abriter sous le corps

Aspects menaçants :
Animal traditionnellement phobique
Pattes acérées comme des poignards
Impression d'être piégé (référence à la toile)
Élévation dominatrice

III. ENJEUX THÉMATIQUES

A. La maternité ambivalente

Question : Comment l'œuvre déconstruit-elle l'image idéalisée de la mère ?

Dépassement du cliché : mère = douceur exclusive
Mère protectrice ET possessive
Référence psychanalytique : relation fusionnelle
Hommage sincère : "Ma meilleure amie était ma mère"
Mais reconnaissance de l'emprise possible

B Le féminin réhabilité

Question : Comment Bourgeois propose-t-elle une iconographie féministe ?

Puissance de la femme : force, travail (la mère tisserande)
Créativité : l'araignée tisse (= l'artiste crée)
Maternité productive : les œufs
Contre les représentations passives du féminin
Monumentalité : occupation de l'espace public

C. Autobiographie et universel

Question : Comment le personnel devient-il œuvre universelle ?

Expérience intime : relation à sa propre mère
Symboles archétypaux : mère, araignée, œufs
Catharsis artistique
Chacun projette sa propre expérience maternelle

IV. ENJEUX SPATIAUX ET EXPÉRIENTIELS

A. L'œuvre et son environnement

Question : Comment l'œuvre dialogue-t-elle avec l'architecture ?

Musée Guggenheim : architecture spectaculaire (Franck GEHRY)
Confrontation de deux monumentalités
L'araignée s'impose dans l'espace
Créature organique vs architecture déconstructiviste
Bassin d'eau : effet de reflet, dédoublement

V. INSCRIPTION DANS L'HISTOIRE DE L'ART

A. Références et héritages
Surréalisme : Dalí, Ernst (métamorphoses, inconscient)
Louise NEVELSON : monumentalité et femme artiste
Eva HESSE : matériaux organiques, ambiguïté
Niki DE SAINT PHALLE : figures féminines monumentales

B. Postérité
Installations monumentales dans l'espace public mondial
Influence sur l'art contemporain
Kara WALKER, Anish KAPOOR : monumentalité et symbolisme
Réhabilitation de la sculpture figurative dans l'art contemporain

CONCLUSION

Maman est une œuvre qui réconcilie les contraires (monumental/intime, menaçant/protecteur, personnel/universel).

En monumentalisant la figure maternelle sous les traits d'une araignée, Louise BOURGEOIS :
Explore des figures symboliques et des émotions complexes
Occupe l'espace public avec une mythologie poétique personnelle
Propose une expérience physique et psychologique troublante
Questionne nos représentations de la maternité

> L'œuvre reste ouverte, résistant à toute interprétation définitive

Pistes pédagogiques

Dispositif 1 « La presse »

Objectif : Analyser l'œuvre Maman de Louise BOURGEOIS en fonction de sa réception critique et publique.
Demande : les élèves sont divisés en groupes et reçoivent un article de presse ou un extrait de critique d'art qui réagit à l'installation de Maman à Bilbao en 1997. Chaque groupe doit présenter l'article et discuter de la manière dont l'œuvre a été reçue par le critique ou le public. Les groupes doivent ensuite confronter leurs lectures et discuter collectivement des questions suivantes :

Comment l'œuvre Maman est-elle perçue par les critiques et le public ?
Quels sont les aspects de l'œuvre qui suscitent la controverse ou l'admiration ?
En quoi ces réactions éclairent-elles notre compréhension de l'œuvre et de son inscription dans l'histoire de l'art ?

https://www.beauxarts.com/grand-format/maman-de-louise-bourgeois-un-monstre-de-tendresse/
https://blog.artsper.com/fr/la-minute-arty/decryptage-dun-chef-doeuvre-maman-de-louise-bourgeois/
https://www.guggenheim-bilbao.eus/fr/la-collection/oeuvres/maman
https://www.radiofrance.fr/franceinter/podcasts/bav-art-dages/maman-l-araignee-de-louise-bourgeois-7730095

Dispositif 2 : « Fiction »

