Arts Plastiques / Académie de Normandie

REPRESENTER, REPRODUIRE, IMITER

Virginie Michel — 2026-03-27T07:37:16Z

L'action de copier peut-elle être la source d'une singularité ?

Aider régulièrement les élèves à acquérir une maîtrise instrumentale, afin de tendre vers une esthétique dite « réaliste » – qu'ils visent ou attendent possiblement – répond à leur intérêt initial pour tenter de capturer le réel, de le reproduire, voire à un désir de l'imiter avec précision. Au-delà, et plus fondamentalement, en arts plastiques, il s'agit de leur apprendre à approcher la réalité de manière sensible et artistique, personnelle et singulière. Diversifier la saisie du réel, donc sa compréhension et son interprétation, par l'exploration des différentes ressources qu'offrent la pluralité des moyens d'expression sensibles, leur permet de prendre conscience de l'existence de modalités de création et d'intentions variées associées à la démarche et à l'acte de représenter. Cette diversité des approches, la variété des supports, des médiums et des gestes potentiels invitent chaque élève à relier la représentation à des finalités plus larges que la stricte imitation, selon des visées narratives, expressives, poétiques, symboliques, etc.

Extrait des projets de programmes, p.8 , 2025

Inspiration de la séquence de cycle

La lecture du sujet de l'épreuve pratique d'admissibilité du CAPES externe 2021, intitulé « Peindre ou colorier ? », a constitué le point de départ de la réflexion ayant conduit à l'élaboration de cette séquence. Ce questionnement s'est révélé particulièrement pertinent en ce qu'il ouvre à la fois sur l'analyse de pratiques artistiques modernes et contemporaines et sur une réflexion approfondie autour de l'entrée des programmes consacrée à la "matérialité de la couleur".
La formulation même du sujet, qui n'invitait pas à trancher entre deux pratiques mais à en interroger les enjeux, m'a semblé porteuse pour engager les élèves dans une démarche réflexive autour de la peinture, de son expressivité et de sa matérialité. Plus largement, elle permet d'aborder la notion de création artistique dans toute sa complexité, ainsi que la question du référent, en interrogeant les liens entre intention, geste, matière et sens.

L'action de copier peut-elle être la source d'une singularité ? ou pour le dire simplement Copier, est-ce créer ?

L'imitation est fréquemment envisagée comme une forme d'« entraînement », notamment dans l'apprentissage du dessin, et la copie a longtemps constitué une étape fondamentale de l'enseignement artistique académique. Elle a ainsi été associée à l'acquisition progressive de savoir-faire techniques et à la maîtrise des codes de représentation.
De nombreux artistes ont, par ailleurs, recours à la reproduction d'œuvres existantes ou à leur réinterprétation afin d'en comprendre les compositions, d'en analyser les détails ou de s'approprier des procédés plastiques. S'intéresser à la notion d'appropriation revient dès lors à interroger les rapports entre ressemblance et écart, fidélité et transformation, et, plus largement, à se confronter à une problématique majeure qui traverse l'histoire de l'art : celle de l'imitation de la nature et des modèles.

En revanche, on peut tout à fait travailler sur la notion de copie avec les élèves. Mais cette fois il s'agira de placer l'élève dans une distance réflexive avec ce qu'il est en train de copier. Il s'agira de lui permettre de comprendre pourquoi et pour quelle finalité il est en train de copier. Dans ce cas-là, la copie revêt un caractère différent : elle est problématisée, elle est proposée comme une attitude qui permet de comprendre, soit que la copie est toujours déformation de ce que l'on copie, que la copie peut se faire aussi avec des moyens mécaniques, tels que la photocopie, mais que le résultat n'aura absolument pas la même apparence,etc. Ainsi la pratique et la réflexion, la pratique et l'esthétique seront-ils dans un relation, dans une fusion.

Isabelle ARDOUIN - l'éducation à l'école - 1997 ESF éditeur

Classe de 6ème : Représenter est-ce faire ressembler ?

Lien avec les programmes :
La représentation plastique et les dispositifs de représentation

La ressemblance
L'autonomie du geste graphique, pictural, sculptural

Notions abordées :
Support / Outil / ressemblance / écart / singularité / exagération…

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Représenter le monde environnant ou donner forme à son imaginaire en explorant divers domaines (dessin, collage, modelage, sculpture, photographie, vidéo…).

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Se repérer dans les étapes de la réalisation d'une production plastique individuelle ou collective, anticiper les difficultés éventuelles.

Déroulé de la séquence

Cette séquence, mise en œuvre en tout début d'année de sixième, vise à accompagner les élèves dans la construction de la notion de « représentation ». Elle constitue un temps d'entrée dans les apprentissages en arts plastiques en permettant de poser des repères communs et de clarifier les enjeux liés au fait de représenter un référent.

Séance 1 : « Réalisez une belle représentation de votre figurine »
Utilisez des outils et matériaux que vous connaissez, que vous avez l'habitude d'utiliser.

Séance 2 : « Vous réaliserez une deuxième version mais avec des outils et matériaux que vous ne connaissez pas ou peu. »


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Léonard de VINCI La Joconde 1503-1506	Honoré DAUMIER Dupin Ainé ou l'orateur 1832	Jeff KOONS Balloon Dog (Magenta) 1994-2000

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à interroger les notions de ressemblance et d'écart par rapport au référent, en prenant conscience que toute représentation implique des choix et des transformations. Cette réflexion conduit également à aborder des questions transversales telles que celles du « beau », du goût et de la subjectivité du regard. L'étude de l'écart intentionnel permet notamment de mettre en évidence sa portée expressive et signifiante : par exemple, l'exagération peut devenir un procédé plastique permettant de produire un effet de caricature, de susciter le rire ou de transmettre un message.