Objectif : Imaginer une histoire fictive qui relie l'œuvre Maman de Louise BOURGEOIS à son contexte artistique et historique.
Demande : les élèves imaginent qu'ils sont des visiteurs qui découvrent Maman pour la première fois lors de son installation à Bilbao en 1997. Chaque élève doit écrire un court texte qui décrit sa réaction à l'œuvre et imagine une histoire qui relie l'œuvre à un événement réel ou imaginaire. Les élèves doivent ensuite partager leurs textes et discuter collectivement des questions suivantes :

Comment l'œuvre Maman peut-elle être liée à des événements ou des personnages historiques ?
Quels sont les thèmes et les préoccupations de l'artiste qui sont reflétés dans l'œuvre ?
En quoi la fiction historique peut-elle être utilisée comme outil pour comprendre l'œuvre d'art ?
Débat et réflexion : quelle place a l'imagination dans la compréhension de l'œuvre d'art ?

Bibliographie

Louise Bourgeois : Destruction du père / Reconstruction du père. Écrits et entretiens 1923-1997, Daniel Lelong Éditeur, 2000.
Marie-Laure BERNADAC, Louise Bourgeois, Flammarion, 1992.
Robert STORR, Louise Bourgeois, Géométries intimes, Hazan, 2016.
Jean-François JASSAUD, Louise Bourgeois : Femme maison, 2019.

Sites musées

https://www.tate.org.uk/art/artworks/bourgeois-maman-t12625
https://www.guggenheim-bilbao.eus/fr/la-collection/oeuvres/maman
https://www.moma.org/artists/692
https://www.gallery.ca/search/node/Louise%20Bourgeois

AWARE

https://awarewomenartists.com/artiste/louise-bourgeois/

Dispositif 3 : « Les influences »

Objectif : Étudier l'œuvre Maman de Louise BOURGEOIS en fonction de son contexte artistique et historique.
Demande : Les élèves sont invités à rechercher et à présenter des œuvres d'art qui ont influencé Louise Bourgeois ou qui ont été influencées par son travail. Chaque élève doit présenter une œuvre et expliquer comment elle se relate à Maman. Les élèves doivent ensuite discuter collectivement des questions suivantes :

Comment l'œuvre de Louise BOURGEOIS s'inscrit-elle dans l'histoire de l'art du XXe siècle ?
Quels sont les artistes qui ont influencé son travail ?
En quoi Maman reflète-t-il les préoccupations et les thèmes de l'artiste ?

De l'INTERPRETATION du réel à la REPRESENTATION d'un imaginaire

Virginie Michel — 2026-02-01T18:09:27Z

Comment la perception et l'interprétation du réel peuvent-elles enclencher un univers imaginaire ?

Cette séquence a été réalisée par les élèves de Seconde option arts plastiques du lycée Thomas Corneille à Barentin.

" REPRÉSENTER , c'est fondamentalement engager un processus et mettre en œuvre des moyens pour donner à voir, principalement par une image fixe et animée (dessin, peinture, photographie, vidéo, etc .), mais aussi par un volume (sculpture, installation, etc.), des éléments qui relèvent de la réalité ou de la fiction, du monde proche et lointain ou de l'imaginaire. Pour l'enfant et l'adolescent, les activités de représentation avec des moyens plastiques forment, plus ou moins spontanément, des étapes fondatrices de son développement sensible et réflexif, individuel et au sein d'un collectif."

Extrait de Projet de programmes d'arts plastiques et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025


	*"A partir d'un paysage que vous avez vu, introduisez un élément surnaturel qui modifie cet espace en un paysage fantastique"*

Organisation de la séquence

Séance 1 : 3 heures

Présentation du projet
Croquis des premières idées.

Durant cette phase, je suis présente pour suivre l'évolution de leurs ébauches de manière individuelle. Je profite de ce moment pour sonder leurs intentions et comprendre leur démarche.
Les références artistiques choisies en amont sont présentées aux élèves mais en articulation directe avec les observations et échanges issus de la verbalisation.

Séance 2 et 3 : 6 heures en présence de l'artiste.