Classe de 5ème : Comment soutenir une intention plastique en interrogeant des associations de matières avec de la peinture ?

Lien avec les programmes :
La matérialité de l'œuvre : l'objet et l'œuvre

La transformation de la matière
Les qualités physiques des matériaux
Le numérique en tant que processus et matériau artistiques
La représentation ; images, réalité, fiction
Le dispositif de représentation, la ressemblance

Notions abordées :
Matière, épaisseur, couches, recouvrement, empâtement, ressemblance, couleurs, nuances, immatériel, pixels, numérique

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une
intention artistique en restant attentif à l'inattendu
Recourir à des outils numériques de captation et de réalisation à des fins de création artistique.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Faire preuve d'autonomie, d'initiative, de responsabilité, d'engagement et d'esprit critique dans la conduite d'un projet artistique.
S'exprimer, analyser sa pratique, celle de ses pairs ; établir une relation avec celle des artistes, s'ouvrir à l'altérité

Déroulé de la séquence

Demande 1 (2 séances) : Réalisez une « PEAU de peinture » à cette photocopie. Vous
travaillerez directement sur la photocopie mise à disposition. Vous utiliserez obligatoirement
des matières et matériaux pour réaliser votre peinture.

Demande 2 (1 séance) : Munissez-vous de votre peinture et à l'aide du logiciel ArtRage,
utilisez les outils à disposition pour FAIRE CROIRE qu'il s'agit de la même peinture !


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Giacometti “Diego” 1954	LICHTENSTEIN “white brush” 1965	KIEFER “terre des 2 fleuves” 1995

Pendant cette séquence, les élèves sont amenés à identifier et à comprendre la dimension expressive d'une œuvre ainsi que les effets produits par l'usage de la matière dans un processus de création. Ils examinent la manière dont une matérialité affirmée — épaisseur, superpositions, diversité des matériaux — influe sur la perception de l'œuvre. Cette réflexion les conduit à interroger le contraste entre cette présence matérielle et l'immatérialité d'une image numérique, dont la nature intangible modifie le rapport sensible que l'on peut entretenir avec elle.

Classe de 4ème : En quoi un processus d'appropriation et de détournement d'une œuvre permet-il de porter un regard critique ?

Lien avec les programmes :
La représentation ; images, réalité et fiction

L'autonomie de l'œuvre d'art, les modalités de son auto-référenciation
La création, la matérialité, le statut, la signification des images

Notions abordées :
OUTIL, COULEUR, peinture, image numérique, FORME, ressemblance, écart,
composition, organisation, …

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une
intention artistique en restant attentif à l'inattendu
Recourir à des outils numériques de captation et de réalisation à des fins de création artistique.

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.
Confronter intention et réalisation dans la conduite d'un projet pour l'adapter et le réorienter, s'assurer de la dimension artistique de celui-ci.

Déroulé de la séquence

Demande 1 (2 séances) : Choisissez une œuvre d'art et par les moyens de votre choix, en 2 dimensions ou en volume, décortiquez l'œuvre !
Vous n'utiliserez aucun mot ni écritures dans votre réalisation qui pourra se composer de plusieurs travaux.

Demande 2 (2 séance) : Choisissez une œuvre et faites-en une image publicitaire !
Il devra y avoir un lien évident entre l'œuvre et le produit dont vous faites la publicité ; L'œuvre, les éléments ajoutés et textes doivent former un tout.


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Edouard MANET “Le déjeuner sur l'herbe” 1862	Alain JACQUET “Le déjeuner sur l'herbe” 1964	N. SIMARIK “La déroute” 2006

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à s'approprier des œuvres majeures de l'histoire de l'art à travers la manipulation de reproductions envisagées comme des matériaux plastiques. Ils découvrent ainsi que travailler à partir d'une œuvre existante ne consiste pas à la reproduire à l'identique, mais à engager un processus d'appropriation et de détournement. Cette approche leur permet de comprendre qu'un artiste peut s'appuyer sur une œuvre préexistante pour créer et pour exprimer un propos ou transmettre un message.

Classe de 3ème :Une image abstraite peut-elle provenir d'un référent ?

Lien avec les programmes :
La représentation ; images, réalité et fiction

L'autonomie de l'œuvre d'art, les modalités de son auto-référenciation
Le dispositif de représentation

Notions abordées :
OUTIL, COULEUR, FORME, peinture, image numérique, forme, ressemblance, écart,
composition, organisation, …

Compétences évaluées prioritairement :
EXPÉRIMENTER, PRODUIRE, CRÉER

Choisir, mobiliser et adapter des langages et des moyens plastiques variés en fonction de leurs effets dans une intention artistique en restant attentif à l'inattendu

METTRE EN ŒUVRE UN PROJET

Concevoir, réaliser, donner à voir des projets artistiques, individuels ou collectifs
Mener à terme une production individuelle dans le cadre d'un projet accompagné par le professeur.
Confronter intention et réalisation dans la conduite d'un projet pour l'adapter et le réorienter, s'assurer de la dimension artistique de celui-ci.

Déroulé de la séquence

Demande (2 séances) : Ma photographie devient une image abstraite ! A partir de votre photographie de l'architecture du collège et sur le format de votre choix, réalisez une peinture abstraite.
D'une manière ou d'une autre, votre photographie sera le point de départ de votre réalisation abstraite.
Vous utiliserez des outils et matériaux que vous connaissez et avez pu découvrir lors de vos années en arts plastiques au collège.