Présentation de la démarche artistique de l'artiste Zélie DOFFEMONT

A l'issue de cette présentation, chaque élève nous présente son crayonné. C'est l'occasion d'échanger, de permettre des modifications avant l'étape finale. Un point technique avec l'utilisation des stylos micron est réalisé avant la poursuite du travail graphique.

Articulation avec les programmes

• La ressemblance et ses codes : relation au modèle, tirer parti de l'écart avec la réalité
• Le dispositif de représentation
o Enjeux plastiques de la représentation d'une fiction, d'un événement ou d'un lieu réinventé ou-inventé, en fonction d'un imaginaire, d'un parti pris singulier, d'une interprétation personnelle

Quelques informations sur l'artiste intervenante

"Originaire de Picardie, Zélie Doffémont vit et travaille à Rouen depuis 2012.
Imprégnée depuis toujours par la littérature et le cinéma fantastique et gothique, le travail du dessin en noir et blanc fut rapidement une évidence. Aimant surtout créer des ambiances mystérieuses caressants l'étrange, Zélie Doffémont s'attache à exprimer symboliquement le possible déclin de l'humanité, en reformulant sa matière, avec celles présentes dans la nature.
Ainsi, à travers une nuée de petits points à l'encre, elle travaille les formes, joue de la lumière et tente de recréer un tissu vivace, sorte d'évolution, de mutation et/ou de renouvellement de l'espèce.
Chaque dessin pose le décor d'une histoire future, qui reste à dérouler et à s'enrichir de la vision émotionnelle du spectateur.
C'est une invitation pour chacun à se questionner sur l'avenir de l'Homme, une sorte d'utopie graphique."

Références artistiques prévues

• Les Caprices, terme qui signifie « fantaisie », une série de 80 gravures de Francisco de Goya
• Gustave Doré s'impose dans les œuvres en noir et blanc. Il excelle dans l'invention de formes naturelles anthropomorphes et surtout zoomorphes.
• De 1870 à 1895, Odilon Redon crée des dessins aux sujets imaginaires qu'il appelle ses « noirs », car il n'utilisa que la couleur noire (fusain noir et encre noire). Il illustre ainsi de nombreux textes, les siens et ceux d'auteurs qui explorent le fantastique comme Edgar Allan Pœ
• Le surréalisme est un mouvement qui touche tous les domaines artistiques : arts visuels, littérature, musique, cinéma…
Une œuvre surréaliste se compose d'éléments inattendus. Les artistes surréalistes déforment les objets pour créer de nouvelles approches plastiques et iconographiques. Les thèmes sont souvent le rêve, l'imagination, les phénomènes extraordinaires…
• Escher, Relativité, 1953 : L'œuvre représente un monde où les lois normales de la gravité ne s'appliquent pas. Dans ce monde, il y a en fait trois sources de gravité, chacune étant orthogonale aux deux autres.

Les références présentées lors de la deuxième heure permettent de rebondir très rapidement sur leurs premières idées. Pour chaque œuvre présentée, les élèves devaient décrire ce qu'il voyait, ce qu'il pensait de la technique et expliquer en quoi ces œuvres ont un lien avec le fantastique.

Afin d'étayer leurs propos, j'ai apporté quelques précisions en choisissant 3 axes chronologiques :

les œuvres avant le surréalisme,
le surréalisme,
les œuvres plus contemporaines.

Des extraits cinématographiques m'ont permis de les interroger sur les moyens plastiques utilisés pour susciter la peur (ombre et lumière, déformation, son, montage, typographie).

Quelques romans graphiques étaient à disposition des élèves tels que :

Moebius, Azarch
Marc-Antoine Mathieu, Le Début de la Fin.
Schuiten et Peeters, Le retour du capitaine Némo (cités obscures)
Emil Ferris, moi ce que j'aime c'est les monstres

Parmi les pistes exploitées par les élèves, nous retenons les suivantes :

atmosphère surnaturelle avec jeu d'ombres et de lumière,
brume,
mélange jour et nuit,
intrusion fabuleuse,
rendre liquide un élément solide,
trajectoire des reflets…

Cette étape au crayon leur a permis de transcrire sur le papier leur idée et de développer des compétences d'expérimentation et de création.

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Intervention de l'artiste Zélie DOFFEMONT

Dans ce cadre du Pass Culture, Zélie Doffémont est intervenue auprès des élèves pour évoquer son travail sur le fantastique. Chaque élève lui a présenté son projet, justifié sa démarche avant de réaliser l'étape finale.
L'artiste leur a transmis sa technique d'ombre et de lumière. Quelques élèves ont ressenti le besoin de modifier ou d'accentuer certains éléments de leur réalisation.

Quelques aperçus du début de la deuxième phase du travail

L'intervention d'un artiste induit un équilibre entre les objectifs d'apprentissage visés par l'enseignant et l'ouverture à une pratique artistique singulière : comment déterminer le rôle de chacun ?

Inviter un artiste au sein d'une classe d'arts plastiques engage nécessairement un jeu d'équilibre subtil entre deux dynamiques : d'une part, les objectifs d'apprentissage définis par l'enseignant, et d'autre part, l'ouverture à une démarche artistique singulière, incarnée par l'artiste invité. Cet équilibre, loin d'être spontané, se construit en amont, puis se déploie dans la rencontre entre les élèves, l'enseignant et l'artiste.
L'intervention de Zélie Doffémont illustre parfaitement cette complémentarité. Nous avions déjà collaboré au collège, autour d'un travail sur la danse macabre : sa présentation de sa technique avait alors fortement captivé les élèves. Forte de cette expérience, je lui ai proposé une nouvelle intervention, cette fois au lycée. Connaissant son univers plastique, la notion de fantastique m'a semblé un terrain fécond pour articuler sa démarche à des attendus précis du programme.

Avant sa venue, nous avons clarifié nos rôles. Je lui ai présenté le projet et les références artistiques que j'envisageais de montrer ; elle y a ajouté le travail d'Escher, permettant d'ouvrir davantage le champ des possibles. Ensemble, nous avons défini les contraintes plastiques à imposer aux élèves (format A5, papier épais) et elle a demandé la réalisation d'un crayonné préparatoire afin que les élèves anticipent ombres et lumières, condition essentielle pour exploiter ensuite le stylo micron.

Cette préparation partagée illustre ce que Laurence Espinassy nomme " l'incitation comme un outil propre à l'enseignement des arts plastiques" , pensé pour déclencher l'activité des élèves tout en ouvrant la possibilité d'une véritable rencontre avec les œuvres et les démarches artistiques. Dans ce cadre, l'artiste comme l'enseignant occupent chacun une place spécifique : l'ARTISTE apporte une pratique située, une sensibilité, une manière de faire ; l'ENSEIGNANT garantit la cohérence pédagogique, la progression des apprentissages et la diversité des possibles plastiques.
Le jour de l'intervention, la présence à deux voix a permis d'enrichir le dialogue avec les élèves. Chacun présentait sa vision, son approche : Zélie expliquait comment installer une ambiance sombre, notamment par le placement préalable des noirs et les effets de texture. De mon côté, j'accompagnais les élèves sur les questions de profondeur et de perspective. Toutes les deux, nous montrions comment réaliser des dégradés au stylo.

Ainsi, l'équilibre se joue dans un partenariat où les rôles ne s'opposent pas mais se complètent. L'artiste transmet des gestes techniques, une manière d'habiter le médium ; l'enseignant assure le cadre, les liens avec les attendus institutionnels, l'élargissement culturel. Ensemble, ils créent un milieu propice à l'expérience plastique — personnelle et collective — où la découverte singulière nourrit les apprentissages, et où les apprentissages permettent de mieux accueillir la singularité.