ŒUVRE 1	ŒUVRE 2	ŒUVRE 3
Claude MONET "Nymphéas, reflets de saule » 1916-19	W.KANDINSKY composition VII 1913	M.ROTHKO untitled 1947

Au cours de cette séquence, les élèves sont amenés à travailler à partir de l'architecture du collège, qu'ils ont préalablement photographiée. La photographie, en tant qu'image permettant de saisir le réel, constitue le point de départ d'un travail de transformation vers l'abstraction. Cette démarche permet de redéfinir la notion d'abstraction avec les élèves, d'en comprendre l'émergence dans l'histoire de l'art et d'engager une réflexion sur les formes, les couleurs ainsi que sur les enjeux de composition et d'organisation de l'espace plastique.

Marion LARPENT

Entretien avec ... une enseignante d'arts plastiques formatrice à l'INSPE de Caen, Centre d'Alençon

Virginie Michel — 2026-03-20T20:48:43Z

Entretien avec .... Mélanie BOURON, Professeure d'arts plastiques, Formatrice à l'INSPE de Caen, Centre d'Alençon, Doctorante sous la direction de Bruno Hubert Proféor CIREL Université de Lille.

Entretien avec .... Mélanie BOURON,

Professeure d'arts plastiques

Formatrice à l'INSPE de Caen, Centre d'Alençon

Doctorante sous la direction de Bruno Hubert Proféor CIREL Université de Lille

1_Quel est votre parcours scolaire ? ?

Ma scolarité au lycée, en option et spécialité arts plastiques au lycée Léonard de Vinci (Montaigu, 85), a été marquée par l'enseignement de M. Jacques Hayotte. Cette rencontre a été fondatrice : j'y ai découvert l'expérience de l'art comme une écriture de ma pensée. Elle m'a permis de développer une écriture plastique et artistique, au fondement d'un nouveau rapport au savoir scolaire, jusque-là complexe pour moi en tant qu'élève. Cette expérience initiale s'est prolongée dans un double engagement éducatif, artistique et citoyen. J'ai débuté ma carrière professionnelle par des expériences en éducation populaire, enrichies par des mobilités internationales (Canada, Pologne, Roumanie, etc.), avant de me spécialiser en pédagogie et didactique des arts plastiques (Université Rennes 2, Paris 1 Sorbonne) et d'obtenir le CAPES en 2004.
Entre 2005 et 2016, j'ai exercé comme enseignante en collèges REP et en milieu rural, en développant des expérimentations pédagogiques interdegrés (CARDIE) autour de l'expographie et de la médiation artistique, tout en m'engageant dans la formation continue. La rencontre et le travail avec les élèves de Vimoutiers (61) et de Trun (61) m'ont formée et ont construit des convictions fortes sur l'importance de l'expérience artistique dans des parcours d'apprenants en recherche de sens. Depuis 2016, je suis formatrice à l'INSPE Normandie Caen (centre d'Alençon), où j'accompagne des étudiants et des stagiaires, avec une attention particulière portée aux processus de formation par l'expérience. À partir de 2019, j'ai orienté mes besoins de formation professionnelle vers l'ingénierie de formation (Master 2 Formation de formateurs) et la recherche, en développant une réflexion autour des concepts d'expérience, d'écriture de la personne, et d'auto- et d'hétéro-formation. En 2021, j'ai découvert par Philippe Meirieu la pédagogie d'initiation de Germaine Tortel, un univers éducatif centré sur le développement des langages sensibles et artistiques des enfants comme construction d'un rapport aux savoirs scolaires. En 2023, j'ai déposé un projet de thèse sous la direction de Bruno Hubert (CIREL, équipe Proféor, Université de Lille) en recherche Biographique (Delory-Momberger) portant sur l'enseignant comme sujet-auteur, et sur la manière dont, dans un cadre d'éducation prescrit, il s'engage dans un processus de création d'un travail éducatif (Niewiadomski, Champy-Remoussenard), pensé ici comme un travail à visée d'émancipation pour l'élève/enfant et émancipatoire pour lui-même.

2_Quelles sont vos missions actuelles ?

J'exerce au sein de l'INSPE Normandie Caen, en Master 1 et 2, des missions qui articulent formation, recherche et responsabilités institutionnelles.
Mon activité s'inscrit dans le champ de la formation des adultes : je conçois et mets en œuvre des formations en didactique des arts plastiques à l'école, sur les langages de l'enfant, en particulier en maternelle, ainsi que sur les mouvements pédagogiques. J'accompagne de manière continue les étudiants et professeurs stagiaires à travers des dispositifs d'analyse de l'activité professionnelle et de tutorat. J'anime également un atelier de recherche intitulé, « Expériences et apprentissages scolaires : place du sensible et de la personne » ; j'encadre des mémoires de master (M1, M2) et participe aux jurys de soutenance. Depuis le début de mon doctorat, je contribue à la diffusion des savoirs par des communications et des publications, et je participe à l'organisation d'événements scientifiques. Par ailleurs, depuis 2019, année de ma titularisation à l'université, j'assume des missions de coordinatrice pédagogique sur le centre INSPE Normandie Caen d'Alençon, impliquant des fonctions d'organisation, de pilotage pédagogique et d'accompagnement des étudiants dans leur parcours de formation.

Territoires, étudiantes de M2 Meef 1er degré, 2025, collaboration avec Marie-Noëlle Deverre, projet HABITER LA, Mélanie Bouron INSPE Normandie Caen centre Alençon (photographie personnelle)

3_Pouvez-vous nous partager quelques expériences avec des étudiants ?