>> ESPINASSY Laurence, La rencontre avec l'œuvre - Enseigner les arts plastiques au collège, 2009

EXPOSER la pratique, la démarche, le sensible

EXPOSER sa PRATIQUE suppose d'expliquer sa démarche, d'écouter et d'accepter l'avis de ses pairs, mais aussi d'apprendre à regarder la production des autres. Ces contributions sont essentielles à l'éducation de la sensibilité des élèves. Sur ces différents plans, la pratique régulière de l'exposition représente une situation pédagogique particulièrement fructueuse. Inscrite das une dynamique de projet, elle permet d'installer collectivement les élèves dans une expérience complète de création, de l'idée première jusqu'à la monstration de la réalisation aboutie puis sa réception. prenant en compte les modalités perceptives de la production plastique, dans un contexte spécifique, l'exposition propose une expérience commune et socialisée au public, reliant différentes personnes et sensibilités autour du partage de cette expérience sensible."

Extrait de Projet de programmes et d'histoire des arts du cycle 4 _ juillet 2025

Le travail final a été exposé dans le cadre de la Nuit de la Lecture et des Arts, vendredi 30 janvier 2026 de 19h à 22h au lycée.

Les élèves ont réfléchi à la mise en espace des productions dans la salle. La question de l'éclairage est essentielle pour s'adapter aux productions graphiques.

Ils ont été également médiateurs dans les différentes salles d'expositions pour accueillir un public nombreux.

Autrice : Alexandra PLANQUAIS

EVALUATION_Témoignage d'une pratique en lycée

Virginie Michel — 2026-01-29T18:55:52Z

En quoi l'évaluation est-elle avant tout un acte pédagogique constitutif de l'acte d'enseignement ?

David LEMARESQUIER

Lycée Alain Chartier, BAYEUX

Présentation du Livret de Compétences mis à disposition des élèves d'arts plastiques depuis 2019

Comme l'ensemble des enseignants, j'ai, depuis plusieurs années, diversifié mes modalités d'évaluation : autoévaluation, coévaluation, évaluations orales et écrites, notation chiffrée. Toutefois, lorsque l'évaluation par compétences a été mise en œuvre, ce n'est pas tant le principe de l'évaluation qui a suscité ma réflexion que la manière de rendre accessibles aux élèves l'ensemble des compétences travaillées et susceptibles d'être acquises en classe. Dès lors, ce livret a été pensé avant tout comme une ressource au service des élèves, avant d'être un outil d'évaluation. Il vise à favoriser leur implication dans les apprentissages en les plaçant en position d'acteurs, à l'initiative du travail mené, à l'aide d'un support structurant servant de repère tout au long de leur parcours. J'aimais l'idée que l'élève collectionne les compétences comme on collectionne des images dans un album.

L'approche retenue s'appuie sur l'idée d'une progression visible et cumulative des compétences, susceptible de renforcer l'engagement, la curiosité et la motivation des élèves.

L'objectif était de concevoir un outil à la fois efficace et souple dans son usage, utilisable sur l'ensemble du parcours de formation au lycée, de la classe de seconde à la classe de terminale, aussi bien dans le cadre des options facultatives que des enseignements de spécialité.

Inscrite dans une logique d'évaluation prioritairement formative, cette démarche vise également à développer les capacités d'autoévaluation des élèves, en leur permettant d'analyser leurs acquis et de se situer progressivement dans leurs apprentissages. L'évaluation devient ainsi un levier de régulation et d'accompagnement des parcours individuels. L'évaluation doit ainsi permettre à chaque élève de se situer, étape par étape, dans ses acquisitions.

Ce livret répond également aux prescriptions institutionnelles qui invitent à positionner l'évaluation à d'autres moments que la seule conclusion des séquences pédagogiques, afin qu'elle s'inscrive pleinement dans le processus d'apprentissage.

Enfin, ce support dépasse la simple liste de compétences : il intègre des références artistiques et constitue un carnet de suivi du parcours culturel et artistique de l'élève au lycée. À ce titre, il permet de consigner les expositions et musées visités, les artistes rencontrés, ainsi que les enseignements de culture artistique étudiés.

Pour découvrir le livret, merci de vous identifier

Modalités d'usage du livret de compétences

Le livret de compétences est mis à disposition des élèves comme un outil d'accompagnement tout au long de leur formation. Il peut être consulté librement et à tout moment en classe, afin de soutenir les apprentissages et de favoriser l'appropriation progressive des compétences travaillées.
L'enseignant en fait une consultation régulière, dans le but d'analyser la manière dont chaque élève s'auto-positionne sur les différentes compétences. Inscrite dans une démarche continue, intégrée et dynamique, cette évaluation permet de recueillir des informations utiles à la régulation des apprentissages et à l'adaptation des situations pédagogiques.