4_Quelles porosités existe-t-il entre votre mission de formatrice et votre recherche dans le cadre de votre doctorat ?

Je fais le choix d'articuler ces deux questions, car la porosité entre ces expériences est effectivement centrale. Mon approche a toujours été la même en tant qu'intervenante, enseignante, formatrice et aujourd'hui doctorante : comment le travail que l'on produit nourrit l'apprenant, qui produit à son tour un travail qui nous nourrit, et ainsi de suite… Cette approche s'inscrit dans la filiation de la pensée de John Dewey sur l'expérience.

« C'est ce que le monde me fait quand je fais quelque chose au monde » (Barbier).

J'ai la possibilité d'accompagner les étudiants sur deux ou trois années de leur parcours pour devenir professeur·e des écoles ; la polyvalence de mes missions me permet de les rencontrer et de les accompagner à des étapes différentes de leur professionnalisation. L'expérience que je souhaite vous partager est une journée d'étude (mars 2026) intitulée Enfant auteur : penser à hauteur d'enfants (Korczak), que j'ai co-conçue et coordonnée en invitant des chercheurs, chercheuses et des professionnel.le.s de l'éducation au début du mois de mars 2026, et qui était ouverte à toutes et tous. Cette journée était dédiée au travail et à l'expérience éducatifs, pédagogiques et didactiques permettant aux enfants de se dire, de s'écrire, d'entrer dans une démarche d'auteur. Elle était organisée autour de conférences, d'ateliers et d'espaces de rencontre avec des praticiens et praticiennes.
A l'issu, j'ai reçu des témoignages par mail d'étudiantes et de professeures stagiaires ; pour vous partager ma réflexion sur cette porosité que je fais entre formation et recherche, je m'appuie sur l'un d'eux, celui de M. Valéri (PE stagiaire 1er degré, ex-étudiante de M1 et M2 ayant suivi mon atelier de recherche). Elle m'écrit le soir de la journée de formation et me raconte ce que ce temps de formation a suscité en elle :

« Cette journée me fait beaucoup réfléchir à la manière dont je voudrais enseigner : la place que je veux laisser aux enfants dans la classe et dans leurs apprentissages, la place de leur parole, de leurs droits, et de leur construction en tant que personnes. Je me sens encore assez impuissante sur la manière dont j'enseigne pour l'instant. La question de la légitimité est présente : j'ai parfois l'impression de ne pas faire assez, ou de ne pas faire « correctement », parce que j'aimerais tendre vers ce type de pédagogie. Cette journée m'a aussi fait prendre conscience que (…) j'ai encore besoin de travailler la manière d'aborder les différents langages avec les enfants. Je sais qu'il en existe plusieurs formes, mais j'aimerais encore approfondir et structurer tout cela. »

Elle revient également sur un moment qui l'a particulièrement marquée :

« (…) Lors de l'atelier avec les membres de l'association Sur les pas de Germaine Tortel, j'ai également pu clarifier certaines choses. Jusqu'ici, en voyant les dossiers finalisés, j'avais du mal à imaginer comment cela pouvait réellement se construire en classe (…) de voir comment les choses peuvent (...) prendre sens pour les enfants. (...) Elisabeth Tresallet nous a raconté une situation simple vécu dans une classe qui m'a beaucoup fait réfléchir : [elle reprend les propos d'E. Tresallet] « suite à un échange provoqué par un enfant sur le sujet on a demandé aux enfants de GS de dessiner un cheval, on a affiché tous les dessins au tableau, et un élève a dit : « Je ne sais pas bien dessiner un cheval ». À partir de là, plusieurs questions ont été posées : – Qu'est-ce que cela veut dire « bien dessiner » ? - Comment peut-on bien dessiner si on n'a jamais appris à le faire ? - Qu'est-ce qu'il faut apprendre pour dessiner un cheval ? - Pourquoi dessiner un cheval ? » J'ai vu comment les élèves pouvaient alors comparer, critiquer leurs dessins, observer les points communs et les différences, et lister ce qu'il faudrait apprendre. Ensuite, j'ai compris qu'on peut apporter des références : des photos, des documentaires, ou même aller voir un cheval en vrai. Les enfants peuvent reprendre leur dessin (...), effacer, recommencer. Cela permet d'entrer dans une pratique d'essais-erreurs et de dédramatiser l'erreur : on apprend en répétant, en s'entraînant. Il y a des allers-retours entre leurs productions, pour les comparer et les faire évoluer. Puis l'idée est d'ajouter des situations-problèmes : par exemple, « si on veut maintenant que notre cheval saute, coure, comment peut-on le dessiner ? ». On peut alors observer une vidéo d'un cheval qui court... »

Cheval ailé, Thierry, 5 ans, classe de Grande Section, Les animaux porteurs de rêve : le cheval A1C111 extrait du dossier, collection Germaine Tortel©