Consultation du livret par l'élève lui permet :

• D'avoir une vision globale et structurée des compétences à travailler, conformément aux attendus institutionnels selon lesquels « le professeur veille à construire des repères communs » ;
• De prendre conscience de compétences à développer qu'il n'avait pas identifiées spontanément ;
• De se repérer dans les apprentissages : le livret regroupant, au sein d'un document unique, les différents domaines de compétences, notamment ceux visant à « se repérer dans les domaines liés aux arts plastiques et à situer des œuvres dans l'espace et dans le temps » ;
• De se positionner sur chacune des compétences dans une démarche d'autoévaluation, matérialisée par un repère placé sous la forme un curseur gradué. Chaque compétence est ainsi évaluée à plusieurs reprises au cours du parcours de l'élève au lycée. Les programmes précisent à ce titre que « l'évaluation doit permettre à chaque élève de se situer, étape par étape, dans ses acquisitions » et qu'elle « contribue également à développer le recul critique ». La validation finale de la compétence relève, quant à elle, de la responsabilité de l'enseignant ;
• De nourrir et relancer sa pratique artistique : le livret pouvant servir de support d'inspiration en associant un projet personnel à une compétence à travailler ou à valider ;
• De découvrir des références artistiques en lien avec chaque compétence, contribuant ainsi à « enrichir la culture artistique et à élargir les représentations culturelles des élèves » et à « développer leur curiosité pour la création artistique et la culture en général ».

Rythme de complétion

• Les élèves complètent le livret de compétences à leur initiative, en fonction de leurs besoins. Toutefois, au minimum une fois par trimestre, un temps dédié d'environ trente minutes est prévu en classe afin de permettre à l'ensemble des élèves de relire, compléter et actualiser leur livret.

Un outil de dialogue pédagogique

Le livret constitue un support privilégié d'échange entre l'enseignant et l'élève, notamment :
• Lorsque certaines compétences ne sont pas comprises ou nécessitent des éclaircissements ;
• Lorsque l'autoévaluation de l'élève révèle une tendance récurrente à la sous-évaluation ou à la surévaluation ;
• Pour engager un dialogue autour des références artistiques intégrées au document.

Un levier de motivation et d'autonomie

Le livret de compétences s'inscrit également comme :
• Un outil de motivation, permettant de relancer la pratique artistique, en particulier en classe de terminale de spécialité ;
• Un support favorisant la stimulation de la créativité ;
• Un outil de développement de l'autonomie de l'élève dans la gestion de son parcours d'apprentissage.

Auteur : David LEMARESQUIER

Programme limitatif pour l'enseignement de spécialité d'arts plastiques en classe terminale de la voie générale pour l'année scolaire 2026-2027

Virginie Michel — 2026-01-22T19:27:27Z

Le programme de l'enseignement de spécialité en arts plastiques de la classe terminale institue des œuvres, thèmes et questions de référence. Ils sont régulièrement renouvelés et publiés au Bulletin officiel de l'éducation nationale, de la jeunesse et des sports.

Sous la forme d'un corpus artistique, culturel et théorique commun, ils éclairent, selon des problématiques et des pratiques artistiques spécifiques ou plurielles, les connaissances et les compétences travaillées du programme. De la sorte, ils sont articulés et mis en dialogue avec les autres références choisies par le professeur pour jalonner les objectifs du parcours de culture plastique et artistique du cycle terminal.

La présente note de service abroge et remplace la note de service du 4 décembre 2023 définissant les œuvres, thèmes, questions de référence du baccalauréat pour l'enseignement de spécialité d'arts plastiques en classe terminale à compter de la rentrée scolaire 2024.

CORPUS à compter de la rentrée scolaire 2026

Œuvres et thèmes de référence

EXPÉRIENCE DES ESPACES PHYSIQUES et SYMBOLIQUES de l'OEUVRE



Louise Bourgeois (1911-2010) Maman 1999 (fonte de 2001), bronze, marbre et acier inoxydable 8,95 x 9,80 x 11,6 m édition 2/6 Bilbao, musée Guggenheim Bilbao, Espagne. https://www.guggenheim-bilbao.eus/fr/la-collection/oeuvres/maman



Jean Bologne dit Giambologna (1529-1608) Il Colosso dell' Appennino (Le colosse de l'Apennin) ou Jupiter 1579 à 1583 sculpture, H : 14 m. taillée dans la roche, pour partie recouverte d'enduits (stuc et autres) imitant la boue, les algues et des stalactites, jeux d'eau, intérieur de la sculpture constitué de plusieurs chambres communicantes sur trois niveaux (base, ventre, tête) avec vues sur l'extérieur. Vaglia, Villa di Pratolino, Italie.

DOCUMENTER ou AUGMENTER le RÉEL

>> Accéder au dossier académique



Joseph Vernet (1714-1789) La ville et la rade de Toulon, deuxième vue, le port de Toulon, vue du Mont Faron 1756 huile sur toile H. : 165 cm, L. : 263 cm. Paris, musée du Louvre. >> Accéder au dossier académique



Andreas Gursky (1955-) 99 Cent 1999 tirage : 5/6, photographie, épreuve couleur sous Diasec, épreuve chromogène 206,5 x 337 x 5,8 cm (197 x 327 cm hors marge). Paris, musée national d'art moderne (MNAM).

QUESTIONNEMENT

Domaines du champ des questionnements plasticiens

Domaines de l'investigation et de la mise en œuvre des langages et des pratiques plastiques

La représentation, ses langages, moyens plastiques et enjeux artistiques. Rapport au réel : mimèsis, ressemblance, vraisemblance et valeur expressive de l'écart.
La matière, les matériaux et la matérialité de l'œuvre. Propriétés de la matière et des matériaux, leur transformation : états, caractéristiques, potentiels plastiques.

Domaines de la présentation des pratiques, des productions plastiques et de la réception du fait artistique

La monstration et la diffusion de l'œuvre, les lieux, les espaces, les contextes. Contextes d'une monstration de l'œuvre : lieux, situations, publics.

Domaines de la formalisation des processus et des démarches de création : penser l'œuvre, faire œuvre

Projet de l'œuvre : modalités et moyens du passage du projet à la production artistique, diversité des approches.

Champ des questionnements artistiques interdisciplinaires

Liens entre arts plastiques et architecture, paysage, design d'espace et d'objet. Environnement et usages de l'œuvre ou de l'objet.

Champ des questionnements artistiques transversaux

Mondialisation de la création artistique : métissages ou relativité des cultures du monde.

Evaluation du contrôle continu en lycée

Virginie Michel — 2025-12-21T16:01:19Z

Approche schématique des programmes au lycée

2025-10-14T12:59:32Z

Grand oral : questions possibles

Mael Judic — 2025-07-09T10:51:52Z

Arts Plastiques / Académie de Normandie

DOCUMENTER OU AUGMENTER LE RÉEL : PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION

PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION LYCÉES LITTRÉ D'AVRANCHES, MILLET DE CHERBOURG, CORNAT DE VALOGNES ET LEBRUN DE COUTANCES CINÉMA DE VILLEDIEU – LUNDI 23.03.2026

Découpage de la captation de la journée

Le COD et le coquelicot (2013) de Cécile Rousset et Jeanne Paturle (24 min)

Analyse par Louna et Abygaël du lycée Millet de Cherbourg

Clean with me after dark (2019) de Gabrielle Stemmer (21 min) Synopsis

Analyse par Naelle et Alice du lycée Littré d'Avranches

Analyse par Charlotte et Lokoma du lycée Lebrun de Coutances

Ne croyez surtout pas que je hurle (2018) de Franck Beauvais (75 mn, extrait du début jusqu'à 7 mn 20)

La Sole entre l'eau et le sable (2012) de Angèle Chiodo (15 min)