Cette enseignante débutante, en choisissant le témoignage de Mme Tresallet, institutrice et inspectrice à la retraite, nous donne à voir comment la narration de l'expérience de l'autre (« dessiner un cheval ») résonne en elle et lui permet de mieux comprendre ce qu'elle a appris en formation et dans sa classe : comment amener les enfants vers des situations de recherche complexes, mobilisant des apprentissages fondamentaux pour permettre à l'enfant de structurer sa pensée : observer, tracer, représenter, imaginer, raconter, chercher, critiquer, etc. mais aussi prendre conscience que le langage dessiné est un langage à l'articulation de savoirs disciplinaires (sciences, arts, oral), et non une capacité innée ou un simple savoir technique. Elle met en lumière les enjeux langagiers de représentation, de création, de confrontation aux pairs et de rapport à l'erreur. Elle inscrit enfin cette réflexion dans la perspective de ses propres besoins de formation, en soulignant l'importance de placer les enfants/élèves face à des situations authentiques de recherche.
J'y vois ici un des enjeux de mon travail de formatrice : créer des espaces d'amorce de réflexion où la personne en chemin de professionnalisation ose se projeter dans un métier qui s'apprend tout au long de sa carrière. Elle revient à la fin de son message sur l'intervention de Laurent Lescouarch (PU en sciences de l'éducation et de la formation, chercheur sur les pédagogies différentes) lors de sa conférence conclusive :

« Sa conclusion m'a particulièrement marquée. Il a utilisé la métaphore de l'escalade : pour pouvoir avancer et prendre des risques, il faut d'abord avoir quatre appuis solides. Une fois cet équilibre trouvé, on peut se permettre de lâcher une prise pour en chercher une autre. Cette image m'a fait prendre conscience qu'en tant que grande débutante, je n'ai pas encore toutes mes prises bien en main. C'est progressivement que je vais réussir à essayer des choses, à les maîtriser, puis à m'adapter aux enfants : observer ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, et ajuster. »

Comme avec le témoignage précédent, elle nous fait part de la résonance que produit en elle cette métaphore utilisée par le chercheur, et de la manière dont cela l'autorise à se dire que ce métier s'apprend et qu'elle a le temps. Sa réflexivité, comme celle de nombreux étudiant·e·s et professeur·e·s stagiaires engagés dans ces espaces, nourrit mes recherches qui, à leur tour, permettent de créer de nouveaux dispositifs visant à engager chacun dans son propre processus de création d'un travail éducatif.

Entretien avec .... une enseignante d'arts plastiques au sein d'une classe COOP

Mael Judic — 2026-03-17T13:55:47Z

Amandine PASQUIER, professeure d'arts plastiques au sein d'une classe COOP

1_Quel est votre parcours scolaire ?

Je suis actuellement en poste au Collège Claude Bernard depuis septembre 2013, J'y ai fait mon année de stage, avant de devenir titulaire de mon poste. C'est par conséquent un collège et un public que je connais bien.

2_Quel est votre fonction et vos missions ?

Je suis professeure d'arts plastiques et professeure principale depuis plusieurs années. D'abord du niveau 5e puis 4e avant de passer en 3e depuis maintenant 3 ans. J'ai également comme mission d'être la référente culturelle de mon établissement.

3_Quelles sont les caractéristiques principales de votre établissement REP ?

Claude Bernard est un établissement de REP avec une grande mixité. Nous avons une CHAT dans notre établissement ainsi qu'une section sport-étude (HAC/Municipaux), nous accueillons également des élèves d'un club de Hand et de Basket ayant des emploi du temps adaptés. Un autre dispositif qui apparaît dans la DHG est la classe coopérative.

4_Comment est née la classe coopérative ?

Comme beaucoup d'établissement de REP, nous sommes confrontés à des problématiques classiques : résultats inférieurs aux moyennes nationales, un déterminisme assez marqué, des élèves qui décrochent ou ne progressent pas. En plus du climat scolaire qui est parfois complexe.
De ce constat, en septembre 2016, nous avons décidé d'ouvrir une classe de 5è coopérative sous l'impulsion d'un collège (M.Jouet) inspirée de la pédagogie nouvelle (Freinet, Oury) tout en l'adaptant aux réalités de notre établissement.

5_Comment définiriez-vous les spécificités de la classe coopérative ?

Pour résumer, les élèves ont deux heures en plus dans leur emploi du temps. Ils commencent leur semaine avec le « quoi de neuf » et la clôture avec le « conseil coop ».
Deux heures particulières où l'accent est mis sur l'échange, l'oral, la résolution de conflits, la réalisation de projet (cf article ci-joint qui détaille davantage les spécificités de cette classe).

6_Pensez-vous que cette classe coopérative influence votre approche pédagogique ?

Le travail de groupe et l'échange entre élèves sont vraiment facilités au sein des classes coopératives. Les élèves s'emparent plus facilement des propositions d'enseignements et s'engagent dans les projets proposés.
Je trouve qu'en arts plastiques, il est plutôt facile de s'adapter à ces classes où l'enseignant n'est pas dans une position frontale avec la classe. Cela a sûrement dû influencer mon approche pédagogique, même si par nature je trouve que notre discipline est ouverte.

7_Pouvez-vous nous partager quelques expériences avec des élèves de cette classe ?

L'équipe pédagogique des classes coopératives fonctionnent souvent en projet comme par exemple lors de « la leçon aux parents » ou les élèves présentent une notion devant un groupe de parents (cyanotype, la pile ..). Un autre projet réunissait le français, l'HG et les arts plastiques pour créer un carnet qui suivait au fil des pages le programme de 3ème (lettre d'un soldat des tranchées, …). Il y a souvent des semaines à thème comme par exemple la semaine « de port en port » ou chaque disciplines abordent le sujet. Le projet sweat est un autre exemple de projet. Après avoir créé un logo du collège, dans le but de l'imprimer sur des sweat et tee shirt, Les fonds récoltés ont été reversé à une association que les élèves ont choisi.