Analyse par Jeanne, Mallaurie et Kylian du lycée Cornat de Valognes

https://www.villedieu-cinema.fr/#/

https://www.villedieu-cinema.fr/?view=article&id=236:doc26&catid=2#/

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Organisation de la séquence

Évaluation et aticulation avec les programmes

Quelques informations sur l'artiste intervenant

Intervention de l'artiste Tom NADAM

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Réflexion et analyse collective de l'incitation

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

UNE ARCHITECTURE-PAYSAGE HYBRIDE

PROBLÉMATIQUE : Comment Giambologna transforme-t-il la sculpture monumentale en une architecture-paysage hybride, brouillant les frontières entre nature et artifice, intérieur et extérieur, corps et territoire ?

PROBLÉMATIQUE : Comment Giambologna transforme-t-il la sculpture monumentale en une architecture-paysage hybride, brouillant les frontières entre nature et artifice, intérieur et extérieur, corps et territoire ?

I PRÉSENTATION ET CONTEXTE

II. ANALYSE PLASTIQUE : L'HYBRIDITÉ COMME PRINCIPE

III. ENJEUX ICONOGRAPHIQUES ET SYMBOLIQUES

IV. L'ŒUVRE DANS LE JARDIN : DISPOSITIF SPATIAL

V. IENJEUX TECHNIQUES ET SCIENTIFIQUES

CONCLUSION

Pistes pédagogiques

Dispositif 1

1. Analyse visuelle comparative :

2. Production écrite :

Dispositif 2

Atelier "corps et échelle" :

Étude technique :

Production orale (préparation en classe) :

Dispositif 3

1. Enquête iconographique :

2. Contexte politique :

3. Production :

Bibliographie

MAMAN, UNE FIGURE MATERNELLE AMBIVALENTE

PROBLÉMATIQUE Comment Louise Bourgeois transforme-t-elle une figure maternelle en monument ambivalent, oscillant entre protection et menace, intime et monumental ?

I PRÉSENTATION ET CONTEXTE

II. ANALYSE PLASTIQUE : UN PARADOXE FORMEL

III. ENJEUX THÉMATIQUES

IV. ENJEUX SPATIAUX ET EXPÉRIENTIELS

V. INSCRIPTION DANS L'HISTOIRE DE L'ART

CONCLUSION

Pistes pédagogiques

Dispositif 1 « La presse »

Dispositif 2 : « Fiction »

Bibliographie

Sites musées

AWARE

Dispositif 3 : « Les influences »

De l'INTERPRETATION du réel à la REPRESENTATION d'un imaginaire

Cette séquence a été réalisée par les élèves de Seconde option arts plastiques du lycée Thomas Corneille à Barentin.

Organisation de la séquence

Articulation avec les programmes

Quelques informations sur l'artiste intervenante

Références artistiques prévues

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Intervention de l'artiste Zélie DOFFEMONT

Quelques aperçus du début de la deuxième phase du travail

L'intervention d'un artiste induit un équilibre entre les objectifs d'apprentissage visés par l'enseignant et l'ouverture à une pratique artistique singulière : comment déterminer le rôle de chacun ?

EXPOSER la pratique, la démarche, le sensible

EVALUATION_Témoignage d'une pratique en lycée

David LEMARESQUIER

Lycée Alain Chartier, BAYEUX

Présentation du Livret de Compétences mis à disposition des élèves d'arts plastiques depuis 2019

Modalités d'usage du livret de compétences

Programme limitatif pour l'enseignement de spécialité d'arts plastiques en classe terminale de la voie générale pour l'année scolaire 2026-2027

CORPUS à compter de la rentrée scolaire 2026

PROJECTIONS ET ANALYSES DE FILMS DOCUMENTAIRES DE CRÉATION
LYCÉES LITTRÉ D'AVRANCHES, MILLET DE CHERBOURG, CORNAT DE VALOGNES ET LEBRUN DE COUTANCES
CINÉMA DE VILLEDIEU – LUNDI 23.03.2026

Clean with me after dark (2019) de Gabrielle Stemmer (21 min)
Synopsis