À l'occasion de la semaine à thème "Port en port" des classes COOP, les élèves ont composé leur poème tout en créant un calligramme

Lettre IAN

Mael Judic — 2026-03-17T10:52:38Z

Exposition "À fleur de peau" au lycée Henri CORNAT à Valognes

Mael Judic — 2026-03-12T08:43:13Z

Cette exposition présente un ensemble d'œuvres où les humains semblent tenter de devenir végétal. Les œuvres - photographie, dessin, collage, peinture ou céramique - dévoilent des mondes dans lesquels les frontières entre les formes de vivant deviennent floues, révélant une envie de fusion avec la nature ou une vision animiste des plantes et du paysage.

Affiche de l'exposition

Livret de l'exposition

Diffusion numérique des collections des musées de France

Gabrielle SIMON — 2026-03-09T19:30:25Z

Le service des musées de France publie régulièrement des lettres d'informations. Vous y trouverez les musées du mois , les notices du mois et diverses actualités.

Ici la lettre de decembre 2025

Ici la lettre de mars 2026

Le service Joconde est un catalogue collectif des collections des musées de France. Il faut pour le consulter utiliser POP, plate forme avec filtres qui permet d'accéder à des notices et des reproductions d'oeuvres.

Arte.tv et France culture

Gabrielle SIMON — 2026-03-09T19:27:43Z

Voici quatre liens vers des emissions qui lient l'art et l'IA :

Un reportage diffusé sur Arte.tv dont les images sont générées par une IA qui traite de cette question : comment l'IA va-t-elle faire évoluer les métiers artistiques ? Pourquoi créer des images ? Pourquoi les images nous fascinent-elles ? Les machines peuvent-elles remplacer les métiers créatifs ? La technologie fascine, doit-elle nous faire peur ?
https://www.arte.tv/fr/videos/117230-004-A/underscore/

Toujours sur Arte.tv un reportage sur la genèse de l'identité visuelle de l'IA. Comment choisir les éléments iconographiques, les couleurs, les symboles pour donner une identification visuelle ? Les choix sont associés à des concepts, cela sous entend une idée de comment fonctionnent les IA tout en mettant sous silence les travailleurs qui restent dans l'ombre.
https://www.arte.tv/fr/videos/110342-147-A/le-dessous-des-images/

Sur France culture voici un podcast intéressant sur l'art, l'IA et le geste artistique.
Comment définir l'art génératif, en se plaçant dans l'histoire de l'art ? Avec l'intervention de Takyon236, artiste et codeur, les invités évoquent les liens entre le langage et l'image, le "promptisme", comment se génèrent les images à partir de nos archives ? Comment fonctionnent les entrainements des modèles ? Comment travailler avec une machine sans vraiment comprendre comment la contrôler ?
https://www.radiofrance.fr/francecu...

Toujours sur France culture une émission qui interroge le droit d'auteur, la propriété intellectuelle ou spirituelle.
Peut-on protéger la propriété intellectuelle "à la manière de ", la responsabilité est-elle partagée entre le prompteur et l'IA, comment légiférer ? "L'opt-out" ? Pourrait-on défendre une propriété spirituelle ? Rim Battal s'interroge sur l'atteinte à la dignité de la personne.
https://www.radiofrance.fr/franceinter/podcasts/un-monde-nouveau/un-monde-nouveau-du-samedi-05-avril-2025-8212035

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Mael Judic — 2026-03-07T16:13:10Z

Dans quelle mesure une production peut-elle articuler les notions de fragment et d'unité pour construire une représentation cohérente et signifiante du paysage ?

Cette séquence, conçue pour les élèves de 1ère Spécialité Arts Plastiques, s'inscrit dans la partie du programme : « Les enjeux de la représentation, de ses langages et de ses moyens plastiques ». Elle invite les élèves à interroger les conceptions de la représentation de l'espace dans le champ de l'art contemporain, par l'affirmation de différents degrés de distance au référent.

Organisation de la séquence

La première séance (2 heures) est dédiée à la présentation du projet et à une immersion directe dans le champ artistique contemporain. Les élèves participent à un atelier de pratique plastique avec l'artiste Tom Nadam, qui expose dans la galerie de l'établissement, dans le cadre du dispositif De Visu. Cette rencontre permet d'ancrer la réflexion théorique dans une expérience concrète de la création.

Entre la première et la deuxième séance, un travail personnel est demandé aux élèves pour enrichir leur culture artistique. Ils visionnent la vidéo de présentation de l'exposition « Paysage, Fenêtre sur la nature », tenue au Musée du Louvre-Lens entre mars et juillet 2025. Ce visionnage doit être accompagné d'un travail de prise de notes, visant à alimenter leur réflexion avant la mise en pratique.

La deuxième séance (2 heures) reprend la réflexion autour de « Fragments et unité dans un paysage ». Elle commence par une réflexion et une analyse collective de la problématique. Les termes clés sont définis à l'oral : le fragment (morceau, partie), l'unité (homogénéité, cohérence, assemblage), le paysage (ce que l'on voit, point de vue, cadrage, nature) et l'hétérotopie (lieu autre, imaginaire, cosmos, utopie). À l'issue de cette analyse, le travail plastique se poursuit.

Évaluation et aticulation avec les programmes

L'évaluation de cette séquence porte sur la capacité des élèves à expérimenter, produire et créer, ainsi qu'à mettre en œuvre un projet artistique. Elle inclut également la capacité à exposer l'œuvre, la démarche et la pratique :

Créer un paysage à partir de fragments (photographies, collages, objets, matériaux divers) pour créer une image globale cohérente ;
Proposer une analyse critique de sa production : les élèves doivent exposer leur démarche de création, les choix esthétiques et conceptuels qui ont guidé leur projet, ainsi que les difficultés rencontrées et les solutions trouvées ;
Contribuer au dispositif scénographique.

Les élèves travaillent à partir d'images de paysages brûlés ou désolés - thème central de son œuvre. Sur des supports papier de différents formats, chacun doit extraire un fragment de l'image (recadrage, agrandissement) puis retravailler textures et couleurs avec différents médiums.

L'exercice ne se limite pas à une simple copie : il propose une confrontation concrète entre photographie et matière picturale, entre échelle choisie et lisibilité du détail, invitant à réfléchir au geste, à la surface et à l'interprétation chromatique.

Une visite préalable du site de l'artiste et de son exposition a préparé le travail en atelier, et Tom Nadam a présenté sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de ses compositions, afin que les élèves saisissent le lien entre fragmentation et assemblage.

À travers cette séquence, les élèves sont amenés à répondre aux questions enseignables suivantes :

• Comment faire unité à partir du fragment ?
• Comment créer une cohérence plastique au sein d'un ensemble hétérogène ?
• Quelles caractéristiques visuelles permettent de définir le genre du paysage ?

Ainsi, cette séquence permet de lier la pratique plastique à une réflexion critique sur la construction de l'espace et sa représentation contemporaine.

Quelques informations sur l'artiste intervenant

"Diplômé des beaux-arts de Caen en 2018, aujourd'hui, Tom Nadam vit et travaille à Rennes.

Animées par un sentiment de faux calme, ses peintures révèlent des moments de flottement, des environnements bouleversés et des figures en déclin. Cette atmosphère si particulière naît d'un danger tapis dans l'ombre, d'une sensation d'instabilité ou d'une menace passée. Pour favoriser ces jeux de tension, Tom joue du contraste et de l'ambiguïté des motifs qu'il utilise. Il puise son inspiration dans des excursions marquantes. Islande, Etna et Champs Phlégréens plantent le décor de ses meutes imprévisibles. Le chien est la première figure qui alimente une dualité dans son travail. Entre monde des morts et monde du vivant, fidèle compagnon et bâtard errant, dominé comme dominant, il traduit une tension constante. Sans morsure, ni blessure, ni sang, une certaine animosité se dégage pourtant des compositions. Plus récemment, les violents feux de forêts survenus en 2022 ont profondément affecté sa pratique. Tom représente alors une nature grondante, sauvage, révoltée et démesurée. En s'immergeant dans les Monts d'Arrée, à Lussas et dans la plaine des Maures, il récolte les vestiges de ces terres arides qui lui évoquent des formes familières. Ainsi, dans un climat quasi désertique, apparaissent tels des mirages : roches, objets trouvés, crânes, meutes diaphanes ou autres silhouettes étranges. Tom dresse leur portrait, qui, dans un état de fulgurance, semblent aussi précieux que fragiles. À travers les épaisses fumées, ces éléments se dévoilent comme les rescapés de ces drames, incarnant un semblant d'espoir."

Intervention de l'artiste Tom NADAM

À partir d'images de paysages en feu ou désolés après son passage (thème de son travail), et des supports en papier prédécoupés (20 X 20, 40 X 20 et 40 X 40 cm) les élèves devaient reproduire à l'échelle une partie de l'image (recadrage, agrandissement) et surtout retravailler les textures et les couleurs en découvrant la peinture acrylique. Une visite du site de l'artiste et de l'exposition avait été faite en amont. Tom Nadam a aussi expliqué sa démarche de collages et de patchwork à l'origine de son travail.

La taille des supports permet une installation rapide et facilité des travaux d'élèves dans la galerie pour un accrochage lors du vernissage à suivre (panoramique, mosaïque, pixels ?...). Un temps d'une demie heure a été alloué avant le vernissage de l'artiste dans la galerie pour que les élèves investissent en commun le mur dédié avec leur travail. L'accrochage a donc été fait en classe entière, en autonomie, mais avec la présence de l'artiste et des enseignants pour justifier les divers choix (hauteur, choix des motifs, couleurs, composition, brillance, unité, "trous de respiration"...).

Quelques aperçus du travail en cours pour la première phase

Accrochage réalisé par les élèves de leurs travaux avant le vernissage

Afin d'approfondir autour de la question du paysage

Entre la première séance et le deuxième, un travail devait être mené à la maison. Les élèves devaient visionner une vidéo de présentation de l'exposition Paysage : Fenêtre sur la nature. Il s'agit d'une exposition ayant eu lieu au Musée du Louvre Lens du 29 mars au 24 juillet 2025. Il s'agissait aussi pour les élèves de prendre une série de notes écrites.

Commissariat
Vincent Pomarède, conservateur général du patrimoine au musée du Louvre Marie Gord, attachée territoriale de conservation au Louvre-Lens
Marie Lavandier, directrice du Louvre-Lens
Scénographie confiée à l'artiste Laurent Pernot et à l'architecte-scénographe du Louvre-Lens, Mathis Boucher

Réflexion et analyse collective de l'incitation

Au début de la deuxième séance, les élèves devaient produire un écrit durant 15 minutes autour des termes de l'incitation.

FRAGMENTS et UNITÉ dans le PAYSAGE

Fragment : Morceau / Partie
Unité : Homogénéité / Cohérence / Ensemble / Assemblage / Construction
Paysage : Ce que l'on voit / Point(s) de vue / Cadrage(s) / Nature ?
Hétérotopie (lieux autre) : Imaginaire / Cosmos / Univers / Utopie

L'évaluation

Quelques exemples d'élèves au travail

Cécile Malézieux et Florent Cordier

FORMER, TRANSFORMER : exposition de Bina Baitel, Centre MATMUT pour les arts

Mael Judic — 2026-03-06T12:57:24Z

En quoi la matérialité des objets conditionne-t-elle les formes et véhicule-t-elle les intentions artistiques de l'artiste ?

FORMER et TRANSFORMER des objets familiers pour les rendre étonnants

La production de Bina Baitel mêle art, design et architecture. Elle est d'abord diplômée de l'École nationale supérieure d'architecture de Paris La Villette, avant de fonder son studio de design et d'architecture en 2006. La designer joue avec les matières, les volumes et les effets visuels et l'interactivité du spectateur.

« La plupart de mes pièces invitent à de nouvelles expériences, qu'elles se manifestent par le toucher, le mouvement, le regard ou la réflexion. Elles invitent à interagir plutôt qu'à rester dans une simple position d'observation. »

Ainsi la lampe tactile et interactive Fur Light réagit à la caresse d'une main tandis que la lampe Grimm se compose d'une « coulée de miroir ».

A côté des objets design, sont exposés ses sources d'inspirations et ses maquettes ce qui permet d'appréhender l'ensemble de sa démarche. Il est possible de faire le lien entre histoire des arts, arts plastiques et son design à travers trois thématiques

NATURE

Le vocabulaire plastique de Bina Baitel, est lié à la courbe. Elle mêle pleins et creux et effet de matière évoquant la nature (la faune, la flore, le minéral) : tandis que Fur Light est réalisée à partir de vraie fourrure de raton laveur, une autre lampe à partir de peau de raie, certains motifs des tissus rappellent écailles de reptile, minéraux couverts de mousse, peau ou pelage d'animaux... Ainsi, elle nous invite à repenser le lien que nous entretenons avec notre environnement.

MATÉRIALITE / LE VRAI ET LE FAUX

« Je choisis toujours les matériaux en fonction du sujet abordé. »

La matière est au centre de son processus créatif. Les choix auxquels elle procède sont le fruit d'une réflexion.

Fur Light est composé de fourrure qui s'éclaire lorsqu'on le caresse. L'idée vient de son enfance à Jérusalem et des chapeaux de fourrure portés par les rabbins. Elle associe cette matière à la foi des hommes qui la porte symboliser par une lumière.

Pour la Lampe tapis Snug La projection lumineuse est matérialisée par cette flaque en cuir.

Pour ZigZag, elle joue avec les oppositions : celle entre la légèreté de ce zigzag, ce gribouillage, ce geste spontané qui amorce un stylo, et la densité du matériau évoquant les griffonnages.

OBJETS HYBRIDES / DÉTOURNEMENT

« Ma démarche s'exprime dans le détournement, le déplacement ou le décalage, parfois minime, parfois radical, qui fait basculer des éléments familiers vers d'autres lectures. »

Chez Bina Baitel, design, art et architecture se croisent, dialoguent et se mêlent pour faire surgir de nouvelles formes d'expression. De cette hybridation naissent des objets déroutants : des canapés évoquant la douceur des galets (Sela), des chevets qui se liquéfient et se transforment en tapis aux teintes aquatiques. En procédant ainsi, Bina Baitel réenchante le quotidien. Soudain, l'utile ne se limite plus à de simples fonctions, ils se transforment en objet de rêverie.

Confluentia est représentatif de l'échange permanent qu'elle entretient entre les domaines artistiques. Est- ce une création plastique, textile, architecturale, voire du design ? D'un point de vue scientifique, un confluent est le lieu où se rejoignent deux cours d'eau. Ici, deux meubles aux lignes épurées, sont disposés en diagonale. Loin d'être fonctionnels, les caissons tout en courbes, accueillent un tapis qui s'écoule vers le sol. Confluentia a été imaginé dans le cadre de la labellisation de la tapisserie d'Aubusson « Patrimoine culturel immatériel de l'humanité » par l'UNESCO. Les chevets ne font plus qu'un avec le tapis, évoquant ainsi les paysages des tapisseries d'Aubusson. Bina Baitel reprend et détourne les codes d'un savoir-faire. Le flot n'est pas sans évoquer également la célèbre toile d'Ingres, La source de 1856.

INFORMATIONS PRATIQUES

Site de Bina Baitel :https://www.binabaitel.com/fr

Groupes et scolaires
La réservation est gratuite et obligatoire pour les visites, avec ou sans conférencier. Les groupes sont admis tous les jours de la semaine.
https://www.matmutpourlesarts.fr/centre-art-contemporain/visites-ateliers

Lien vers le journal d'exposition.

VIDÉO DU VERNISSAGE DE L'EXPOSITION DE BINA BAITEL

S'orienter dans le labyrinthe numérique.

Gabrielle SIMON — 2026-02-27T17:28:43Z

Comment se repérer dans les espaces numériques efficacement ?

Se repérer

Pour accéder à nos différentes applications, il y a plusieurs chemins.

Dernièrement, les accès à toutes les plateformes ont été regroupés. Le document joint vous propose de passer par l'espace pédagogique Arts Plastiques de l'académie de Normandie comme point d'entrée unique.

Voici quelques plateformes accessibles dès l'espace pédagogique :

Webmail
I-Prof
Portail métier (Magistère, Chorus, Sofia FMO, Adage, Apps éducation,...)
La Digitale
....

Pour garder en mémoire les différents cheminements....un document unique

Il est conçu pour être imprimé en pdf et pour vous faciliter les démarches.

Gabrielle Simon - IAN - ac-normandie